Historia del Arte: Del Neoclasicismo al Impresionismo y Modernismo

El Neoclasicismo

Contexto

Surge a mediados del siglo XVIII, aunque se mantiene con otras tendencias a lo largo del siglo XIX. Los centros principales serán Roma y París. Reacción clasicista favorecida por la Ilustración frente al Barroco, pensamiento que surge en Francia en el siglo XVIII y que busca llegar a la felicidad mediante la razón: el "siglo de las luces" denominado. El conocimiento viene a terminar con el mundo de las tinieblas y de las supersticiones que había prevalecido hasta este momento.

Características Generales del Neoclasicismo

Es un intento de someter la creación artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal; carece de fuerza creadora y resulta un arte de escasa originalidad. Algunos factores contribuyen a su desarrollo:

• Las publicaciones de los tratadistas preconizando el ideal griego y defendiendo un retorno a las fuentes de la antigüedad.
• Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (1748).
• Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia.
• La creación de las reales academias.
• Se refiere a la arquitectura, sin olvidar totalmente la escultura y la pintura.

Arquitectura

Reacción contra los efectos decorativos del Barroco y del Rococó. Se inspira en los monumentos clásicos (los recrea). Es una arquitectura erudita y racional. Representa un concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en las formas geométricas claras, en la medida clásica. Se opone a la objetividad de la belleza basada en la racionalidad.

Gusto por la sencillez y severidad: predomina lo arquitectónico sobre lo decorativo. Para Winckelmann la belleza de los edificios radica en su monumentalidad, simetría, proporciones sujetas a las leyes de la medida y de las matemáticas.

Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: las columnas, los órdenes especialmente el dórico y el jónico, los frontones, las bóvedas y cúpulas, etc.

Los temas decorativos también son tomados de la antigüedad: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros.

El edificio clásico más empleado como modelo por el arte neoclásico es el templo griego.

Escultura: Características

Predomina la racionalidad de la expresión serena y sosgada sobre la irracionalidad de lo impetuoso. Imita el estilo de los grandes escultores de la antigüedad; se toman como modelos los temas clásicos porque buscan la belleza intelectual.

Se oponen a la serenidad y belleza de la escultura clásica los artistas neoclásicos que procuran plasmar formas correctas, ideales; existe una tendencia a destacar la forma para valorar el contorno y la belleza formal de las figuras y objetos; se evitan los fuertes contrastes de claroscuro; se dota a la representación de un modelado suave y de un acabado pulido y homogéneo.

Interés más por la belleza puramente formal que por la fuerza espiritual de la obra.

Materiales preferidos: mármol blanco y bronce. Principales manifestaciones: grupos escultóricos, ornamentación de edificios públicos, monumentos conmemorativos, monumentos funerarios, retratos.

Representante: Antonio Canova (1757-1822)

Propugnó la vuelta a los cánones clásicos. Combina la sensibilidad veneciana con el idealismo neoclásico resultando un arte suave y delicado. Se inspiró en las copias romanas de las obras griegas.

Gran técnico: virtuosismo en la ejecución. Temas: mitológicos, sepulcros, retratos. Ej.: mausoleos de Clemente XIII y Clemente XIV, Venus, Paulina Borghese, Psique, Eros y Psique.

Pintura: El Contexto Histórico de la Obra de Goya y David

Las biografías de Goya y David se ubican entre dos épocas históricas: el Antiguo Régimen, perteneciente a la Edad Moderna, con sus monarquías absolutas, una sociedad dividida en estamentos y el despotismo ilustrado; y el régimen liberal propio de la nueva Edad Contemporánea, que nace de los principios revolucionarios franceses y que reconoce la soberanía del pueblo y la separación de los tres poderes.

Carlos III es retratado en 1786, año en que es nombrado pintor del rey.

Cuando Carlos IV llega al poder en 1789, nombra a Goya pintor de cámara y este retrata a Carlos IV y a su mujer, con motivo de la coronación de los reyes. A partir de esta época Goya es ya el retratista de moda de la sociedad española de la época.

Con el estallido de la Revolución Francesa en 1789 Goya se declara desde el principio partidario de las nuevas ideas. Pero la situación se complicará cuando en 1807 Napoleón firma con Godoy el Tratado de Fontainebleau. El acuerdo terminará con la invasión de España por parte de los franceses. Ante estos hechos el día 2 de mayo el pueblo racciona y se enfrenta a los mamelucos en la Puerta del Sol; decenas de madrileños fueron fusilados esa misma noche, Goya pintará para la posteridad, 6 años más tarde, estas escenas de dolor humano. La obra personal de Goya durante esos años se centra en el sufrimiento del pueblo español, prueba de ello son los grabados de Los desastres de la guerra.

La salida definitiva de las tropas napoleónicas de Madrid se produce en 1814. El artista zaragozano pinta entonces los cuadros El 2 de mayo de 1808 y El 3 de mayo de 1808, con el objetivo de demostrar su patriotismo y de ganarse la confianza del recién llegado Fernando VII.

La situación política cambiará de nuevo con el pronunciamiento de Riego en 1820, comenzando el periodo constitucional conocido como Trienio Liberal, durante el que la Constitución de 1812 será de nuevo restaurada. Pero en 1823 el ejército francés invade España para imponer el régimen absolutista de Fernando VII. Ante esta situación prefiere aislarse y con este motivo compra una finca en las afueras de Madrid. Por último, cuando en 1824 se publica un tímido decreto de amnistía, pide permiso para marchar a Francia, llega solo, viejo, sordo y con poca vista a Burdeos, su verdadero objetivo es el exilio.

Goya nace en el siglo XVIII, que es conocido con el sobrenombre del siglo de las luces o de la Ilustración, caracterizada por el predominio de la razón humana sobre cualquier otra fuente de conocimiento. Tuvo problemas por pintar determinadas obras como la Maja desnuda.

La experimentación, la ciencia y el progreso son muy valorados por su directa relación con la razón. En España, la ciencia es impulsada por las Sociedades Económicas de Amigos del País y las Academias de Ciencias están protegidas por los reyes.

En relación con el mundo del arte los grandes movimientos artísticos del siglo XVIII y de los primeros años del xix son el Rococó, el Neoclasicismo y el Romanticismo.

El Rococó es la última y desesperada manifestación estética de una aristocracia que decae. Ejemplos en España: La familia de Felipe V de Van Loo, Venus y Vulcano de Tiépolo.

David es coetáneo de Goya y vive durante los años de la Ilustración y de la Revolución Francesa a la cual estará muy vinculado. Luego se convierte en el pintor preferido de Napoleón.

La burguesía ilustrada responde a las ideas del racionalismo enciclopedista inspirándose en los modelos antiguos; el neoclasicismo se basa en los conceptos estéticos del arte grecolatino, a cuyos cánones y normas deben someterse los artistas. En pintura se siguen las directrices de los neoclásicos David e Ingres de superioridad de la línea, el idealismo y las composiciones estáticas.

Goya representa el tránsito de una a otra actitud, se puede considerar a este artista precursor del movimiento romántico, estilo que además llega a conocer, pues muere en 1828.

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828): Su Vida

En 1786 es nombrado pintor de Carlos III. En 1789 Carlos IV le nombra pintor de cámara.

Inicia una intensa relación con los ilustrados, como Jovellanos o Moratín.

Después de una grave enfermedad sufrida en 1792 queda prácticamente sordo y esto influye decisivamente en su pintura: pierde el carácter alegre y optimista y se hace más intimista y pesimista. Este cambio se aprecia en algunos cuadros de esta época como "El entierro de la sardina”, o "Casa de locos". Realiza también dos de sus obras más importantes: "Los caprichos" y los "Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida".

En 1799 Carlos IV le nombra primer pintor de cámara con lo que alcanza la cumbre del triunfo oficial. En estos tiempos es cuando realiza los más importantes cuadros de la familia real.

En 1808 se produce una nueva crisis en la vida de Goya: la Guerra de la Independencia acentúa su pesimismo y su carácter crítico. Es obligado a ser pintor de cámara de José I.

Al regreso de Fernando VII en 1814, Goya tiene problemas por sus ideas ilustradas y liberales y por algunos de sus cuadros con la Inquisición y con el mismo rey.

En 1819 se traslada a una finca, allí pinta una de sus obras más famosas: Las pinturas negras e intensifica su aislamiento. Ante el recrudecimiento del absolutismo después de 1824 y ante el temor de las represiones por parte del rey, Goya marcha a Burdeos en donde permanecerá, hasta su muerte ocurrida el 16 de abril de 1828.

Su Estilo

No fue un artista precoz. Su estilo se fue formando y evolucionando lentamente. Su arte se encuentra en permanente evolución.

