La Evolución de la Escultura: Del Renacimiento al Neoclasicismo

Renacimiento

El espíritu renacentista encuentra en la Antigüedad modelos que se adaptan a sus necesidades por su contenido, porque se refieren a ideales compartidos como la dignidad del hombre y la idea de que este es el centro del universo y todo debe estar hecho a su medida. Se ensalzan valores como la osadía, el dominio de los sentimientos, el equilibrio y la construcción de fuertes personalidades frente a la humildad y el sacrificio de la Edad Media.

Quattrocento (S. XV)

La escultura italiana se realiza en mármol o en bronce. Existe un interés por la naturaleza a la hora de reproducir sus formas de una manera ajustada, acercándose al lenguaje clásico. Se recupera el desnudo y la preocupación por la anatomía y las actitudes. Se produce un importante desarrollo del relieve con un concepto muy pictórico y un gran interés por representar el espacio y la atmósfera.

Cinquecento (S. XVI)

Hay un mayor dominio del lenguaje clásico y una consolidación mayor del estilo renacentista, gracias a los progresos de los artistas del Quattrocento. Se ensayan formas de expresión más veraces y que atienden más a las emociones. En escultura, las formas pierden armonía para ganar expresividad. Hay un mayor sentido de lo monumental y de lo transitorio.

En la escultura española, el Renacimiento se produce en dos sentidos: artistas españoles que viajan a Italia y estudian la escultura clásica, y escultores italianos que vienen a España para satisfacer los nuevos gustos.

Barroco

En el siglo XVI, con el movimiento manierista, se observa una evolución hacia la negación de las proporciones y la corrección clásica a favor de una mayor expresividad.

• Composición, forma y plástica: Las figuras son cada vez más retorcidas, sufren giros y sus posturas son forzadas. Las composiciones se forman a base de diagonales, huyendo de la vertical y la horizontal. Se favorece el interés de las figuras desde distintos puntos de vista.
• Materiales: En Italia, se sigue utilizando fundamentalmente el mármol y el bronce, mientras que en España surge la imaginería religiosa en madera policromada.
• Temas: Aunque los temas siguen siendo mitológicos o religiosos, la intención es crear figuras que sean cercanas por la expresión extremada de las emociones.
• Modelos: Los modelos están sacados del entorno inmediato; no se busca que tengan una gran belleza, sino expresar la autenticidad de la emoción.

Neoclasicismo

El estilo neoclásico significa en escultura el retorno a la Antigüedad en cuanto a los temas y al estilo. Debido a su deseo de no perder la serenidad expresiva y a la generalización del empleo del mármol y del bronce, la escultura neoclásica presenta una gran uniformidad en todas partes, siendo uno de los estilos más internacionales que ha existido.

Artistas Destacados

• Antonio Canova: Empieza su carrera con maestros barrocos y marcha a los 22 años a Roma, donde depura su estilo bajo la influencia de Mengs y Winckelmann en composición y formas. Aborda la temática clásica, tanto en figuras como en escenas, con mucha elegancia, y también el tema del retrato para Napoleón y los papas.
• Bertel Thorvaldsen: Nacido en Copenhague, también viaja a Roma y se familiariza con el mundo clásico, que interpreta de una manera más fría y rígida que Canova. Siente preferencia por los temas de la mitología, pero también realiza retratos de personajes históricos como el de Copérnico y el impresionante Apostolado de la Catedral de Nuestra Señora (Vor Frue Kirke) en Copenhague.