El grito de Munch y el noplasticismo de Mondrian: dos vanguardias del arte moderno
El grito de Edvard Munch y la composición en rojo, amarillo y azul de Piet Mondrian
La obra de arte que vamos a comentar es El grito, una pintura realizada sobre tabla con la técnica del temple-pastel en 1893 por el pintor noruego Edvard Munch. La personalidad expresiva e inestable del pintor le llevó a plasmar El grito como una de las obras más expresivas de la historia del arte contemporáneo.
Todo el cuadro es un grito de angustia y de dolor, que expresa el estado de ánimo del pintor. Este reflejo de la angustia se logra a través de la línea, del color y de la pincelada.
Lenguaje plástico
La línea
En lo que se refiere a la línea, existe una contraposición entre las rectas diagonales de la barandilla y las ondulaciones del resto de la obra.
El color
En cuanto al empleo de los colores, existe de nuevo una contraposición entre los colores cálidos y fríos, que contrastan entre sí, ambos antinaturalistas. Lo importante del color no es representar la realidad, sino transmitir el estado de ánimo, adquiriendo un valor expresivo.
La pincelada
En cuanto a la pincelada, predomina la mancha sobre el dibujo. La pincelada es suelta, nerviosa y curva, transmitiendo sensaciones.
La luz
La luz también es antinaturalista, sin un foco determinado. No emplea el claroscuro. Por otro lado, consigue la profundidad gracias a las diagonales y las líneas onduladas. Comunica la figura con el fondo, creando así un cierto desasosiego a la hora de contemplar la escena.
El paisaje y la composición
El paisaje se construye a base de ondulaciones que parecen prolongar el grito que se escapa desde la figura central, proporcionando movimiento a la obra. Además, la asimetría del cuadro contribuye a transmitir inquietud y desequilibrio.
En lo que se refiere a la composición, en primer plano, un individuo se lleva las manos a la cabeza y abre la boca para gritar con toda su energía. Este personaje central permanece quieto, mientras otras dos figuras humanas pasan indiferentes en otro extremo del puente. Al fondo de la composición se puede apreciar un fiordo y dos siluetas de barcos.
El simbolismo y la expresión
El simbolismo es patente en el rostro, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. La figura abocetada ocupa la posición central del cuadro. El autor estira esta figura hasta deformarla, desgarra el cuerpo y el paisaje hasta convertirlo en un grito de desesperación y dolor.
No le interesa, como ya hemos indicado, reproducir la realidad, sino distorsionarla a través de la figura y el paisaje para expresar su estado de ánimo interno. Su mirada se dirige al espectador, entrando en comunicación directa con él y transmitiendo su angustia.
Todos estos rasgos incluyen a Munch en la línea expresionista. Se denomina expresionismo a la pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad; la obra se convierte así en un vínculo de comunicación entre los sentimientos del pintor y el público. Se plantean las angustias vitales del hombre, en un estilo y una actitud ante la pintura marcada por un espíritu de rebeldía.
Origen y contexto del expresionismo
El término expresionismo se viene utilizando aproximadamente desde 1910, aunque refleja una realidad anterior. Su significado supone una clara contraposición frente al impresionismo.
En Alemania el expresionismo arraigó mucho, siendo este país donde surgieron dos movimientos importantes:
- Die Brücke, cuyas características formales son muy parecidas a las del fauvismo, con colores agresivos, vivos, planos y violentamente contrastados. Sus obras muestran un claro desinterés por el espacio, el volumen, el detalle o los estudios a la luz.
- Der Blaue Reiter, que se creó algo más tarde e integran artistas como Kandinsky.
La obra analizada se considera precursora del expresionismo. Podemos afirmar que surgió a principios del siglo XX y se desarrolla en diversos grupos. En fechas más recientes, después de 1975, se han desarrollado corrientes expresionistas en Alemania, EE. UU. e Italia.
Munch y la sociedad moderna
Munch quiso reflejar en sus obras los rincones más profundos del alma humana. El grito es un reflejo del mundo interior del artista que entronca con la soledad del ser humano en la civilización moderna. El grito que Munch dirige a la ciudad no solo transmite la angustia personal del pintor, sino además una cierta incomprensión y crítica hacia la nueva forma de organización socioeconómica de la época.
Una estancia en París permitió al noruego Munch entrar en contacto con las obras de Van Gogh, Gauguin y Toulouse-Lautrec, que influenciaron su pintura de forma determinante. Sus obras también guardan un paralelismo con las pinturas negras de Goya en el uso de colores oscuros y atmósferas tétricas. En el campo conceptual, las teorías filosóficas de Nietzsche dejaron huella en su producción artística.
La influencia que tuvo El grito y la obra de Munch en general fue muy fuerte, hasta el punto de que esta obra se convierte en la portada del manifiesto del grupo Die Brücke. Artistas como Kirchner y Nolde tomaron el testigo de Edvard Munch.
Munch pintó El grito en 1893, en París, sin duda una de las cunas del pensamiento contemporáneo y de las reacciones sociales que surgieron en la revolución industrial. Fue entonces cuando la sociedad se subordinó a la economía.