El arte de Goya se nos presenta lleno de contrastes: representaciones de fiestas alegres, escenas de niños que juegan felices, brujas participando en akelarres; retratos de la nobleza. Pintó lo bello con exquisita delicadeza, pero también supo reflejar lo feo, lo terrible, lo monstruoso.

Se enfrentó con el academicismo de sus maestros y de sus contemporáneos, oponiéndose a la estética neoclásica. El dibujo pierde importancia frente al color, a la inspiración y al movimiento.

Fue pintor esenciamente colorista: la esencia de la pintura, para él es el color. Afirmaba que sus verdaderos maestros habían sido Velázquez, Rembrandt y la propia naturaleza. Del primero hereda el amor por el retrato psicológico; del segundo, la profundidad espiritual y la técnica pastosa; de su tercer maestro, la naturaleza, hay abundantes pruebas en los paisajes de los cartones para tapices.

Pero aún hay otro factor, la imaginación. Combina el realismo con la imaginación creando, a partir de lo real, un mundo propio en el que la fantasía y la crítica juegan un papel aun más importante que la realidad visual.

Crea un arte testimonial y comprometido en el que lleva a cabo una crítica de todos los estamentos sociales: corte, iglesia, nobleza, la sociedad en general. Temáticamente su obra es muy variada, estando presente en la misma casi todos los géneros. Utilizó principalmente la técnica del óleo que aplica sobre los más diversos materiales (lienzo, tabla, pared, etc.) pero también realiza frescos, litografías, aguafuertes, etc.

Emplea composiciones de tipo neoclásico, tiende a la ordenación geométrica y regular. Las figuras se agrupan en triángulos, cuadrados, pirámides. Para que se distingan bien los personajes en los retratos colectivos crea líneas axiales oblicuas. Sin embargo, en la etapa de madurez busca la libertad compositiva pero siempre mantiene unas líneas rectoras que evitan el caos compositivo.

De una forma muy general se pueden distinguir en Goya dos formas de hacer:

• Visión optimista y alegre de la vida / visión pesimista y patética de la vida.
• Temas alegres de ambiente rococó.
• Dibujo de trazo continuo.
• Colores vivos y luminosos aplicados a base de pinceladas muy iguales.
• Composiciones ordenadas geométricamente.
• Temas críticos, dramáticos y de una fantasía sombría.
• Dibujo discontinuo e incluso, en ocasiones, poco correcto.
• Aplicación del color a base de manchas, de pinceladas sueltas con vibraciones luminosas.
• Mayor libertad en las composiciones.

Es indiscutible la importancia histórica de Goya: es contemporáneo de Louis David y sin embargo es el polo opuesto de su pintura. Influyó en pintores como Manet y Courbet.

Anuncia una serie de movimientos pictóricos posteriores: Romanticismo: por su individualismo, por la preocupación psicológica de sus retratos, por el apasionamiento y exaltación de algunos de sus temas. Ej.: La carga de los mamelucos. Impresionismo: por su pincelada suelta y vibrante. Ej.: La lechera de Burdeos. Expresionismo: por su desocupación por la forma para conseguir un mayor valor expresivo. Ej.: Pinturas negras, Desastres de la guerra. Surrealismo: por el mundo de fantasía que representa. Ej.: Disparates.

Su Obra

• Cartones para tapices: El quitasol, El cacharrro, El columpio y La gallina ciega.
• Retratos: Carlos III cazador, Familia del duque de Osuna, Las majas, Condesa de Chinchón, Familia de Carlos IV (1800), Fernando VII, Autorretrato, La lechera de Burdeos.
• Temas históricos: 2 de mayo o la carga de los mamelucos (1814), El 3 de mayo o los fusilamientos de la Moncloa.
• Pinturas negras: Aquelarre, Viejos comiendo sopa, Saturno devorando a su hijo.

  Reciben este nombre por el color empleado (blanco, negro, ocres, dorado-verdosos), y por su tenebrosa significación pesimista, sombría y desesperanzada. Son escenas macabras y de brujería de difícil interpretación, expresión de un mundo interior contradictorio y complejo.

