Obras Cumbre del Renacimiento y el Barroco: Leonardo da Vinci, El Greco y Bernini
1. La Virgen de las Rocas (Leonardo da Vinci)
Leonardo da Vinci se formó en Florencia y sus primeras obras son de temática religiosa y retratística. Destacó notablemente como inventor y estudioso de la naturaleza, y su teoría pictórica ejerció una gran influencia en el arte universal.
En La Virgen de las Rocas, Leonardo utiliza la superposición de planos con el fin de conseguir una mayor profundidad en la escena. Sitúa en primer término a la Virgen María, Jesús, San Juan Niño y el arcángel Uriel. Entre los agujeros y grietas de las rocas, el maestro representa un detallado fondo paisajístico. El grupo principal se inscribe dentro de una composición piramidal, delimitada entre la cabeza de la Virgen y los cuerpos de los niños. Conviene destacar el expresivo juego de las manos y las miradas de los personajes, a través del cual se encuentran perfectamente interrelacionados.
Leonardo emplea diversos tipos de perspectiva que él mismo sistematiza en su célebre tratado de pintura:
«La perspectiva tiene tres partes: la primera trata de la disminución del tamaño de los objetos; la segunda, de la degradación de los colores; la tercera, de la perspectiva aérea.»
Asimismo, utiliza marcados escorzos, como se aprecia en la mano extendida de la Virgen sobre el Niño Jesús. Según fuentes apócrifas y escritos tradicionales, la sagrada familia descansó en una cueva durante su huida a Egipto, paraje donde se encontraron con San Juan Niño, quien había permanecido protegido en el desierto por el arcángel Uriel.
2. El entierro del señor de Orgaz (El Greco)
En este monumental lienzo se diferencian con claridad dos registros o planos: la tierra y el cielo. No obstante, existen nexos de unión formal e iconográfica entre ambas partes, como la gran cruz procesional a la izquierda portada junto al párroco de Santo Tomé.
La zona terrenal
En la mitad inferior o terrenal, los personajes están organizados a manera de friso continuo, cerrado en sus extremos por las figuras del fraile franciscano y del rector. En primer término se representa el solemne entierro del caballero, señalado directamente por el niño Jorge Manuel (hijo del pintor), quien sostiene una gran vela encendida. Los caballeros secundarios se alinean rítmicamente en columnas verticales mediante el recurso de la isocefalia (alineación de cabezas a una misma altura).
La zona celestial
En la mitad divina, la composición adopta una forma romboidal cuyos vértices principales son las figuras de Cristo, la Virgen, el ángel custodio y San Juan Bautista. A nivel estilístico se observan grandes contrastes:
- En la tierra: Las figuras reciben un tratamiento de exquisito realismo que conforma una auténtica galería de retratos de personajes ilustres de la época toledana. Sobresale el brillo metálico de la armadura damasquinada y el tratamiento minucioso de telas y vestiduras litúrgicas.
- En el cielo: Las figuras celestiales se muestran lánguidas, vaporosas y notablemente estilizadas, en consonancia con la espiritualidad manierista del Greco.
El señor de Orgaz (don Gonzalo Ruiz de Toledo) consiguió en vida que la reina María de Molina cediese el alcázar real a la orden de San Agustín. Según la piadosa leyenda toledana, durante su sepelio en 1323, San Agustín y San Esteban descendieron milagrosamente del cielo para depositar su cuerpo en la tumba.
3. Apolo y Dafne (Gian Lorenzo Bernini)
Sobre una base rocosa se alzan los cuerpos juveniles del dios Apolo y la ninfa Dafne. Bernini capta al primero justo en el instante en que alcanza a su amada, mientras que ella aparece congelada en el momento exacto de su metamorfosis vegetal en árbol de laurel. El conjunto escultórico exhibe una composición dinámica y helicoidal concebida para ser contemplada desde múltiples ángulos.
El valor primordial de esta pieza reside en la virtuosidad extraordinaria del escultor barroco, capaz de transformar un bloque de mármol frío e inerte en una viva escena repleta de tensión, dramatismo y movimiento, logrando que el espectador reconstruya mentalmente la secuencia completa del relato mitológico de Ovidio.
Técnica y virtuosismo escultórico
El acabado técnico es magistral; Bernini cuidó los más mínimos pormenores con asombrosa fidelidad:
- Expresividad psicológica: Reflejada con gran intensidad en los rostros, especialmente el gesto de sorpresa, terror y súplica de Dafne.
- Diferenciación de texturas: A partir de un único material marmóreo logra contrastar superficies rugosas (cortezas de laurel y rocas) frente a superficies pulidas y satinadas en las carnes juveniles.
- Tratamiento lumínico: Potencia el dramatismo visual generando intensos claroscuros a través de profundos trépanos e incisiones estratégicas, como en el follaje o el ahuecamiento de las pupilas.
El argumento mitológico se basa en la venganza de Eros (Cupido), quien, ofendido por las burlas de Apolo hacia su destreza como arquero, disparó al dios una flecha de oro que incitaba al amor apasionado y a la ninfa Dafne una flecha de plomo que provocaba el más absoluto rechazo. Apolo persiguió incansablemente a la ninfa a través de los bosques hasta que esta, agotada, imploró auxilio a su padre, el dios fluvial Peneo, quien la transformó para siempre en laurel.