Fundamentos del Impresionismo, Postimpresionismo, Simbolismo y Modernismo
Principios Fundamentales del Impresionismo
- La teoría de los colores: Se basa en los descubrimientos de los científicos Chevreul y Rood, según los cuales existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul) y tres complementarios (verde, violeta y naranja). Los impresionistas pretendían que el ojo percibiese los colores compuestos que no habían mezclado previamente en la paleta.
- La plasmación de la luz: Se descubrió que los colores no son inmutables y que la incidencia directa de la luz es determinante en la percepción de los objetos.
- Las apariencias sucesivas: Un mismo paisaje puede ser objeto de múltiples plasmaciones pictóricas con tonalidades diversas a lo largo del tiempo.
- La coloración de sombras en detrimento del claroscuro: Para representar las formas volumétricas, los pintores abandonan la tonalidad oscura tradicional y optan por reducir los espacios coloreados empleando las tonalidades complementarias.
- La pincelada suelta: Los pintores impresionistas emplearon pinceladas de colores puros agrupados que se funden de manera óptica en el ojo del espectador.
- Plein air: Es la modalidad de pintura realizada al aire libre. El artista trabaja directamente en el entorno natural que pinta y no confinado en el taller.
El Postimpresionismo
El período que media entre la última exposición impresionista y la irrupción del cubismo recibe el nombre genérico de postimpresionismo. En él se encuentran una serie de actitudes y tendencias innovadoras que constituyen la puerta de entrada definitiva al arte del siglo XX.
Georges Seurat denominó divisionismo a la base teórica de su corriente y puntillismo a su técnica de ejecución plástica, la cual consiste en la descomposición de un tono en sus componentes primarios a base de pequeñísimos puntos de colores puros que la retina aglutina para conformar el color final. Seurat elaboró esta rigurosa teoría y la aplicó en su obra maestra Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte. Asimismo, Paul Signac adoptó y desarrolló esta técnica de división sistemática del color.
El Simbolismo
En la década de 1880 nace el simbolismo, corriente que se inscribe conceptualmente dentro de la tradición romántica. Los artistas simbolistas mostraron una marcada preferencia por la representación de temas bíblicos o mitológicos, impregnados de elementos oníricos que evocan el mundo fantástico de los sueños. En su imaginario, la figura de la mujer constituyó un motivo temático recurrente.
En Francia sobresalen figuras como Puvis de Chavannes, Gustave Moreau, Odilon Redon y Henri Rousseau, este último pionero del movimiento naïf, caracterizado por una voluntaria ingenuidad formal y el uso vibrante de colores brillantes. Fuera del ámbito francés destacan Arnold Böcklin y Gustav Klimt, quien conjugó un erotismo conceptual con un refinado nivel ornamental que lo vinculó directamente con la Sezession vienesa.
Estrechamente vinculados al simbolismo se hallan los pintores nabis. Estos creadores siguieron la senda de Paul Gauguin y emplearon superficies de colores planos y puros con un fin expresivo y simbólico; entre ellos destacan Maurice Denis y Pierre Bonnard.
El Modernismo
El modernismo propugna la renovación y emancipación de la arquitectura a favor de tipologías decorativistas inspiradas en las formas de la naturaleza. Poseía un carácter orgánico e integrador de todas las artes plásticas, con una constante reivindicación del oficio artesanal.
Aunque recibió diversas denominaciones en cada país europeo (como Art Nouveau o Jugendstil), presentó una directriz común: romper definitivamente con el academicismo tradicional aprovechando las ventajas técnicas que brindaban la nueva tecnología y los procesos industriales. Se manifestó inicialmente en el diseño y las artes aplicadas con motivos florales, vegetales y geométricos.
La Arquitectura Modernista
Esta concepción renovadora se trasladó rápidamente a la arquitectura: el edificio dejó de plantearse como un bloque rígido y cerrado articulado por planos y aristas rectas, cediendo el protagonismo a superficies curvas, miradores dinámicos y balconadas asimétricas ornamentadas con materiales cromáticos como el mosaico y la cerámica vidriada.
El Modernismo en España
El foco principal del modernismo español se localizó en Cataluña, especialmente en Barcelona, impulsado por arquitectos de renombre universal como Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch.
En el ámbito de la pintura, el modernismo catalán reflejó una amplia diversidad formal y estilística al conjugar influencias impresionistas, simbolistas y de la tradición plástica decimonónica, destacando como máximos exponentes Ramon Casas y Santiago Rusiñol.