• Los grabados: Se clasifican temáticamente en 4 grupos:
  • Caprichos: El sueño de la razón produce monstruos, ¡Que viene el coco! Están inspirados en su propia imaginación, en estampas populares, en los dichos del pueblo y en libros de magia.
  • Desastres de la guerra: Con razón o sin ella, ¡Grande hazaña! Realizados entre 1810 y 1819, reproducen escenas de lo que ha visto, de lo que le cuentan.
  • La Tauromaquia: Publicadas en 1816, constituyen una auténtica enciclopedia del arte taurino.
  • Los disparates: Publicados entre 1820 y 1822, pueden considerarse un anuncio del surrealismo.

Jacques-Louis David (1748-1825)

Representante de la pintura neoclásica francesa. Estilo frío, severo, equilibrado, opuesto al espíritu rococó. Cuida mucho el dibujo, las figuras aparecen con contornos bien delimitados.

Composiciones simétricas de escasa profundidad y con figuras ordenadas en filas axiales.

Busca los temas heroicos y el desnudo como exponentes de la belleza y de la perfección.

Vinculado a la Revolución Francesa será, posteriormente, nombrado pintor oficial de Napoleón Bonaparte: todo esto será reflejado por él en sus cuadros.

Ej.: El juramento de los Horacios (1784), El rapto de las sabinas (1789), La muerte de Marat (1793), La coronación de Napoleón (1805-1807).

Entre sus discípulos destaca Ingres, que practica un estilo más poético casi prerromántico. Su pintura pierde el contenido político que tenía la de su maestro. Destaca el tratamiento del desnudo femenino y los temas de carácter oriental. También Gros y Gérard son discípulos suyos.

El Siglo XIX: Contexto Histórico

La Revolución Francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas del Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo que se manifestarán a través del Romanticismo.

Por otro lado, la difusión de la Revolución Industrial genera la aparición de dos clases sociales antagónicas: la burguesía industrial y el proletariado. Esta Revolución Industrial supone un cambio importantísimo en las estructuras económicas que dará origen al capitalismo. A la vez surge el movimiento obrero y la aparición de movimientos sociales que luchan por los derechos de los trabajadores que en muchos casos sobreviven con salarios miserables y en condiciones infrahumanas. Esta defensa social se recoge en algunos pintores realistas que denuncian esta situación.

El sufragio universal se irá generalizando hasta llegar a la consecución de la democracia en el siglo XX.

Por otro lado, las revoluciones liberales burguesas de la primera mitad del siglo XIX irán poniendo los pilares del sistema político liberal. El liberalismo y el nacionalismo como formas de pensamiento calarán ideológicamente en Europa. En la segunda mitad del siglo XIX se producirá la segunda Revolución Industrial y el fenómeno del imperialismo y el colonialismo que desembocará en el siglo XX en el primer conflicto armado a escala mundial, la Primera Guerra Mundial.

Pintura Romántica: Concepto y Características Generales

En la primera mitad del siglo XIX se desarrolla el Romanticismo. El origen se remonta al siglo XVIII; el Romanticismo es más un modo de vida que un sistema de pensamiento, que se rige por dos principios básicos:

• El predominio de la imaginación y la sensibilidad frente a la razón, que trae consigo la evasión de la realidad, la exaltación de las pasiones y la defensa de la libertad.
• Defensa del individualismo, que favorece la actitud subjetiva y la afirmación de la personalidad histórica y cultural; el sentimiento romántico apoya el desarrollo del nacionalismo y la independencia de los pueblos tras la caída de Napoleón.

Rasgos comunes en los artistas románticos:

• El arte se hace espontáneo y subjetivo. El artista se interesa por la expresión de los sentimientos.
• La naturaleza, en su aspecto mágico-religioso, tiene un enorme interés. Se busca lo exótico.
• Se pone de moda el mundo medieval, idealizándolo frente al concepto oscurantista de esta época que se tiene en el Neoclasicismo.

La pintura es la manifestación artística que tiene mayor desarrollo, ya que permite expresar los sentimientos de forma plástica.

Se apuesta por el color, sin duda el gran protagonista de la pintura a diferencia del Neoclasicismo.

Hay interés por el dinamismo de composición y las formas y la expresión, de estados pasionales extremos.

El paisaje cobra relevancia especial. Los ingleses representan una naturaleza tempestuosa de incendios y tormentas reales donde los efectos de luz crean una atmósfera cambiante y los alemanes optan por la quietud imaginaria de las cordilleras, acantilados y lagos nórdicos contemplados por silenciosos caminantes.

Otros temas comunes: las ruinas de las iglesias y los cementerios a la pálida luz de la luna.

