Teatro barroco y renacentista: origen, géneros, características y espacios escénicos

Teatro: orígenes y evolución

Teatro —teatro en el interior de las iglesias—: el teatro nació de los espectáculos medievales representados en la iglesia para recrear la epifanía de Jesús o la Pasión de Cristo. Era un teatro religioso. El testimonio más antiguo es el Auto de los Reyes Magos (segunda mitad del siglo XII). Hacia el siglo XV ya se representaban en el exterior de las iglesias. En el siglo XVI, el teatro renacentista amplió la temática hacia fuentes más profanas (Lope de Rueda). Posteriormente, al ver las posibilidades de negocio, el teatro barroco se popularizó en el siglo XVII.

Escenarios y espacios

1. Cortes o palacio. Teatro mitológico de influencia italiana y de público noble. Destacan los espacios cerrados, la iluminación artificial y la cuidada escenografía.

2. Corrales de comedias. Son el resultado de la profesionalización del teatro, que era ambulante. Se representaban preferentemente en los patios de casas de vecinos, cubiertos, y se dividía el recinto en función de la clase social y la jerarquía.

Géneros teatrales

Géneros teatrales:

• Comedia: universal, popular y cercana. Final feliz. Destacan las de capa y espada, las palaciegas, de fantasía, las históricas.
• Tragedia: lucha contra el destino; final con efecto de catarsis. Destacaron las históricas, religiosas y de honor.
• Tragicomedia y géneros menores: en la tragicomedia se mezcla la alegría y el sufrimiento. En los géneros menores destacan los entremeses, la mojiganga y los autos sacramentales.

Comedia nueva

Comedia nueva: se publicó El arte nuevo de hacer comedias en 1609. Combina los temas tragicómicos con final feliz. En los géneros menores destacan los entremeses, la mojiganga y los autos sacramentales.

Características

1. Estructura sencilla en tres actos o jornadas (planteamiento, nudo y desenlace).
2. Mezcla de elementos trágicos y cómicos, con un final que suele ser feliz. La mayor parte son tragicomedias.
3. Rechazo de la regla de las tres unidades para dar viveza al argumento (espacio: varios lugares; tiempo: más de un día; y acción secundaria que amplía la obra).
4. Personajes con una caracterización psicológica muy simple (el galán, la dama).
5. Variedad de temas: el amor; el honor; históricos (sobre la antigüedad clásica, historias extranjeras o historias españolas); costumbristas; otros temas como los pastoriles, caballerescos, mitológicos, mágicos, etc.
6. Polimetría: empleo de versos con métrica variada como el romance, décimas, octavas.
7. Fuerte lirismo y predominio del ritmo vivo por la variedad de situaciones; está acompañado de música y baile.

Las peculiaridades de sus obras son la presentación de una ideología que conecta con el público (alaba la aldea y utiliza al villano, que era cristiano viejo y honrado), porque se sitúa al margen de todos los preceptos clásicos. Emplea para ello los conocimientos populares sobre leyendas o romances y utiliza reiteradamente varios personajes.

Personajes

Varios personajes:

• Clase social elevada: el rey —máximo representante del honor y la justicia—; el caballero, que encarna las normas éticas barrocas y se antepone al amor entre la dama y el galán. Por otro lado, el poderoso abusa del poder y es el antagonista.
• Clase inferior: el villano o el gracioso —con un sentido del humor singular—. Las dos figuras complementarias por excelencia son:

Galán: caballero, de clase alta, con muchas virtudes y sentimientos profundos.

Gracioso: representa la figura del donaire; acompaña al caballero, es criado de confianza, es la contrafigura del galán; es realista y práctico, a la vez que cobarde y cínico. Su lenguaje es más llano, chistoso y desenfadado.

La dama (más bella y lista, astuta) y la criada.

Escenografía y lenguaje

Uso de una escenografía rudimentaria (escasez de acotaciones), mientras que las referencias espaciales y temporales se incluyen en el parlamento de los personajes.