Neoclasicismo e Impresionismo: resumen de características, artistas y obras

El Neoclasicismo: Un Retorno a la Antigüedad

El Neoclasicismo se desarrolla a mediados del siglo XVIII y perdura hasta la mitad del XIX. Proclama la vuelta a las formas de la antigüedad, por ser consideradas las más racionales y por el deseo de retornar al verdadero estilo universal. En esa vuelta a los ideales antiguos también hay un matiz romántico. Los factores que favorecieron el desarrollo del Neoclasicismo fueron:

• Los descubrimientos arqueológicos de Herculano y Pompeya. Estos causaron sorpresa y se dieron a conocer a través de grabados, generando una nueva pintura decorativa basada en elementos pompeyanos y herculanos.
• Estos descubrimientos permitieron conocer la antigüedad tal como era, dejando de ser algo mítico, considerada como una época ideal. Se dieron cuenta de que muchos elementos que se creían clásicos no lo eran, sino que procedían del Renacimiento o Barroco. Permiten corregir el estilo.
• Coincide con la independencia de los Estados Unidos, la Revolución Francesa y el cuestionamiento del Antiguo Régimen. Al establecer repúblicas en Francia y América del Norte, los nuevos gobiernos adoptaron el Neoclasicismo como estilo oficial, argumentando que este relacionaba la democracia de la antigua Grecia con la República romana.

El Neoclasicismo se identifica con la razón, pretende expresar valores universales y eternos. Asume el mundo grecorromano y el Renacimiento como modelos de equilibrio, condena los excesos del Barroco y hace hincapié en el orden, equilibrio y serenidad.

Las Academias y su Influencia en el Arte Neoclásico

Las academias, instrumento para dirigir el arte, experimentaron con la revolución un duro golpe. Por un lado, hay una búsqueda del ideal clásico y, por el otro, una búsqueda de la ingenuidad perdida, un desbordamiento del mundo de los sentimientos (Rousseau). Clasicismo y Romanticismo se unen. En la expansión de las ideas neoclásicas jugó un importante papel la creación y desarrollo de las Academias de Bellas Artes. Las academias de las artes plásticas surgen en la Francia borbónica del XVIII, cuya finalidad es someter la actividad artística a una severa rigidez normativa que evoque los valores plásticos del arte clásico. Por ello, las artes plásticas se alejarán de la exuberancia decorativa del Barroco, de las plantas elípticas y fachadas alabeada de Borromini en Italia, manteniendo la corrección de formas clásicas en las artes plásticas del Barroco francés. La academia de las artes plásticas llegará a España con el cambio de dinastía, será la Academia de San Fernando la que difunda el lenguaje expresivo del Neoclasicismo en nuestro país.

El Impresionismo: Una Nueva Forma de Captar la Realidad

Precursores del Impresionismo

Los precursores del Impresionismo son:

• El Greco (pinceladas fragmentadas)
• Velázquez (esboza manchas para captar luz y reflejos)
• Goya (tachismo coloreado)
• Rubens (uso del color y la luz)
• Delacroix (color sobre dibujo, intensidad de colores, pinceladas cortas en manchas, expresión de la atmósfera, etc.)

Claude Monet: El Maestro de la Luz

Monet buscaba la impresión realista que encontraba en la naturaleza, se dedicó a las transparencias y los efectos luminosos del agua y la atmósfera, expresa las sensaciones de brisa y busca los fenómenos atmosféricos. Adapta una técnica rápida de toques de pincel evitando fundir los colores con la tela. Pincelada amplia que expresa los movimientos del agua. En su primera etapa realizó sus cuadros al aire libre con la figura humana como protagonista, pero acabó centrándose en los reflejos de la luz en el agua y dejando en un segundo plano las figuras. En la guerra franco-prusiana viajó a Londres, pero regresó y se convirtió en la figura clave del movimiento. La obra "Impresión, sol naciente" dio nombre al Impresionismo. Más tarde, su pintura se hizo más fresca, sensible y luminosa, la paleta se aclaró y eliminó el negro, gris y los colores pardos. Más tarde, comenzó sus famosas series, donde repetía un mismo tema a distintas horas del día, como la "Catedral de Rouen", donde nos muestra un aspecto distinto de la misma perspectiva. La envuelve en una atmósfera vaporosa sobre la que estudia los reflejos de la luz.

Auguste Renoir: La Belleza de la Vida Cotidiana

Los temas de Renoir son figuras humanas sobre el paisaje, desnudos al aire libre, composiciones con personajes de la vida cotidiana, retratos y algunas naturalezas muertas. Aunque su técnica es impresionista, dota a sus lienzos de un acabado brillante que contrasta con la pastosidad de la otra pincelada. En sus primeras obras, como "Moulin de la Galette" o "El almuerzo de los remeros", emplea una técnica impresionista con pinceladas sueltas y contornos poco definidos. En los años 80, empieza a definir las formas, marcar los contornos, se preocupa por volúmenes y densidades con una pincelada más apretada. Pinta desnudos femeninos de cuerpos flexibles y voluptuosos. En los 90, abandona el dibujo y busca el equilibrio de forma y color, pero su obra retorna hacia el Impresionismo y pinta paisajes y figuras, el color recupera protagonismo y la pincelada es suelta y fluida como en "Las bañistas".

