La pintura barroca en España: etapas, características y grandes maestros del Siglo de Oro
La pintura barroca en España
La pintura y los pintores del periodo muestran una gran permeabilidad hacia los modelos extranjeros. Italia y Flandes son el espejo en el que el artista hispano se contempla. Las novedades artísticas, conocidas mediante los viajes, la emigración de pintores y la compra de cuadros, llegan a fundir el estudio de tipos concretos con altos grados de misticismo. Por otro lado, al tratarse de un arte naturalista, se representarán cosas tanto bellas como horrendas.
La pintura española destaca por un gran estatismo y serenidad, aunque tampoco excluye el dinamismo compositivo y de contrastes, donde se oponen modelos, actitudes o mundos distintos.
Dos corrientes fundamentales se impondrán a lo largo del llamado «Siglo de Oro»:
- Primera mitad del siglo: el naturalismo tenebrista. Los pintores asimilan la influencia de Caravaggio, copiando modelos tomados del natural e iluminándolos con fuertes contrastes de claroscuro.
- Segunda mitad del siglo: se impone el gusto fastuoso y vibrante, caracterizado por una pincelada deshecha y suelta junto a los contraluces venecianos, dando lugar al realismo barroco.
A) El naturalismo tenebrista
José de Ribera (El Españoleto)
Contribuyó decisivamente a forjar la escuela napolitana. Entre las principales características de su obra destacan:
- Elección de modelos de la calle y gente del pueblo.
- Empleo de una luz tenebrista y una pincelada apretada, ajustada y minuciosa, la cual evolucionará posteriormente haciéndose más suelta y pastosa.
- Temática predominantemente religiosa, con intensas representaciones de santos y ascetas.
- Retrato de personajes marginados o desfavorecidos que carecen de dignidad convencional, tales como La mujer barbuda o El patizambo.
Hacia 1635, Ribera abandona paulatinamente el tenebrismo estricto, aclara su paleta de luz, se convierte en un colorista excepcional y alterna con mayor frecuencia los temas mitológicos.
Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Educado artísticamente en Sevilla, pasó más tarde a trabajar en Madrid. Su estilo se mantuvo fielmente dentro del naturalismo tenebrista, definiéndose por figuras de gran plasticidad, contornos nítidamente dibujados y sombras densas y robustas, logrando plasmar con maestría profundos estados anímicos.
Sin embargo, fue un pintor con ciertas deficiencias en la articulación compositiva compleja, inclinándose casi siempre por escenas de interiores y mostrando escaso dominio de la perspectiva aérea y la profundidad espacial. En Sevilla realizó obras maestras como la Apoteosis de Santo Tomás de Aquino. A partir del año 1639, su situación económica comenzó a complicarse debido a la fulgurante irrupción de Murillo, quien le hizo una fuerte competencia en los encargos eclesiásticos. Para la Cartuja de Sevilla pintó el célebre lienzo El milagro de San Hugo en el refectorio.
B) El realismo barroco
Diego Velázquez (1599-1660)
Destaca por una prodigiosa facilidad técnica que hacía fluir la pintura sobre el lienzo con una exactitud y precisión pasmosas. Velázquez fue, ante todo, un insigne retratista y un profundo conocedor del ser humano, capaz de penetrar psicológicamente en sus modelos para captar su esencia interior. En su evolución artística, sus composiciones rara vez recurren al movimiento violento; sin embargo, sabe contraponer personajes, miradas y situaciones para dotar a la escena de un dinamismo sutil e insuperable.
Los años sevillanos
Nacido en Sevilla en 1599, inició su formación con Herrera el Viejo. Su perspectiva profesional inicial se ajustaba a los encargos habituales de la época en Sevilla: la pintura religiosa. No obstante, Velázquez descubrió pronto un vivo interés por lo cotidiano y lo inmediato, plasmado en obras maestras del género de bodegón como Vieja friendo huevos. En esta etapa domina plenamente la captación del natural sirviéndose del artificio novedoso del tenebrismo y de una fuerte luz dirigida que modela los volúmenes. Emplea un dibujo detallado y minucioso en los pormenores, con un colorido donde predominan las tierras y los ocres densos.
