La Comedia Coral en el Cine y la Obra de Berlanga y Woody Allen

: Del cine mudo al cine sonoro

LA COMEDIA CORAL

> Etimológicamente, toma la definición de la forma musical del coro, pero en el cine se diferencia por qué hay una serie de personajes igualmente importantes, y en que sus destinos se entrecruzan en un punto de la película.

> Una película coral es un tipo de película o género cinematográfico en la que la tensión narrativa se divide en varios personajes haciendo que normalmente no haya un protagonista único en la obra. Se trata de que a partir de un incidente, varios personajes tomen un camino común, que pueden cruzarse o no al final de la película.

La complejidad técnica de la comedia coral:

• No sigue la estructura clásica de las películas: personajes principales y secundarios.
• Historias entrecruzadas en un punto de la película (clímax).
• Se trata de un tipo de películas en las que se representan, simultáneamente, una o varias historias protagonizadas por personajes igual de importantes. (Como en un coro).
• Comedias satíricas y de enredo (tono social, románticas, de humor negro, musicales).
• Diálogos: No avanzan la acción; Reflejan el ambiente de la película pero no avanzan la acción puesto que apenas posee argumento; El espectador se identifica con todos y ninguno de los personajes que pierden o ganan peso argumental según lo requiere el guionista. El hecho de utilizar tantos personajes puede llegar a confundir al espectador por lo que es muy difícil conseguir una película coral.

Complejidad: Al insertar demasiados personajes haciendo que no se puede profundizar en los mismos; Se reviste de azar el resultado del cruce de los personajes; Puede pasar que se preste demasiada atención a uno de los personajes en perjuicio de los otros.

• La clave del guion de una película coral se resume en la palabra “simultáneo”. Tiene que haber sincronía entre la multiplicidad de personajes y de tramas.

• La intención profunda de una historia coral es la de explorar las profundidades de las relaciones humanas y su efecto en la individualidad de los seres humanos.

• Los personajes de un guion coral tienen que ser contundentes y no excesivamente complejos. Deben estar bien definidos y estar marcados por un rasgo determinante. Tiene que ser fácil ponerles un apodo o una etiqueta. Los personajes de un coro tienen que ser definitivos, particulares, únicos.

• Que sean fáciles de etiquetar no quiere decir que deban ser estereotipos.

• El montaje no tiene desperdicio con los constantes saltos, sobresaltos y planos que se dividen para mostrarse en uno y otro momento.

•Una de las películas más importantes del género es Vidas cruzadas (Short Cuts, 1993) del director Robert Altman.

> Directores como Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Luis García Berlanga... también han dirigido películas en este formato aunque de géneros diferentes.

Luis García Berlanga. Cineasta

DATOS BIOGRÁFICOS

Nació en Valencia (1921-2010). De familia burguesa y republicana. Estudia en los jesuitas y en un colegio de los Alpes Suizos.

Estudio Derecho, Filosofía y Letras, hasta que en 1947 cambió su vocación e ingresó en la primera promoción del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid.

Allí hizo amistad con Juan Antonio Bardem, y juntos escribieron un primer guion, La huida, que fue prohibido por la censura. Después realizan su primera película, Esa pareja feliz (1951). Se casó con su mujer, María Jesús, en 1954 de la misma manera a como retrata la boda que aparece en su film “El verdugo“.

CONTEXTO HISTÓRICO

Vive los difíciles años de la postguerra. Las diferencias sociales son numerosas y muchos intelectuales y cineastas de la época trataron de reflejarlas en sus obras, como una crítica al sistema. Pesimismo y dificultades para sobrevivir. Los directores de cine hacen un cine de denuncia.

INFLUENCIAS

> El neorrealismo italiano, El cine francés de René Clair, Los clásicos de la comedia muda (Chaplin y Keaton), Las comedias Frank Capra, El teatro de Valle Inclán, el surrealismo, el esperpento...

Las características de Berlanga:

• Cine realista que filma la dureza social de España.
• Utiliza el humor ácido y castizo.
• Denuncia el abuso de las clases dirigentes del franquismo.
• Refleja el mundo rural.
• Gran diversidad de personajes.
• Desde un punto de vista técnico, estilo muy cercano al neorrealismo y acabando con esos larguísimos planos secuencia de más de siete minutos, como el de “Nacional III“, todo dentro de un toque “fallero” y “castizo”.
• Suele utilizar una trama estructurada en pequeños episodios.
• Uso de exteriores naturales, ya sean pueblos enteros, cárceles, fincas...
• Fue un defensor de la libertad de acción y pensamiento del individuo y del prohibido prohibir.
• El Mediterráneo también es parte esencial de la carrera de Berlanga.
• Crítica continua a la iglesia como pilar del Franquismo.
• Crítica a la política: atacando no sólo los excesos de la dictadura franquista en unión con la Iglesia, también lanzando dardos de ironía y sarcasmo a los funcionarios y políticos de todas las épocas y regímenes de nuestro país.
• Critica el comportamiento de los medios de comunicación.
• La escuela como centro de conocimiento y saber pero de las clases que quieren dominar a la sociedad, por lo que están plagadas de elementos autoritarios al servicio de lo político y lo eclesial.

FILMOGRAFÍA

‘Bienvenido Mr. Marshall‘ de 1953. Sátira del Plan Marshall y Comedia costumbrista de la España rural de los 50

Escribió el guion junto a Miguel Mihura y Bardem. Se convirtió en un análisis realista de la política internacional de la época. El plan Marshall había sido concebido por este general para la ayuda a la reconstrucción europea (premio a Mejor Comedia y Mención Especial por el guion).