Pintores Franceses

Eugène Delacroix resume ambas tendencias y es bohemio, apasionado, seguro de sí mismo y partidario de la mancha de color en detrimento de la rígida preceptiva del dibujo.

En La matanza de Quíos, rinde un homenaje a los colonos griegos de esta isla que trataron de independizarse de los turcos. Obra: “La libertad guiando al pueblo”.

Théodore Géricault (1791-1824) sintió una gran atracción por la muerte y por la investigación y el estudio de las enfermedades y de los cadáveres. Una de sus grandes pasiones fueron los caballos, queriendo el destino que muriera muy joven al caer de su caballo.

Obras más importantes: Oficial de cazadores a caballo, El loco asasinado, “La balsa de la Medusa”.

El Impresionismo

El punto de arranque de este movimiento se encuentra en la tradición paisajista de la escuela de Barbizon, que propugnó la pintura al aire libre; y en la figura de Manet. Su obra “Desayuno sobre la hierba” rompe con la estética anterior y consigue scandalizar a la crítica. Hay antecedentes que se remontan al siglo XVI, pintores que avanzan esta técnica (Velázquez, Goya), pero la fecha de inicio de este movimiento es en torno a 1863 también algunos pintores realistas como Corot, Courbet o Millet.

El contexto histórico de los pintores impresionistas es la Francia de las revoluciones liberales y la Comuna. La segunda Revolución Industrial se inicia al compás del desarrollo de este movimiento y los nuevos avances científicos, junto a las nuevas transformaciones urbanas influirán en el movimiento. El ferrocarril y la física óptica han experimentado un avance espectacular.

El crecimiento de la ciudad da una forma de vida distinta caracterizada por el dinamismo y la rapidez.

Características del Impresionismo

1. Teoría de los colores: Existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul), y tres complementarios (violeta, verde y naranja).
2. Plasmación de la luz: Los objetos solo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. El pintor recompone los colores en sensación lumínica. Hay que dejar de pensar en la paleta y en los objetos y estudiar el color como una modalidad de la luz y la pintura como un entretejido de tonalidades luminosas.
3. Apariencias sucesivas: Un mismo tema es pintado, repetidas veces sin más cambio que matices de iluminación, de intensidad solar o de espesor de la neblina. El cuadro es un efecto de luz.
4. Coloración de las sombras: Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias; desaparecen los contrastes del claroscuro, y el dibujo se extingue o reduce a leves trazos disueltos entre el color.
5. Pincelada suelta: Prefieren la mancha pastosa y gruesa. La pintura será tan suelta que, a veces, parece un dibujo inapreciable, confuso, difuminado.
6. Técnica al aire libre: Los pintores huyen de los talleres al campo.

Entre los pintores más sobresalientes destacan: Monet, Renoir, Degas, Sisley, Pissarro, Seurat, Signac, los dos últimos crean el divisionismo o puntillismo.

Claude Monet (1840-1926)

Maestro que mantuvo fidelidad absoluta al movimiento impresionista. Deseaba pintar lo intangible. Su pasión por la atmósfera lo condujo a diferentes ambientes europeos. Una consecuencia de esta ambición estética fue el serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes. Sus series más conocidas son las referidas a la fachada de la catedral de Rúen, "Ninfas".

Se dedica a los paisajes tanto rurales como urbanos “Estación de Saint-Lazare”.

Buscando la captación instantánea de la luz y el color. “Impresión, sol naciente” fue una de sus primeras obras y también de las más conocidas.

El Postimpresionismo

Son todos pintores franceses, excepto Van Gogh, que se integra con dificultad.

Entre 1886, año en el que tiene lugar la última exposición impresionista, y 1907, año en el que se presenta Las señoritas de Aviñón (Picasso) que significó el lanzamiento del cubismo, transcurren 20 años en el que se desarrolla la obra de estos autores postimpresionistas, llamados así porque se formaron en el Impresionismo al que abandonaron, derivando hacia una pintura más personal en la que todos recuperan la definición de la forma por medio del dibujo que el Impresionismo había abandonado prácticamente. Por tanto, se recupera la importancia del dibujo y de la expresividad de los objetos y de las personas iluminadas.

Los postimpresionistas son importantes porque abrirán el camino a las vanguardias del siglo XX. Rompen con la pintura tradicional e investigan sobre nuevos caminos del arte.