El descubrimiento de la corte
El monarca Felipe IV favoreció al noble sevillano don Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares, quien llamó a Velázquez a Madrid para retratar al joven rey. El retrato ecuestre resultante fue enormemente celebrado y propició el asentamiento definitivo del pintor en la corte madrileña. La obra más significativa de este periodo es Los borrachos (El triunfo de Baco), una visión personal y desmitificadora del tema clásico de la bacanal, donde la luz natural al aire libre se impone y la técnica pictórica se vuelve más libre y ligera.
El primer viaje a Italia
Durante su primera estancia en Italia pinta La fragua de Vulcano, obra en la que busca demostrar su absoluto dominio del estudio anatómico y del desnudo clásico.
El afianzamiento cortesano
De regreso a Madrid, Velázquez acomete una trascendental serie de retratos ecuestres de Felipe III, Felipe IV, sus respectivas esposas y el príncipe heredero Baltasar Carlos. En estas piezas, el aire libre y la sutil degradación de tonos y sombras configuran la lejanía de las figuras y los paisajes, apoyándose en la alternancia de zonas de luz y claros que multiplican la ilusión óptica de profundidad y atmósfera.
El segundo viaje a Italia
Enviado para adquirir obras destinadas a la modernización del Real Alcázar de Madrid, consigue retratos de una grandeza e introspección psicológica sobrecogedoras. Además, Velázquez pinta allí las dos vistas de la Villa Médici, ejecutadas con un toque ligero, casi inmaterial y preimpresionista, dotadas de una extraordinaria modernidad y libertad de trazo.
Los últimos años
En su última etapa madrileña crea obras cumbre de la historia del arte como La Venus del espejo y Las hilanderas (La fábula de Aracne). En 1656 culmina Las meninas (La familia de Felipe IV), donde una realidad en apariencia cotidiana encierra una complejísima elaboración mental y conceptual: en el taller aparece la infanta Margarita rodeada de sus meninas, enanos y servidores, mientras que la clave interpretativa reside en el espejo del fondo, donde se reflejan las efigies de los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, auténticos protagonistas del espacio hacia donde mira el pintor.
En los años finales de su vida, su producción disminuyó notablemente debido a sus responsabilidades palaciegas como aposentador real. Aun así, dejó una magnífica serie de retratos oficiales en los que la desmaterialización de la pincelada alcanzó su cúspide, destacando los retratos de la Infanta Margarita con traje azul. Falleció en Madrid el 6 de agosto de 1660.
Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682)
La sociedad de su tiempo aplaudió unánimemente sus creaciones iconográficas. Murillo llevó a cabo un arte centrado en filtrar la realidad a través de una interpretación amable e idealizada de los tipos naturales, empleando frecuentemente figuras infantiles y bellas mujeres como modelos devocionales. Su estilo experimentó una continuada evolución técnica y estética hasta consolidar un arte maduro de amplísima luminosidad y figuras de contornos vaporosos.
Su trayectoria se divide en tres fases principales:
- Periodo frío: corresponde a su etapa juvenil y se caracteriza por marcados contrastes lumínicos heredados del tenebrismo, precisión en el dibujo y una pincelada lisa y uniforme. Destaca en esta época La Sagrada Familia del pajarito, donde el artista desdramatiza los sentimientos religiosos aproximándolos al ámbito hogareño.
- Periodo cálido: comienza a realizar lienzos de grandes dimensiones e incorpora los efectos de contraluz y la riqueza cromática veneciana. El tenebrismo se diluye, la pincelada se torna más suelta y el colorido adquiere tonos más cálidos y brillantes.
- Periodo vaporoso: coincide con sus últimos años, momento en que el color se vuelve transparente, difuminado y lleno de resonancias atmosféricas. Obras como la Adoración de los pastores y sus apoteósicas visiones de la Inmaculada Concepción concentraron toda su insuperable gracia pictórica.