París vivía envuelta en un clima constante de protesta social, una época de boicots, sabotajes y huelgas generales contra la clase burguesa. Así pues, esta obra fue pintada en ese clima social.
Biografía del autor
Como ya hemos indicado con anterioridad, el autor de esta obra es el noruego Edvard Munch (1863-1944). Munch vio morir de tuberculosis a su madre y a su hermana mayor cuando tenía tan solo 14 años. Su pintura rechaza tanto los nutrientes del impresionismo como se dedica a la expresión de estados de ánimo subjetivos, morbosos y turbadores. Su finalidad es explorar el mundo interior de la conciencia humana.
La composición en rojo, amarillo y azul de Piet Mondrian
La obra de arte que vamos a comentar es la Composición en rojo, amarillo y azul, ubicada actualmente en el Guggenheim Museum de Nueva York, y realizada por el pintor holandés Piet Mondrian, máximo representante del neoplasticismo.
El artista realiza una serie de composiciones muy parecidas, en las que el ritmo está establecido por un conjunto de cuadros realizados en colores primarios y delimitados por gruesas líneas negras. En oposición al cubismo, Mondrian se identificaba con el cuadro de fondo plano. El marco blanco o gris se divide creando efectos de inesperado lirismo e intensidad.
El uso del color y la forma
El color está aplicado con gran delicadeza. El rojo y el azul se suben sutilmente y se posan con sumo cuidado, como si se tratara de un sistema de equilibrio. El resultado es una expresión más dinámica que estática.
Se representa en el cuadro las dos dimensiones y se evita crear la ilusión de profundidad; por eso, se omite cualquier línea curva o diagonal, porque representan la perspectiva.
La poética del lienzo radica en las formas rectangulares, que limitan los colores primarios sin aislarlos. Sin embargo, estos colores son objetivos, sin ningún tipo de carga emocional. La simplificación de formas llega a anular la voluntad decorativa.
Estamos ante una composición completamente equilibrada, donde el color, la forma y la disposición están estudiados según un perfecto rigor mental. Cabe destacar que ninguno de los cuadros de la serie del artista es idéntico al otro. La abertura o estrangulamiento de las líneas en la cuadrícula produce una impresión de oleada, flujo, constricción y sensación de distintas velocidades.
Se aprecia perfectamente la depuración de las formas. Se ordena abstractamente un conjunto de rectángulos dentro de un orden basado en líneas que se cruzan siempre en ángulo recto, alojando en los espacios los tres colores que, con el blanco del fondo y el negro de las rayas, serán los únicos elementos que se utilizan.
El neoplasticismo
El neoplasticismo es la corriente artística impulsada por Piet Mondrian en 1917, que proponía despojar el arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista.
Las teorías de Mondrian reivindicaban un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a líneas rectas, horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios.
La influencia del movimiento neoplástico se llegó a sentir en la Bauhaus, con la cual había una fuerte corriente de intercambios. Por otro lado, la etapa berlinesa de Mies van der Rohe está fuertemente signada por la experiencia neoplástica.
La obra está marcada ideológicamente por la filosofía de raíz neoplatónica que propugnaba el rechazo a la realidad material en favor de otra más superior y espiritual.
Influencias y evolución
En este cuadro se ha llegado a la abstracción por la vía del cubismo. Hay dos influencias fundamentales. La primera surge del ámbito pictórico y se debe a las composiciones del pintor Bart van der Leck, cuyas reducciones a base de planos de colores puros marcarán la trayectoria del nuevo estilo artístico. La otra aportación procede del campo filosófico.
El autor, en sus diseños, se ha convertido en uno de los artistas más limitados del siglo XX. Sus nociones se ven reproducidas en multitud de anuncios publicitarios. Ha influido notablemente en el diseño y la arquitectura del siglo XX.
Contexto histórico
En cuanto a la época y contexto, a finales del siglo XIX y principios del XX, Europa vivía una situación de inestabilidad caracterizada por la aparición de corrientes nacionalistas y la rivalidad económica y política entre distintas naciones. Todo esto llevó al estallido de la Primera Guerra Mundial.
No obstante, no se pudo evitar que la opinión pública manifestara a favor o en contra de la guerra y que, al mismo tiempo, se definieran por un bando u otro. El fascismo consiguió apoyo en todos los sectores de la sociedad, pro con singular intensidad entre los miembros de la clase media que temían la amenaza de la revolución comunista, y de los empresarios que tenían temores similares.
El arte se vio afectado y empezaron a surgir las vanguardias artísticas, que eran las diferentes rupturas con los modelos de belleza dominantes que se produjeron en Europa durante el primer tercio del siglo XX. Sus principales características eran la ruptura con lo anterior y el deseo de novedad.
Los grandes centros artísticos estuvieron relacionados con la aparición de diversos "ismos" y tendencias que configuraron el denso mapa artístico de las llamadas vanguardias. Francia, Alemania, Austria, Rusia, Suiza, Holanda y, más adelante, Nueva York se convirtieron en los grandes centros de creación artística.