Cézanne será el precursor del cubismo con sus obras que se reducen a formas geométricas simples.

Gauguin insistirá sobre la arbitrariedad en el empleo de los colores y la vuelta al primitivismo de las formas. Van Gogh destacará por su expresionismo a través del color y de la pincelada pastosa y virulenta, preludiando el fauvismo y el expresionismo y Toulouse-Lautrec, opta por la temática social y los ambientes sordidos y nocturnos. Sus carteles, y los muy conocidos del Moulin Rouge anticipan todos los carteles publicitarios del siglo XX.

Paul Cézanne (1839-1906)

Alcanza la madurez pictórica a los 50 años, en 1886 moría su padre, librándole la herencia de penurias económicas.

Su concepción pictórica no descansa exclusivamente en la mirada, sino en la vista y el cerebro.

La simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y diagonales, donde la pincelada de color tiene volumen y peso, aparece en sus bañistas, jugadores de cartas, bodegones y paisajes.

Obras: serie de cuadros dedicada a la montaña de Santa Victoria, autorretratos, “Golfo de Marsella”, “Los grandes bañistas”, “Jugadores de cartas”.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Intenta salir de la crisis espiritual, volcándose en la pintura. Cultiva una temática social, a base de tonos oscuros y grises, que resume en Los comedores de patatas.

En 1886 Van Gogh fija su residencia en París, donde alegra la temática de sus cuadros. Los dos últimos años de su vida transcurren en el sur de Francia, donde su temperamento ardiente alcanza la madurez del genio. Su estilo se define por la línea firme de los japoneses y el color como gran motor de la emoción.

Pinta entonces retratos (El doctor Paul Gachet), paisajes (La iglesia de Auvers-sur-Oise), “La noche estrellada”, campos de trigales, olivos, cipreses, bodegones (Los girasoles); representa escenas de interior, entre los que no falta su propia habitación (Habitación en Arlés), realiza también 43 autorretratos ya que estaba obsesionado con su persona y su aspecto físico.

Características de Van Gogh:

• Busca expresar su interior, sus desequilibrios y su locura al sentirse perdido en sí mismo.
• Es un precursor del “expresionismo” (se intenta reflejar las vivencias personales del autor en la pintura).
• Pinta paisajes y figuras serpenteantes muy retorcidas.
• Toques irregulares de pinceladas largas, sueltas, densas, muy rápidas, incluso violentas. Líneas negras que aumentan el color expresando sentimientos.
• Subordina todo al color, estridente y violento, y al dibujo muy ligero pero muy sinuoso.
• Transforma la realidad, la exagera y la deforma conscientemente.
• Utiliza los colores puros en contraste unos con otros. Colores intensos. Predominan los rojos, y sobre todo el amarillo (expresa más y mejor sus sentimientos).
• Líneas negras que aumentan el color expresando sentimientos.

La Arquitectura del Siglo XIX

El siglo XIX se abre con los historicismos arquitectónicos son retornos a los estilos del pasado. La arquitectura presenta caracteres nacionales, pocas novedades y nula inventiva. El interés es exterior, como medio de encauzar el desastre urbanístico producto del crecimiento urbano por la Revolución Industrial; de ahí que las remodelaciones de la segunda mitad del siglo.

El primero de los historicismos será el neogótico, que coincide cronológicamente con el Romanticismo.

El eclecticismo tuvo interés a lo largo del siglo y se inspira en la antigüedad clásica, Renacimiento y Barroco.

Arquitectura de los Nuevos Materiales: Hierro y Cristal. Arquitectos e Ingenieros

A finales del siglo XIX la Revolución Industrial ofrece posibilidades técnicas y plantea unas nuevas necesidades que posibilitarán la aparición de una arquitectura muy diferente a la tradicional, y que sentará las bases de la arquitectura del siglo XX. Las vigas de hierro, los grandes paneles de cristal, darán estructuras articuladas y un concepto nuevo de espacio que se pueden considerar una revolución frente a la arquitectura tradicional.

Hacia mediados del siglo XIX en la Inglaterra se iniciaba una arquitectura basada en la ingeniería, para dar soluciones a las necesidades edilicias que plantaba la Revolución Industrial: estaciones de tren, puentes, grandes salas de exposiciones… El hierro permitía también una construcción rápida debido a su fácil ensamblaje, consiguiendo estructuras de enormes proporciones impensables para materiales tradicionales.

