Las Vanguardias Artísticas del Siglo XX: Rupturas, Proyectos y Tendencias en la Pintura y la Música
Las vanguardias: rupturas y nuevos proyectos
El contexto cultural de las vanguardias
El siglo XX estuvo marcado por las grandes contiendas, las revoluciones y los totalitarismos. Los vaivenes políticos influyeron poderosamente sobre la cultura, y el avance progresivo de los medios de comunicación facilitó esta influencia.
Cien años de inestabilidad: cada cambio se interpretó como un paso hacia adelante. Cada «ismo» fue una nueva vanguardia que tardó muy poco en envejecer y dejar paso al siguiente.
Colores, líneas y formas: del impresionismo al fauvismo
Los colores, las líneas y las formas del impresionismo se mantienen con fuerza a comienzos del siglo. Algunos impresionistas, como Van Gogh y Gauguin, habían apostado ya, circunstancialmente, por el contraste cromático y los tonos planos y fuertes. Un crítico suizo llamó «fauves» (salvajes) a estos nuevos pintores, y de ahí su tendencia estética se denominó «fauvismo».
Geometría e imaginación
En los primeros años del siglo, la presencia del fauvismo lleva a Pablo Picasso a alejarse del color y cultivar la forma, reduciéndola a sus rasgos fundamentales, los de la geometría. La llegada de su famoso cuadro «Las señoritas de Avignon» anuncia la llegada de una nueva tendencia: el cubismo.
Los italianos respondieron a la propuesta estética del cubismo con la exaltación de una tendencia pictórica que no deja de lado los colores violentos y contrastantes, pero tampoco la posibilidad de geometrizar las figuras. Umberto Boccioni, Carlo Carrà y Gino Severini fundan con esta actitud un nuevo movimiento: el futurismo.
Tanto el fauvismo como el cubismo y el futurismo no pueden dejar de mostrar las profundas huellas impresionistas que se evidencian en cada obra.
Lo real y lo racional
Vasili Kandinsky y Piet Mondrian inician las manifestaciones de la figuración abstracta, mostrando ya que su pintura no pretende representar aspectos reales del mundo, sino aspectos como, por ejemplo, la necesidad interior del pintor. Esta concepción plástica se extiende rápidamente por toda Europa.
Inestabilidad e independencia estética
Son muchos los artistas plásticos, como Georges Rouault, Maurice Utrillo, etc., que se niegan a encasillarse dentro de un movimiento determinado, ya sea por un profundo sentimiento de libertad o por la convicción de brevedad que caracteriza la vigencia de algunos. Sus obras son valiosos testimonios de la época de gran inestabilidad creativa.
Abstracción, realidad geométrica y surrealismo
Terminada la Gran Guerra, el vacío estético, por la corta vigencia del cubismo, el futurismo y la pintura abstracta, no logra llenarse sino en parte con los artistas independientes. Sin embargo, aparece el surrealismo, el gran movimiento que acaba por fundir a todos los anteriores en un solo molde.
Sus modelos no están en el mundo real y natural, sino que están en la mente del pintor, por lo que cada cuadro se transforma en un problema de significación.
La música
Un nuevo lenguaje de sonidos, el protagonismo que adquirió durante el siglo XIX en el campo de las artes, se mantuvo firme en el siglo XX, y se diversificó a través del cine, la radio, los discos, etc.
Tradición y renovación
El peso de las formas consagradas ha sido muy grande en la actividad musical, quizás porque cualquier renovación es muy difícil de llevar a buenos términos. El público es implacable y tarda muchísimo en asimilar lo que es inusual.
Música y teatro
El desarrollo de la ópera adquirió niveles insólitos. Richard Wagner y Giuseppe Verdi alcanzan cimas poco frecuentadas por otros músicos, tanto por la calidad de sus obras como por la aceptación efusiva del público. Verdi, por otro lado, permaneció 15 años experimentando nuevas formas expresivas, y en sus últimos años de vida presentó Otello y Falstaff, basadas en textos de Shakespeare.
¿Dónde está la melodía?
El romanticismo musical produjo obras en las cuales las melodías eran fácilmente recordables por los oyentes, cargadas con una expresión que llevaba con seguridad a provocar emociones de nostalgia o alegría, tristeza o euforia. Todo esto comienza a desconectarse a finales del siglo XIX, hasta llegar a líneas melódicas irregulares y de difícil memorización.
¿Quién ha robado la armonía?
Se liberan las líneas melódicas, que se tornan caprichosas y de difícil entonación.
¿Qué pasó con el ritmo?
Los ritmos cambiantes, los efectos orquestales extraños, la búsqueda de los «colores» instrumentales, etc., son rasgos sobresalientes de una de las más importantes obras no solo de esta época, sino de todo el siglo y de toda la historia de la música: La consagración de la primavera, del compositor ruso Igor Stravinsky.
Un laberíntico camino de doce sonidos
El compositor Arnold Schoenberg pone en práctica un sistema de composición musical que consiste básicamente en crear una melodía de doce notas de la escala cromática, y repetirla varias veces con ritmos diferentes.
Música popular y música erudita
La búsqueda de nuevas formas expresivas en la música lleva a los compositores a tener en cuenta aquellas manifestaciones populares: danzas, canciones corales o individuales, como materia prima para elaborar nuevas versiones eruditas.
Antiguos ecos de España
Isaac Albéniz y Enrique Granados llevaron al piano los resultados de la elaboración de ritmos y melodías de varias regiones de la península, y en sus obras alcanzaron niveles estéticos notables. Manuel de Falla ofrece «El amor brujo» y «Noches en los jardines de España», un modelo de composición acotado a los límites de la expresión popular.
Renovados ecos argentinos
Hasta la década de 1920, las manifestaciones del folclore musical argentino se mantuvieron en el ámbito de sus respectivas regiones.
Los medios masivos de comunicación
Los medios masivos de comunicación comenzaron a difundir estas expresiones y transformaron para siempre la forma en que el público se acercaba al arte.