La Casa de Bernarda Alba de Lorca: temas, símbolos y planos de la obra

La Casa de Bernarda Alba: teatro y significado en la obra de Federico García Lorca

El teatro de Federico García Lorca (1898-1936) raya a una altura pareja a la de su obra poética y constituye una de las cumbres de la dramática española moderna, aparte de ser una obra universalmente admirada. La Casa de Bernarda Alba gira en torno al enfrentamiento entre tradición y libertad, y puede leerse desde tres puntos de vista. La casa tiene valor dramático espacial: es un espacio físico que interactúa con los personajes y, hasta cierto punto, determina el tipo de relaciones sociales y humanas.

En conclusión, La Casa de Bernarda Alba (1936) se puede reducir al forcejeo de la vitalidad de las hijas, y al combate entre la muerte y la vida, el pasado y el porvenir. Aquí, la presencia de la tradición es el luto, es decir, la muerte. Frente a ella, las mujeres gritan su derecho a la vida en distintas formas, que van desde el amor hasta la neurosis. «Silencio» es la primera y última palabra que dice Bernarda, y con ella se abre y se cierra la obra: el autoritarismo y las convenciones sociales vencen al anhelo de libertad. Lorca creó este drama de las mujeres en los pueblos de España en el que deja ver su visión trágica de España, una tierra aislada, cerrada al resto del mundo, fiel a una tradición moribunda. Es el clímax de su obra teatral, por encima de Yerma y de Bodas de sangre.

Ejes de La Casa de Bernarda Alba

El tema central de la obra es el enfrentamiento entre una madre autoritaria y convencional, Bernarda, y el deseo de libertad representado por María Josefa y Adela. Se trata de un enfrentamiento entre dos actitudes vitales e ideologías. Por un lado, una forma de vida de las apariencias, la moral tradicional basada en el autoritarismo y las convenciones sociales y, por otro lado, la libertad individual frente a cualquier tipo de imposición o convención. El enfrentamiento entre una conducta autoritaria y rígida y otra abierta y progresista se plantea desde el inicio.

Bernarda trata de imponer sus normas opresivas y autoritarias basándose en la autoridad que le da su posición tras la muerte de su marido. Su madre y Adela intentan rebelarse. Las demás se resignan, aunque Martirio se enfrenta a su madre en alguna ocasión. Las criadas temen a Bernarda y murmuran a sus espaldas.

Bernarda impone un luto de ocho años y marca rígidamente el comportamiento que han de tener sus hijas con los hombres. La hija que no obedece deja de ser hija. El impulso amoroso de Adela y sus ansias de libertad son más fuertes que su temor a la autoridad materna: su rebeldía se manifiesta desde el principio en su abanico de flores verdes y rojas, cuando debe ser negro, y cuando luce su vestido verde ante las gallinas, expresando sus deseos de libertad y la voluntad de no acatar las normas impuestas. Al final de la obra, se enfrenta directamente con su madre, le arrebata el bastón, lo parte en dos y defiende su libertad, que no le durará mucho tiempo. Su suicidio, última rebelión en defensa de una libertad imposible, cierra definitivamente para sus hermanas el camino hacia la libertad.

María Josefa encauza su rebelión a través de la locura, única vía de escape para su aislamiento en una habitación, una cárcel dentro de otra cárcel. Su locura le da fuerzas para expresar sus ansias de libertad, enfrentarse a su hija y denunciar su tiranía. Tanto la postura de Adela como la de María Josefa resultan estériles. El drama de esas mujeres encerradas se plasma en la ausencia de amor en sus vidas y la imposibilidad de alcanzarlo.

Temas secundarios y conflictos

Uno de los temas secundarios de la obra es el amor. La irrupción de Pepe el Romano desencadenará las pasiones de esas mujeres solteras que desean casarse para liberarse de la tiranía de su madre. La aceptación por Bernarda de la propuesta de casamiento de Pepe el Romano con Angustias desatará el conflicto entre las hermanas. Las vivencias reales del amor sensual de Adela son causa de su enfrentamiento con Martirio, la cual también se enamora de Pepe el Romano y se confronta con Adela en el tercer acto. Amelia y Magdalena también participan del deseo aunque no expresan sus sentimientos.

Otro tema es la preocupación por las apariencias, que se refleja en la obsesión por la limpieza, el miedo a la murmuración de Bernarda y la hipocresía de Martirio. Además, tras el suicidio de Adela, Bernarda quiere ocultar la realidad. Los sentimientos de odio y envidia presiden las relaciones humanas. Bernarda es odiada por las criadas y el pueblo, y Angustias es odiada por las hermanas. Lorca denuncia la injusticia y la desigualdad social. Las relaciones humanas están jerarquizadas y dominadas por la mezquindad y la crueldad. La desigualdad es, en cierta medida, la causante del drama, ya que Pepe el Romano elige a Angustias por su fortuna.