En los primeros treinta años del siglo, en Gran Bretaña, se construyeron numerosos puentes de hierro. En cuanto a Francia, la utilización del hierro se acentuó sobre todo a partir de la Restauración.

Labrouste fue uno de los primeros arquitectos en mostrar las posibilidades estéticas de la fundición, ya que si bien utiliza el hierro con fines estructurales, no desdeña por ello sus aspectos decorativos. Se abrirían nuevas perspectivas en este campo, que solo se aplicarían a la construcción de edificios públicos, como estaciones de ferrocarril, grandes almacenes y mercados.

El Palacio de Cristal (Joseph Paxton) y la Torre Eiffel.

La Escuela de Chicago

La relevancia de la Escuela de Chicago tuvo como causa desencadenante el desastroso incendio de 1871 que cruzó el río y destruyó gran parte del centro de la ciudad, incluyendo un grupo de edificios de hierro colado que no habían sido construidos a prueba de fuego. La reconstrucción de la ciudad iba a permitir erradicar los materiales de construcción inflamables y desarrollar la edificación en altura para resolver la masiva inmigración.

El elemento crucial de ese momento fue el rascacielos. Se establecieron las directrices esenciales de la arquitectura comercial del siglo XX. Surgió un nuevo tipo de edificio, y con él, un nuevo tipo de ciudad. Resumiendo, la Escuela de Chicago tiene especial relieve debido a dos razones:

• La creación del rascacielos como alternativa funcional.
• Por primera vez fueron los arquitectos quienes emprendieron la renovación y no los ingenieros.

Sus edificios se reducen a un armazón metálico, que permite abrir grandes ventanas apaisadas en el exterior. La distribución es siempre idéntica: locales comerciales en los bajos, oficinas en los pisos y servicios en la planta alta.

El Modernismo

A finales del siglo XIX, la reacción contra los historicismos y la frialdad neoclásica desarrollados durante el siglo se hace cada vez más patente. Los nuevos materiales, el hierro y el cemento, aconsejan buscar las formas artísticas en su propia estructura, y no copiarlas de estilos tradicionales.

Este movimiento ornamental, que rompe con el pasado historicista y decora el fin de siglo con obras refinadas, se denominó en España modernismo.

Sus características definitorias fueron su esteticismo, refinado, innovador, interesado por la obra de arte total y la línea sinuosa, basada en los tallos vegetales.

La manifestación más importante de modernismo es la arquitectura, que reacciona frente a los historicismos académicos. Se incorporan como materiales el vidrio y el hierro. La gran novedad es el tratamiento espacial interno, en el que se utiliza la planta libre y la luz obtenida por grandes ventanales.

Antoni Gaudí (1852-1926)

Formuló las leyes totalizadoras del urbanismo, al proyectar la ciudad, la casa, sus objetos y los muebles que la decoran. Destaca su afinidad política con el partido de la Lliga Regionalista y sus creencias religiosas.

En 1878 se diploma por la Escuela de Arquitectura de Barcelona, donde recibe una formación historicista, visible en sus primeros trabajos.

Los rasgos de su estilo maduro: la audacia técnica de sus arcos parabólicos y columnas inclinadas, las paredes y techos ondulados, y el empleo de materiales tradicionales como el ladrillo y fragmentos de cerámica de color integrados en la masa de cemento. El hierro y el cristal se utilizan solo con fines decorativos. Sus fuentes de inspiración son la geología, la botánica y la zoología.

Con el advenimiento del siglo XX, Gaudí construye en el barcelonés Paseo de Gracia dos obras, que rompen con el esquema convencional de la vivienda de pisos: la Casa Batlló, cuya línea quebrada, estructura osada y escamas del tejado recuerdan la espina dorsal de un dinosaurio, y la Casa Milà, universalmente conocida como La Pedrera por simular un escarpado muro de cuevas, que parece una inmensa escultura, coronada por chimeneas gelatinosas.

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia, una catedral fantástica en ella sobre un esquema gótico emplea arcos parabólicos, curvas de formas caprichosas, y acumula en la portada abundante decoración vegetal y figurada de un naturalismo barroco. Gaudí construyó la cripta, el ábside, una de las tres fachadas y parte de sus torres, y concibió todo un poema místico (las torres previstas son símbolos de los apóstoles, de Cristo, de los evangelistas y de la Virgen), rico en sugerencias simbólicas y en audacias constructivas.