“Plácido”. 1961. Una de sus películas más sarcásticas. Nominada a los Oscar.

El humor de Berlanga se une al de Azcona y construye una amalgama de personajes única. Es una gran comedia de enredo que muestra, en pequeñas dosis, algunos de los problemas sociales más acuciantes. El tema principal es la crítica a las clases altas que desean limpiar su conciencia con un acto de caridad superficial.

“El verdugo”,1963. Humor ácido y pesimismo social. Alegato contra la pena de muerte.

Considerada la mejor película de Berlanga y una de las mejores de la historia del cine español. El filme se enfrentó a la censura en España. El humor tras el que se esconde Berlanga es un reflejo de su pesimismo social, pues las situaciones planteadas son cínicas y macabras. Es en 1963 cuando realiza este filme en el que pone el punto de mira sobre la pena de muerte y escoge para ello una de las figuras más imprescindibles del régimen: el verdugo, el instrumento humano necesario para llevar a cabo las condenas dictadas por la justicia.

Dentro una línea más cómica se encuentran:

• Década de los 50: Bienvenido Mister Marhsal, Novio a la vista (1953), Calabuch (1956) historia de un prestigioso científico nuclear refugiado en la pequeña localidad de Calabuch tras cansarse de que sus investigaciones fuesen empleadas en intereses militares. El film fue premiado en el Festival de Venecia. “Los Jueves, Milagro” (1957)

• Los años 60 comenzaron con dos de sus obras más importantes, “Plácido” (1961), y “El Verdugo” (1963), La Boutique (1967)

• Década de los 70: destaca la Escopeta Nacional, 1977.

• Década de los 80: su cine se trivializa, rueda La vaquilla, 1984, la floja “Moros y Cristianos” (1987), “Paris Tombuctú” (1999)…

Intenta mantener el tono divertido y el enfoque crítico.

Ha obtenido las siguientes distinciones:

• - Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1986
• - Medalla de Oro de las Bellas Artes en 1981
• - Premio Nacional de Cinematografía en 1980
• - Condecorado con la Orden Italiana de Commendatore.

Woody Allen

Nació el 1 de diciembre de 1935, con el nombre de Allen Stewart Königsberg, en el seno de una familia judía de Brooklyn y padecía diversas fobias (claustrofóbico, agorafóbico).

A los 15 años, comenzó a vender sus escritos como comediante. Por ello, decidió cambiar su nombre a Woody Allen. En la primavera de 1952, se convirtió en Woody Allen cuando comenzó a mandar sus primeros chistes a periódicos neoyorkinos, y luego, con éxito creciente, a radios, presentadores de televisión y humoristas.

Allen comenzó su carrera cinematográfica como guionista y actor en 1965 con “¿Qué tal, Pussycat?” Esta cinta fue la que le llevó a convertirse en director.

Su debut como director llegó en 1966 de una forma poco convencional con “Lily la tigresa”.

De este periodo destaca “Annie Hall” que se estrenó en 1977. Con esta película, Woody logró la nominación al Oscar por mejor guion, director y actor principal.

Junto con Keaton, estrenó “Interiores” en 1978, por la que fue nominado nuevamente al Oscar a mejor guion y director.

En 1982, Allen dirigió por primera vez a Mia Farrow. “Comedia sexual de una noche de verano” es el principio de una colaboración que produjo 13 películas y le reportó a Allen diez nominaciones a los premios Oscar y una estatuilla.

De este período destacan las películas “La rosa púrpura del Cairo”, “Hannah y sus hermanas”...

Durante los años 90 y comienzos del siglo XXI, Woody Allen, un autor mucho más valorado fuera que dentro de su país, ha continuado estrenando películas, generalmente comedias, en las que pone de manifiesto su talento para la construcción de ingeniosos tramas e hilarantes situaciones, aderezadas con deliciosas bandas sonoras.

Características generales de su obra cinematográfica

Los temas a los que más recurre el cineasta en sus filmes son el amor, el sexo, la muerte o el judaísmo. Sus filmes son a menudo satíricas descripciones de neuróticos personajes urbanos acosados por sentimientos de culpabilidad, casi siempre con Allen en su papel característico de antihéroe torpe y aturdido.

Woody Allen tiene una capacidad especial para abordar diferentes géneros. A lo largo de su carrera ha realizado tanto películas cómicas (Toma el dinero y corre), como películas más dramáticas, como Annie Hall, con la que se llevó el Oscar a mejor director.

La ciudad de Nueva York ocupa un lugar muy especial en la filmografía de Woody Allen. El escenario principal en el que se desarrollan todas sus películas es en Manhattan.

En sus películas aparecen estrellas como, Robin Williams, Julia Roberts, Leonardo DiCaprio... pero sin duda las dos actrices que más han marcado la carrera de Woody Allen son Diane Keaton y Mia Farrow.

La música es un elemento fundamental en todas las películas de Woody Allen. Afición por el jazz, género musical que predomina en las bandas sonoras de sus filmes y al que además le dedica exclusivamente una de sus películas: Acordes y desacuerdos. Además, tiene su propia banda de jazz, The Eddie Davis Band. 

Numerosas veces nominado a los Oscar, siendo el más nominado a mejor guion en la historia de la Academia.