Es notoria la marginación de la mujer y el comportamiento femenino basado en la honra y en la decencia aparentes, con el acatamiento de las normas sociales convencionales. También trata el tema de la honra, sentido que guía a Bernarda y a Poncia e impera en el pueblo, haciendo posible el linchamiento de la hija de la Librada. Es un tema ambicioso y profundo. Por un lado, plantea una sátira amarga contra esas formas rezagadas de la vida española, y por otro lado, da a la defensa de esa concepción de la existencia unas proporciones trascendentales.

Planos narrativos y poéticos

Planos: Lorca, ante todo, era poeta. En La Casa de Bernarda Alba, como en toda su obra teatral, se combinan realidad y poesía, dando lugar a un plano poético. Esta obra supera los límites del realismo, aunque se tomen datos de la realidad y la acción se sitúe en un marco real, creando una impresión de verosimilitud. No obstante, los personajes, el espacio simbólico y la situación dramática son vistos desde una dimensión poética.

La hipérbole en la descripción de los personajes, las imágenes y metáforas en el habla, y la estructuración de la obra en un plano real y un plano simbólico imaginado, así como el dominio de la antítesis, todo ello lleva a la poetización de la realidad. El lenguaje poético se integra en el habla de los personajes y así parece natural y espontáneo. Los detalles realistas del primer acto van disminuyendo en el segundo, y aún más en el tercero, y los personajes se diluyen en siluetas perfiladas. En el tercer acto aparecen elementos clásicos: la noche estrellada, la persecución en semioscuridad entre Adela, Martirio y María Josefa, y la anciana con una oveja en brazos.

Lorca se sirve del verso en la letanía del primer acto que rezan Bernarda y las mujeres del duelo, en la canción de los segadores que recuerda la libertad, la alegría y el amor existente en el mundo exterior, y en la nana que canta María Josefa con la oveja en brazos. En el habla de los personajes se mezclan expresiones coloquiales con figuras literarias como la comparación (por ejemplo, «los segadores son como árboles quemados»), imágenes y metáforas («la casa es un convento»), hipérboles («siegan entre llamaradas») y paralelismos semánticos que repiten la misma idea en lugares diferentes.

El plano simbólico

Existe también un plano simbólico, por lo que es notable la presencia de elementos físicos que aluden a experiencias psíquicas internas. La acción transcurre en un espacio cerrado, la casa, que representa una cárcel donde vive el luto, la ocultación, el silencio y la muerte; frente a la casa está el mundo exterior, de donde procede la pasión, el erotismo y la alegría de vivir.

Los colores tienen valor simbólico:

• Blanco: representa la vida, la alegría, el amor y la libertad; cuando se refiere al color de las paredes de la casa representa la pureza, que a lo largo de la obra se va apagando.
• Negro: el odio, la tristeza, la represión y la muerte.
• Verde: suele significar rebelión para Lorca, y también la muerte.

Asimismo, los animales poseen su propio valor simbólico: el caballo representa la pasión sexual y el deseo amoroso; la oveja simboliza la imagen del niño y de la fertilidad; el perro es la sumisión. También el bastón de Bernarda tiene un valor simbólico: su tiranía. De ahí que, en un momento dado, Adela lo rompa tratando de escapar de su realidad.

Los nombres de los personajes también poseen valor: Bernarda Alba, cuyo nombre sugiere fuerza, y su apellido hace referencia al blanco, símbolo de la castidad; Angustias, Magdalena y Martirio aluden a la mujer llorosa y sufriente; Amelia, «sosa sin dulzura»; Adela, «noble», relacionado con la idea de adelantar; Poncia remite a Poncio Pilatos; y Prudencia es una de las cuatro virtudes cardinales. El lenguaje poético que crea García Lorca tiene, pues, dobles y múltiples significados que convierten las palabras en símbolos de la obra.

Plano social

Lorca se preocupaba por los problemas sociales, especialmente por los marginados y desfavorecidos. En el plano social de La Casa de Bernarda Alba se desarrolla un conflicto entre dos fuerzas mayores: el principio de autoridad, encarnado por Bernarda, y el principio de libertad, representado por sus hijas. El primero responde a una visión clasista del mundo donde se cristaliza una moral social fundada en preceptos negativos y condicionada por el «qué dirán».

En la obra aparece, como raíz del principio de autoridad, una fuerza más primitiva, anterior a lo social: se trata del instinto de poder absoluto, que negará toda libertad personal y sentimiento. Bernarda no es solo la mujer autoritaria, sino ese instinto de poder que niega la realidad y que niega que lo otro y los otros existan. A ese instinto se opone el del sexo, tan elemental y ciego como el anterior. Del enfrentamiento entre ambos solo puede resultar la destrucción de uno. Las relaciones humanas están dominadas por el odio y la envidia.

Desde el primer acto, Lorca denuncia la injusticia y la desigualdad social, el orgullo y la conciencia de clase y la crueldad que preside las relaciones sociales.