El teatro español hasta la Guerra Civil: panorama, autores y renovación escénica

El teatro hasta la Guerra Civil: panorama general

En las primeras décadas del siglo XX se produjeron diversos intentos de renovación del panorama teatral, dominado al final de la centuria anterior por el drama realista y las obras de José Echegaray. En el teatro comercial destacó Jacinto Benavente, que compuso una obra caracterizada por la mesura en la composición de situaciones y de caracteres y por el minucioso realismo de la puesta en escena de sus dramas.

El teatro cómico incluyó música, canto y baile; en él destacaron los hermanos Álvarez Quintero, el astracán de Pedro Muñoz Seca y la tragedia grotesca de Carlos Arniches.

El teatro en verso siguió la efímera moda del teatro francés, con el modelo de Cyrano. Abordó temas históricos o fantásticos y empleó métricas modernistas; en él sobresalieron Eduardo Marquina, Francisco Villaespesa y los hermanos Machado.

Los primeros intentos de renovación teatral se llevaron a cabo por Jacinto Grau, con su teatro desnudo, y Azorín, con su pretendido antirrealismo. El teatro de la época alcanzó la cima con Valle-Inclán y Lorca. Sus obras influyeron en teatros posteriores y se siguen representando actualmente. Estas innovaciones llevaron aparejado un creciente interés por la escenografía. Los teóricos insistían en la necesidad de armonizar todos los componentes escénicos, centrando su atención en la iluminación para crear ambientes y situaciones y concentrar la atención en la acción.

Jacinto Benavente

Su teatro compone la crónica de las preocupaciones y los prejuicios burgueses por medio de una suave ironía. Sus dramas son un instrumento de ilusión y de evasión.

Obras:

• Los intereses creados: se sitúa en el ámbito de la farsa y desarrolla el tema del poder del dinero. Es una sátira de carácter universal.
• La malquerida: en ella destaca el sentido de la honra, característico de los dramas rurales. En ella confluye la lucha entre la pasión y su prohibición debido al parentesco.

El teatro cómico

En las primeras décadas del siglo XX predominó el género cómico, con frecuencia acompañado de elementos líricos. Su finalidad básica fue el entretenimiento del público.

• Obras con música:
  • Ópera: presenta asuntos frívolos y concede importancia a los elementos visuales y musicales.
  • Revista: serie de espectáculos casi independientes en los que sobresalen los elementos eróticos y los ambientes cosmopolitas.
  • Vodevil: comedia frívola, ligera y picante.
• Obras sin música:
  • Juguete cómico: degeneración de la comedia que convierte el enredo en embrollo y prescinde de toda verosimilitud.
  • Sainete: se basa en los caracteres del mundo popular madrileño y presenta conflictos relacionados con el amor, los celos, el honor y el poder.
  • Astracán: género basado en el disparate cómico.

Serafín y Joaquín Álvarez Quintero estrenaron gran cantidad de obras en las que predominaba el ambiente andaluz. Sobresalen por el empleo del diálogo. Entre sus obras destacan El traje de luces, El patio, Canciones y Mariquilla Terremoto.

Pedro Muñoz Seca fue el creador del astracán. Destacan sus obras La venganza de don Mendo y Los extremeños se tocan.

Carlos Arniches adoptó dos formas nuevas: el sainete extenso y la tragedia grotesca, que juega con la comicidad externa y con la profunda gravedad del contenido. Entre sus obras sobresalen: ¡Qué vienen mis maridos!, Los caciques, La heroica vida y Es mi hombre.

Intentos de renovación teatral

En los primeros intentos de renovación teatral destacan las aportaciones de Unamuno, Azorín, Jacinto Grau, Miguel Hernández, Rafael Alberti y Max Aub.

Coincidiendo con las corrientes renovadoras europeas, Unamuno se propuso llevar al público el dramatismo social y abogó por un teatro desnudo, caracterizado por la supresión de efectos que no dependieran directamente de la palabra y de la retórica del lenguaje verbal.

El teatro desnudo suponía la reducción de los personajes al mínimo, de las pasiones a su núcleo y el esquematismo en la acción. Buscó la realidad última del ser humano por medio del teatro, que se constituyó en un método de conocimiento. Destacan las obras La princesa doña Lambra, La difunta, Soldadesca, Fedra y Sombras de sueño.

El teatro de Azorín se basó en la experimentación y la búsqueda de otra realidad más sutil y, a la vez, más sólida. Azorín combatió la estética naturalista y luchó por un teatro antirrealista que incluyera lo subconsciente y lo maravilloso. Consideraba necesaria la transformación de la técnica y de la estructura del espectáculo teatral. Sus temas básicos son la fidelidad, el tiempo y la muerte. Destaca la trilogía Lo invisible, en la que aborda el misterio de la muerte.

Valle-Inclán y el teatro en libertad

En la trayectoria dramática de Valle-Inclán se observa una constante voluntad de renovación formal y temática y la pretensión de romper con el teatro de su época. Incorporó personajes con lenguaje y actitudes realistas, alejándose del teatro simbolista.

Obras:

• El marqués de Bradomín: en ella destaca el empleo de procedimientos ridiculizadores y la técnica de los múltiples lugares de acción.
• Todas las obras del ciclo mítico están relacionadas por sus temas, personajes, atmósferas y significado, y se localizan en la Galicia mítica e intemporal. Éstas son Comedias bárbaras, Divinas palabras y El embrujado.

En sus farsas, Valle-Inclán introduce personajes de farándula, el uso de disfraces y el teatro dentro del teatro, buscando la ruptura del efecto de realidad escénica. Entre ellas destacan La marquesa Rosalinda, que constituye una crítica abierta a España; La cabeza del dragón, que presenta un ambiente de cuento de hadas; La enamorada del rey, en la que se contraponen lo sentimental y lo grotesco; y La reina castiza, sátira demoledora del reinado de Isabel II.

La producción dramática de Valle-Inclán culminó con El retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte. Esta deforma y determina aspectos del personaje y de las situaciones, produciendo una visión caricaturizada, alternativamente cómica y macabra. Luces de Bohemia constituye una feroz sátira política y social de la España del momento. Martes de Carnaval, que se divide en Los cuernos de Don Friolera, La gala del difunto y La hija del capitán.

Lorca y el espectáculo total

La producción dramática de Lorca expresa los problemas de la vida y de la historia a través de un lenguaje cargado de connotaciones. Sus primeros dramas están emparentados con el teatro modernista: El maleficio de la mariposa y Mariana Pineda.

Las cuatro farsas de Lorca desarrollan el conflicto derivado del matrimonio de conveniencia entre el viejo y la joven: Tragicomedia de don Cristóbal y la señorita Rosita y Retablillo de don Cristóbal; La zapatera prodigiosa y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín.

En el teatro imposible anticipa la ruptura de la lógica espacio-temporal, el desdoblamiento de la personalidad y la posibilidad de varias interpretaciones: Así que pasen 5 años, El público y Comedia sin título.

Las tragedias lorquianas se desarrollan en un ambiente rural en el que las fuerzas naturales imponen un destino trágico. En estos dramas el argumento tiene escasa importancia, y hay pocos personajes principales e intervienen coros: Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba.