Los picapedreros de Courbet y La Libertad guiando al pueblo de Delacroix: realismo y romanticismo en la pintura francesa del siglo XIX
Los picapedreros de Gustave Courbet
La obra de arte que vamos a comentar es Los picapedreros, un óleo sobre lienzo realizado por el pintor francés Gustave Courbet en 1849 y destruido posteriormente durante la Segunda Guerra Mundial.
Si analizamos la composición de la obra, podemos apreciar dos figuras campesinas de espaldas en primer plano: uno de ellos, de rodillas, con un pico en la mano, y el otro, erguido de pie. La composición es muy sencilla: solo las dos figuras, tratadas desde un punto de vista más alto, se recortan sobre una colina en penumbra, mientras que únicamente en el ángulo superior derecho se ve un pequeño trozo de cielo azul. Se completa la escena con los objetos cotidianos de los picapedreros.
La luz proviene de la parte frontal, iluminando las figuras que proyectan las sombras y contribuyendo al efecto plástico de los personajes, aunque la línea tiene también un importante protagonismo. Los colores utilizados son sobre todo la gama de pardos y ocres, con algunos toques de blanco sucio y un pequeño toque de azul al fondo que nos sitúa la escena en el día.
La profundidad no se consigue solo con el juego de luces y sombras, sino también por los escorzos que adoptan las figuras. Por otro lado, el dibujo tiene un marcado protagonismo, con las figuras perfectamente delimitadas; sin embargo, el color domina el paisaje.
Los picapedreros representa un hecho real, pero intrascendente: el trabajo de los picapedreros, la dura existencia física de dos pobres caminantes. Son totalmente anodinos para quienes no les importa su rostro, de modo que no expresan nada, ninguna idea ni emoción, sino solo equivalencias formales de ciertas cualidades de este tipo de trabajadores: fuerza, torpeza y pasividad. Visten ropas raídas, con parches en los pantalones o los agujeros de las camisas.
Las piedras y la cacerola del fondo toman un papel tan protagonista como el de los propios personajes en la composición, recogiendo el pintor con el mayor realismo posible lo que observaron sus ojos.
Con esta obra, Courbet quiere democratizar el arte, analizar la sociedad para corregirla, ya que el pintor tiene una misión que cumplir: la transformación de la realidad.
La obra utiliza y representa el movimiento pictórico del realismo, caracterizado por la representación objetiva de la realidad que se dio en la segunda mitad del siglo XIX. Primero se desarrolló en Francia y después en el resto de Europa, entre el romanticismo y el impresionismo.
Desde el punto de vista técnico, el realismo no aporta nada nuevo: se utilizan las técnicas y recursos empleados por movimientos anteriores. El propio romanticismo contiene elementos que generan el movimiento realista. Por otro lado, el realismo busca que el arte refleje la "verdad" directa de los campos o de los ambientes ciudadanos. La atención se dirige hacia el paisaje, los tipos populares y lo particular. Es influyente la fotografía, que proporciona una nueva mirada sobre la realidad al encuadrar de forma distinta y eliminar gestos artificiales.
Si analizamos la localización y el contexto histórico, podemos apreciar una serie de factores de distinto orden: la Revolución de 1848, el desarrollo de la industria y de los medios de comunicación que cambiaron las condiciones de vida, la evolución general hacia el positivismo, los descubrimientos científicos, la toma de conciencia del progreso social... Todos explican la aparición y el desarrollo de esta tendencia en la Francia de mediados del siglo XIX.
Como ya hemos mencionado, se trata de "Los picapedreros", realizada en 1849 por el pintor francés Gustave Courbet, considerado el padre del realismo. En efecto, este movimiento consiste en afrontar la realidad prescindiendo de todo prejuicio.
Courbet fue un pintor que mantuvo un compromiso político personal muy firme. Muestra la realidad en toda su crudeza para que compartamos con él los mismos sentimientos de rechazo. Su obra se caracteriza por su fidelidad al natural, la fuerza del dibujo, el detallismo y el estudiado uso del color.
La Libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix
He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré por ella.
La obra de arte que vamos a comentar es una de las manifestaciones artísticas más importantes del romanticismo: un cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 y conservado actualmente en el Museo del Louvre de París.
