Escultura del Quattrocento y Cinquecento: Donatello y Miguel Ángel

Donatello (1386-1466)

Es el escultor más importante del Quattrocento. Trabaja tanto en relieve como en bulto redondo. Lo que más le interesa es el ser humano. Nos muestra en sus obras: el equilibrio, el movimiento, la belleza y la expresión de los sentimientos. La influencia clásica en sus obras es enorme.

Obras:

• Cantoría de la Catedral de Florencia: Muestra la alegría infantil, inspirándose en los relieves romanos. Coloca la escena tras unas columnillas sin enmarcar los grupos.
• Cantoría de Prato: De planta circular y donde las columnas sí separan las escenas.
• David vestido del Museo Bargello: En mármol.
• David del Museo Bargello: Bronce que representa un cuerpo juvenil desnudo, por influencia clásica, tratándose de un tema bíblico. Es uno de los primeros desnudos. La figura tiene una postura inestable, un claro contrapposto. David, con un sombrero típico de la Toscana, descansa tras haber dado muerte a Goliat, con una expresión melancólica.
• San Jorge de Orsanmichele en Florencia: Es un hombre maduro, con mirada de héroe. El escudo marca su posición equilibrada. En el basamento de la obra aparece el santo luchando con el dragón.
• El Condottiero Gattamelata: Retrato ecuestre de Erasmo de Narni, en Padua. Es la primera estatua ecuestre del Renacimiento, género recuperado, no se había realizado ninguna desde el Imperio Romano. Se inspira en el retrato de Marco Aurelio. Muestra seguridad sobre el caballo, con un sereno movimiento.
• Otras obras de personajes de edad avanzada son: el Profeta Habacuc, San Juan Evangelista sentado y el profeta Jeremías de la Catedral de Florencia y San Marcos de Orsanmichele.
• Donatello también realizó relieves, dotándolos con el schiacciato, de efectos pictóricos de perspectiva: el Altar de San Antonio de Padua, el Púlpito de San Lorenzo de Florencia y la Anunciación de la Iglesia de la Santa Croce de Florencia.

Discípulos de Donatello:

Andrea Verrochio, Desiderio da Setignano, Antonio y Bernardo Rossellino, Benedetto da Maiano, Mino da Fiesole y Agostino di Duccio.

Otros escultores destacados del siglo XV son:

Lorenzo Ghiberti (Puertas del Paraíso del Baptisterio de Florencia), Jácopo della Quercia y la familia Della Robbia, sobre todo Luca y Andrea.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)

Es el artista más completo del Renacimiento. Nacido en Caprese, se formará en Florencia y en el siglo XVI se marchará a Roma, donde trabajará para los papas. Transmite vitalidad y expresa cualquier idea en un bloque de mármol. Pensaba que las imágenes estaban ya contenidas dentro del material. Dominó la anatomía y el cuerpo humano, y buscó continuamente la belleza y los valores plásticos. Su carácter es inconformista y crítico, incluso con su obra. Sus figuras son de gran volumen y musculatura. Su estilo evolucionará, partiendo de las obras clásicas, y obras totalmente acabadas, hasta sus últimas obras. Su expresión característica es la llamada “terribilitá miguelangelesca”, es decir, rostros de belleza ideal que muestran la tensión interior del personaje. En el movimiento las figuras están a punto de moverse. Es discípulo de Giovanni, un seguidor de Donatello. Sus primeras obras las realiza en Florencia bajo la protección de la familia Médici.

Principales obras:

• El relieve de la Lucha de lapitas y centauros (1490): Inspirado en los relieves helenísticos.
• La Madonna de la Escalera (1490): Relieve pictórico estupendo, realizado con solo dieciséis años.
• Baco: Tema mitológico inspirado en el Apolo Belvedere.
• La Piedad del Vaticano (1498-1499): Grupo realizado en forma de pirámide, simétrica y cerrada. La Virgen es más joven que Jesús, y tiene una belleza ideal. La técnica y el acabado de anatomía y pliegues, son exquisitos.
• El David de la Galería de la Academia de Florencia: situado en su día en la Plaza de la Signoría (1502-1504). Desnudo, de gran belleza y de más de 4 metros. Musculatura robusta, pese a su edad juvenil. Muestra su tensión interior (terribilitá miguelangelesca), concentrada en cuello y manos, crispando músculos y tendones. La cabeza es más grande, para compensar las proporciones, ya que la obra está concebida para ser vista desde abajo. La escultura muestra además un magnífico contrapposto.
• Tondo Pitti del museo Bargello de Florencia.
• En 1505 el Papa Julio II le encarga su futuro sepulcro: que irá situado bajo la cúpula de San Pedro del Vaticano. Fue el proyecto más importante de su vida. Lo concibe con forma piramidal y compuesto por más de 40 figuras de mármol de Carrara. Pero habrá varios problemas y reducirá la obra a un retablo con 7 figuras que será situado en San Pietro in Vincoli. Se conservan las figuras de Moisés, de Lía y Raquel, y de los esclavos prisioneros de las ataduras de la vida humana. Moisés es monumental y tiene una tremenda musculatura, y tensión. Está bien pulida y acabada. Su expresión es terrible. Las figuras de los esclavos están inacabadas, su non finito muestra la lucha del espíritu por liberarse de las cadenas. Laoconte será su obra favorita. Desde entonces aumenta el dramatismo y las posturas forzadas, dando lugar al Manierismo.
• Los sepulcros de la familia Médici o Capillas Mediceas en San Lorenzo de Florencia (1520-1534): Son los sepulcros de Julián, militar acompañado por las alegorías del día y de la noche, y de Lorenzo, intelectual conocido como “il pensioroso”, y lleno de sabiduría, acompañado por las alegorías del crepúsculo y la aurora. Las figuras con posturas inestables parecen resbalar por los sepulcros. Sus cuerpos tienen mucho músculo. Las posturas son muy forzadas y los rostros expresivos.
• Sus últimas obras son cada vez más dramáticas, centrándose en el tema de la piedad. Su pesimismo le hace acabar menos las obras, haciéndose más expresivas:
• Piedad de la Catedral de Florencia (1550-1553): Muestra el cuerpo sin vida, totalmente roto, en una serpentinata manierista. El autor se autorretrata en la figura de José de Arimatea.
• Piedad Rondanini del Castillo Sforzesco de Milán: apenas esbozada, lo que acentúa la expresión de dolor, desesperación y soledad de la Virgen. Se puede decir que anticipa el expresionismo del siglo XX.

Otros autores del siglo XVI: Manierismo

El Manierismo rompe con la serenidad, equilibrio y claridad, cambiándolos por la confusión, el desequilibrio y la tensión. Son muy habituales las serpentinatas e incluso las composiciones contorsionadas en sentido helicoidal y múltiples puntos de vista. Destacan: Gian Bolonia y Benvenuto Cellini.