Edgar Degas: La Captura del Movimiento

Degas se centra en representar lo instantáneo y la realidad que lo rodea. Su técnica utiliza sombras y líneas para marcar el contorno de las formas. Toma el carácter instantáneo de la fotografía y los encuadres audaces con los que la composición se descentra de la estampa japonesa. Le atraía la figura humana, representaba escenas del mundo del ballet, ópera, circo, carreras de caballos. La mujer la capta en el aseo personal y cuando está trabajando. En su serie de bailarinas las refleja en el momento de realizar la acción.

Escultura Impresionista: Auguste Rodin

Algunos artistas supieron introducir juegos lumínicos al renovar la técnica. El escultor más destacado es Rodin. Rodin supera el academicismo y refleja interés por captar el movimiento y la luz para obtener profundidad en la escultura. Intentó llevar a los volúmenes la vibración lumínica por medio de superficies rugosas y al multiplicar los ángulos. El tratamiento de la luz vincula a Rodin con los impresionistas, pero también intenta reflejar en sus obras las pasiones y dramas humanos. Sus esculturas son inacabadas, al igual que Miguel Ángel. Las deja inconclusas para dar sensación de que han surgido de la roca. Obras destacadas son "El pensador" y "El beso".

El Posimpresionismo: Una Visión Subjetiva del Mundo

El Posimpresionismo recupera el dibujo, capta la expresividad de las cosas y personas, usa el color, rechaza la naturaleza, por lo que hay una visión más subjetiva.

Paul Cézanne: El Precursor del Cubismo

Cézanne muestra diferentes tendencias. No le interesan las apariencias fugitivas de la naturaleza, sino que quiere captar lo estable de la realidad. Piensa que toda la naturaleza puede reducirse a volúmenes geométricos, por lo que objetos y personajes sufren una estilización geométrica. Los concibe como una construcción a base de cuerpos geométricos como conos o esferas. Quiere destacar el relieve, el moldeado, los contrastes de tonos. Abandona la perspectiva lineal y crea una perspectiva desde varios puntos. Es precursor del Cubismo. Su pintura evoluciona desde obras con cargados empastes y aspecto grumoso que conserva la pincelada breve formada por comas yuxtapuestas, hasta unas pocas pinceladas de color yuxtapuesto y menos espesas. En los paisajes conserva el sentido del ritmo y de la composición con planos definidos, pinceladas con múltiples facetas brillantes y sugiere el espacio. En "Los jugadores de cartas" domina la quietud y la inmovilidad, está concebida a base de volúmenes geométricos.

Vincent van Gogh: El Precursor del Expresionismo

Van Gogh es precursor del Expresionismo. Su obra consigue una gran carga pasional mediante la luz y el color. Sus obras fantásticas están dotadas de vitalidad física y espiritual. Van Gogh usa pinceladas coloristas y distorsiona los contornos de las formas para plasmar su tormento interior. Evoluciona de un estilo sombrío, de perfiles realistas, a creaciones vibrantes, hechas por medio de la exaltación de los colores y por un vigoroso toque de potencia expresiva. Usa colores estridentes, los contornos son oscuros y cierran un interior repleto de espesas capas de color uniforme. La pintura está aplicada en pinceladas llenas de pasta y de forma rápida. Emplea colores puros con pinceladas curvas y sinuosas que reflejan la influencia de la estampa japonesa. Hay sencillez del dibujo, espacios planos de color, exageradas perspectivas y ausencia de sombras. En su primera obra pinta la vida de campesinos y pobres como "Comedores de patatas". En Francia aclara su paleta, se centra en el color violento y de gran potencia emotiva y en captar la exaltación de la intensidad luminosa ("Noche estrellada"). "La habitación de Vincent en Arles" también es muy importante. Forma y deforma el mundo según su visión interior, reflejando su estado de ánimo depresivo o atormentado.

Paul Gauguin: El Primitivismo en el Arte

Gauguin abandonó y superó el Impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista. Rechaza la sociedad moderna, busca la autenticidad en la naturaleza, la gente y el arte primitivo. Sus cuadros buscan la realidad profunda de su propio ser y los motivos y orígenes de sus propias sensaciones. Se entrega al primitivismo, remontándose hasta antes del Renacimiento y el arte antiguo. Su obra muestra dibujos de sólidos trazos, un cromatismo, colores violentos e intensos, falta de moldeado y relieve, simplificación de volúmenes y ausencia de profundidad y perspectiva. La luz cede el protagonismo al color cuyo violento y atrevido tratamiento anuncia el Fauvismo. Sus obras son: "Mujeres en Tahití" y "La visión después del sermón".