La Gran Imaginería Española: Escultura Barroca en España e Italia
La gran imaginería española
En España, se priorizó la imagen policromada en temas religiosos. En la escultura española se desarrolló el retablo, de gran monumentalidad y de bulto completo. Tiene la misión de narrar, a través de imágenes y relieves, los principales acontecimientos del catolicismo. Los pasos procesionales buscan el encuentro con el fiel, con figuras en permanente movimiento, ya que es más fácil educar al hombre a través de la emoción y los sentidos que por la vía de la razón. Y, ya en lenguaje claro, sencillo y fácilmente comprensible, y la interpretación realista.
Las escuelas principales son la castellana y la andaluza. Ambas escuelas son realistas, pero mientras la castellana representa imágenes sirientes con la tipología de crucificados patéticos, que exhiben en sus carnes el dramático suplicio de la Pasión, y de vírgenes maduras transidas de dolor, en Andalucía y Murcia surgen cristos apolíneos y vírgenes adolescentes, se omite la sangre. Andalucía sigue usando el fondo de oro; en Castilla solo se encarnan las figuras. En ambos casos se usó el postizo, con la colocación de cabellos reales, uñas y dientes de asta, ojos y lágrimas de cristal, piel animal para simular heridas abiertas.
a) Castilla
Gregorio Fernández (1576-1636) es el maestro del barroco castellano. Se trasladó a la corte, donde logró su madurez artística. Trabajó para las iglesias, pero sus mejores clientes fueron las órdenes religiosas. En Gregorio Fernández se aprecia un naturalismo exacerbado, del que se sirve para conseguir el dramatismo e, incluso, el patetismo en sus creaciones. Sus obras, de talla completa y bulto redondo, se caracterizan en su etapa de esplendor por el modelado blando del desnudo y la rigidez metálica de los ropajes: paños artificiosos, que contrastan con los postizos. Dio forma definitiva en Castilla al Cristo flagelado, por cuyo cuerpo magullado discurre la sangre y en cuyo rostro puede apreciarse una mezcla de resignación y dolor.
b) Andalucía
Andalucía prefirió imágenes serenas y dulces dentro del dramatismo que caracteriza la escultura barroca, y sustituyó la sangre y el dolor por las dorados.
Juan Martínez Montañés, lo denominaban «el Dios de la madera», se formó en Granada y pasó a Sevilla, donde adquirió el título de «maestro escultor». Su estilo es idealizado, sus tallas están muy bien modeladas. Usa la policromía mate y equilibrada. El Niño Jesús del Sagrario sevillano, su éxito fue clamoroso y habría de convertirse en su obra más repetida. Su obra maestra es la Inmaculada de la catedral de Sevilla.
Juan de Mesa (1587-1627). Sus cristos se caracterizan por sus potentes anatomías y por los paños de pureza, lo que lo llevan a denominarlo «el imaginero del dolor». Su crucificado más perfecto es el Cristo de la Agonía. Su imagen devocional más famosa es Jesús del Gran Poder, un corpulento nazareno con la cruz al hombro.
Alonso Cano (1601-1667) es el único que se aproximó al ideal polifacético. Fue arquitecto, escultor, pintor y dibujante excepcional. Hijo de un retablista, es el primer escultor andaluz que no usó el estofado, lo que le obliga a un mayor estudio del color en la escultura. Su obra se aleja del naturalismo para ceñirse a un arte de figuras sintéticas e idealizadas. En 1652 se traslada a Granada, en sus años gloriosos como escultor. Son las figuras de pequeño formato las que le dan fama posterior, especialmente la Inmaculada de la catedral granadina.
c) Murcia
Francisco Salzillo (1707-1783) es el mejor imaginero levantino. Es un escultor elegante, poseedor de un profundo conocimiento anatómico y un auténtico apasionado del color. El resultado son figuras movidas y expresivas, dotadas de gracia, con carnes aporcelanadas y brillantemente estofadas. Destacan los pasos de la Caída y la Oración en el Huerto. Modela figuritas en barro componiendo escenas evangélicas.
La escultura en Italia: Bernini
La escultura experimenta evidentes cambios que potencian la línea, procurando la ruptura del equilibrio clásico. Se busca el naturalismo, representando temas crueles o espantosos. La escultura barroca muestra un uso del movimiento que se hace patente en el uso de la piedra, mármoles de colores y grandes efectos visuales. Tema: exaltación de la religión de la Iglesia.
Bernini contra el barroco. Los rudimentos de la profesión se los adquiere con su padre. El joven Bernini copia las antigüedades helenísticas del Vaticano y admira el arte de Miguel Ángel. Sus esculturas se funden íntimamente con las arquitecturas. Su etapa juvenil corresponde a los encargos mitológicos y bíblicos: El rapto de Proserpina, Apolo y Dafne y su célebre David son prototípicas de esta fase: todas ellas representan el momento culminante, central, en el desarrollo de la acción. Inicia un nuevo estilo que se caracteriza por la importancia conferida al ropaje para apoyar el impacto emocional. Las telas revolotean y se arremolinan en grandes masas de efecto claroscurista, que les permiten «policromar» la imagen con la luz.
El período más creativo de su carrera son los años del pontificado de Inocencio X. Bernini unificó todas las artes, logrando el supremo espectáculo de la teatralidad barroca en el interior de un templo con el éxtasis de santa Teresa, en Santa María della Vittoria (Roma). Asimismo, Bernini dio forma al monumento funerario papal en la tumba de Urbano VIII, ubica al papa en un pedestal, acompañada por las virtudes de la caridad y la justicia, que contrastan con el poder del papa. También se ocupó de la ejecución de algunas fuentes romanas, como la Fuente de los Cuatro Ríos. En cuanto a los retratos de busto, resolvió el problema del pecho cortado mediante la colocación de ropajes flotantes que las envuelven.