La composición de este óleo sobre lienzo se estructura a partir de una sólida pirámide, en la que la bandera de Francia ocupa el vértice superior, y los muertos del primer plano, la base. La figura femenina se convierte en el eje central de la obra. Las diagonales y los gestos exaltados dan unidad al cuadro.
Cabe destacar la gran movilidad que el pintor consigue imprimir, dando importancia a la línea curva y situando la figura principal sin ningún obstáculo que detenga su avance. En segundo plano podemos intuir la silueta de Notre-Dame, bajo el cielo tenebroso de París, una característica básica del romanticismo.
Por otro lado, la escena se encuentra dominada por tonos oscuros y ocres. Delacroix rompe esta monotonía en algunas zonas del lienzo con los colores de la bandera francesa, iluminados a partir de un foco irreal. El color para el autor no solo tenía un valor de representación, sino un significado emocional propio. De esta manera, el ligero pincel y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros.
Se trata de una pintura de estilo romántico, pero no solo es un estilo artístico, sino también una actitud que afecta al arte, a la literatura y a otros ámbitos. Aplicado al arte, el concepto romántico nace en contraposición a las normas neoclásicas. En la pintura romántica se distinguen la exaltación del individuo y de la patria, por un lado, y por otro, la reivindicación de la libertad individual y nacional. Además, se hace necesario explorar nuevos ámbitos de tipo histórico, popular, etc.
En la pintura romántica francesa, entre 1820 y 1840, se contrapusieron dos concepciones pictóricas: la tendencia clasicista de Ingres y la romántica de Delacroix y Géricault, que apostaron por un cromatismo vivo. En Alemania tuvo su máximo exponente a Caspar David Friedrich, y en Inglaterra a William Turner, quien percibió los nuevos valores de la naturaleza.
Todos los románticos representan unas características comunes: el rechazo a las concepciones neoclásicas, el predominio del color y el tratamiento de la luz para difuminar figuras. Destaca el dramatismo de las composiciones, con gran preocupación por el movimiento y los gestos violentos, los escorzos y los ambientes contrastados. Dan importancia al paisaje que expresa estados de ánimo. Además, utilizan una técnica rápida con pinceladas sueltas y pastosas.
En cuanto a la función y significado de la obra, Delacroix representa de modo alegórico una escena del 28 de julio de 1830, en la que el pueblo de París levantó barricadas y que puso fin al reinado de los Borbones en Francia, dando paso a una monarquía constitucional. Para destacarlo en el lienzo aparecen representantes de varias clases sociales. Y, guiándolos a todos, destaca la figura femenina armada con un fusil que lleva la bandera de Francia y que avanza imparable, como la revolución. Esta obra asume los ideales revolucionarios de libertad, igualdad y fraternidad.
En cuanto a los antecedentes y consecuentes, sabemos que Delacroix recogió la influencia de varios pintores: la dinámica de Rubens, el claroscuro de Caravaggio y el tratamiento del color de la escuela veneciana, en especial de Tiziano. Asimismo, no le fueron ajenos pintores más cercanos como Goya o su maestro Géricault. Considerado el máximo exponente del romanticismo, Delacroix fue uno de los principales pintores de la temática exótica. Su obra tuvo una gran repercusión e inspiró a numerosos artistas como Renoir, Seurat y Van Gogh, entre otros.
Analizando la localización y el contexto histórico, hemos comentado que la obra muestra los acontecimientos revolucionarios que se dieron durante los días 27, 28 y 29 de julio de 1830, que pusieron fin al reinado de los Borbones en Francia, dando paso a la monarquía constitucional. El día 27 se inició la protesta contra una serie de ordenanzas que restringían las libertades ciudadanas. Esa misma noche, jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección y al día siguiente se iniciaron las barricadas. El día 29, los revolucionarios eran dueños de la ciudad. La revuelta sobrepasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares.
Todos estos acontecimientos se tradujeron en el fin del régimen absolutista monárquico, surgiendo la conciencia nacional que se materializó en la creación de nuevos Estados.
El autor de esta obra fue Eugène Delacroix (París, 1798-1863), discípulo de Géricault, cuya formación se centró en la copia de los viejos maestros del Louvre, en especial de Rubens. La técnica de John Constable lo hizo viajar a Inglaterra. Más tarde visitó Marruecos, donde descubrió la luz y el color de sus paisajes. Después, al regresar a Francia, recibió encargos oficiales. Otras obras destacadas de este francés son La matanza de Quíos y La muerte de Sardanápalo.