Arte Neoclásico y Arquitectura Neoclásica: Estilos, Autores y Corrientes Artísticas del Siglo XVIII al XX

Arquitectura Neoclásica

Neoclasicismo arquitectónico: principal referencia artística clásica de interés renovado gracias al reciente descubrimiento de Pompeya y Herculano, y también del arte del Renacimiento. La arquitectura racional, clara y opuesta a la complejidad y exuberancia del Barroco, se basa en volúmenes nítidos que se corresponden con los espacios interiores, buscando claridad estructural. Utiliza órdenes clásicos, recupera el uso del módulo para la proporción y la armonía, también en la cúpula.

Se caracteriza por su apariencia severa, sus líneas simples y su búsqueda de la belleza en un conjunto cargado de gran sobriedad decorativa, aspirando al equilibrio y la estabilidad, con predominio de la horizontalidad y la simetría. Su tipo es el templo clásico, además de construirse edificios como museos, bibliotecas y teatros.

Neoclasicismo en Inglaterra

En Inglaterra se toma como referencia la arquitectura griega y romana, además de la obra de Palladio. Destacan Sir John Soane con el Banco de Inglaterra, John Nash con su ordenación del Regent's Park y, dentro del clasicismo, Robert Smirke, autor del Museo Británico.

Neoclasicismo en Francia

En Francia estuvo al servicio del Estado, además de unir a la época napoleónica levantando arcos de triunfo y columnas conmemorativas. Destacamos a Soufflot con el Panteón de los Hombres Ilustres, Vignon con la Iglesia de Santa Magdalena y Chalgrin con el Arco del Triunfo de l'Étoile.

Neoclasicismo en Alemania

En Alemania, Langhans con la Puerta de Brandeburgo y Leo von Klenza con la célebre Gliptoteca y los Propileos, rememorando la entrada de la Acrópolis.

Neoclasicismo en Estados Unidos

EE. UU. adopta el neoclasicismo para sus construcciones, con Thomas Jefferson, además de numerosos edificios como el Capitolio.

Neoclasicismo en España

En España se funda la Academia de San Fernando y destacan Ventura Rodríguez con la fachada de la Catedral de Pamplona y Francesco Sabatini con la Puerta de Alcalá. La arquitectura auténticamente neoclásica la representa Juan de Villanueva con el Museo del Prado y el Observatorio Astronómico de Madrid.

Escultura Neoclásica

Escultura neoclásica: se caracteriza por la vuelta a lo clásico, pues el hallazgo en las excavaciones arqueológicas que se llevaron a cabo en el siglo XVIII de numerosas piezas escultóricas proporciona una magnífica fuente de inspiración. Se caracteriza por la pureza de contornos y la claridad de los volúmenes; el material preferido es el mármol blanco, con superficies pulidas y brillantes. Influye el arte clásico en la elección de temas como el mito, buscando la belleza ideal, la armonía y el equilibrio, además de destacar por el gran interés por el desnudo.

Las tipologías más utilizadas son los monumentos públicos, los funerarios y los retratos, que adquieren gran importancia.

Sus principales representantes son Bertel Thorvaldsen, que conocía muy bien la estatuaria clásica y el mundo griego, transmitiendo gran serenidad y equilibrio, pero también frialdad y distanciamiento, y Antonio Canova, que destaca por su perfección técnica, alcanzando extraordinaria maestría en la sublimación de la naturaleza y plasmando la belleza ideal. Destaca con retratos de Napoleón y el monumento funerario de Clemente XIII, influenciado por Bernini, pero renunciando a la policromía y al sentido dramático y teatral.

Escultura del Segundo Neoclasicismo y Romanticismo

En el segundo tercio del siglo XIX lo encontramos en la primera mitad del siglo; estos reflejan una nueva sensibilidad próxima a los postulados románticos, que se traduce en mayor complejidad compositiva, con grandes contrastes de luces y sombras, expresividad en los gestos reflejando emociones y profundo sentimiento. Una de las obras más representativas de esta sensibilidad es La Marsellesa de François Rude.

En la mitad del siglo, la escultura asume algunos rasgos que se consideran realistas, como el gusto por los detalles, la representación de acciones cotidianas y la naturalidad en los gestos, todo ello sin renunciar a rasgos heredados del antiguo clasicismo. Los escultores más destacados son Constantin Meunier, muy comprometido socialmente, y Honoré Daumier, gran dibujante y caricaturista.

Escultura Impresionista y Rodin

La ruptura de Rodin con el estilo abocetado e inacabado, característico del Impresionismo, también se utiliza en la escultura de finales del siglo XIX en autores como Rodin, Degas o Medardo Rosso. De estos, Rodin es considerado el mejor escultor de su siglo, destacando como características:

• Relevancia a la armonía entre la masa y el espacio vacío.
• Se relaciona con el Impresionismo, pues busca el modelado por medio de la luz, además de difuminar los contornos.
• Utiliza la técnica non finito, que aprende de Miguel Ángel.
• Rompe con las proporciones y el canon clásico, resaltando la expresión por encima del naturalismo y relacionándolo con el Simbolismo.
• Técnica de vaciado, elaborando las piezas en yeso.
• Destaca su espíritu simbolista y su arte de precursor, permitiendo las audacias de la escultura moderna, como la desolución de formas y juegos de luces y sombras.

En su vida fue rechazado tres veces por la Escuela de Bellas Artes, aunque en 1877 fue aceptado en el Salón, donde presentó El vencedor desnudo, polémico por su extremado realismo. En 1880 recibió el encargo de realizar una puerta de bronce para el Museo de las Artes Decorativas, que nunca llegó a construirse. Aun así, fue bautizada como La puerta del infierno, estableciendo un paralelismo con la Puerta del Paraíso de Ghiberti.

Sus obras se manifiestan por la extremada tensión de los músculos, escorzos dramáticos y fuertes contrastes de luz y sombra. Destacamos El pensador y El beso. En 1884 se le encargó el monumento a los Burgueses de Calais, y en 1889 se realizó el monumento a Víctor Hugo y en 1897 el monumento a Balzac, que simboliza la impetuosa potencia del genio. Por último, en 1900 expuso más de 150 obras en el pabellón, obteniendo un éxito internacional.

Pintura Neoclásica y Romántica

Jacques-Louis David (1748-1825)

Jacques-Louis David: artista que mejor ejemplifica los ideales de la pintura neoclásica, comprometido con los ideales de la Revolución Francesa, dedicándose a la política como miembro del Comité de Salud Pública, vinculado a Robespierre, y como diputado de la Convención Nacional. Después pasó a ser pintor de Napoleón. Sus obras dan testimonio de los acontecimientos de su tiempo. En Italia estudió a Rafael y la escultura grecorromana. Su función era educar al público y transmitir patriotismo, valor y la conciencia del deber. Su pintura domina el equilibrio y la mesura, la claridad compositiva, el valor del dibujo a través de la línea y la sobria utilización de la luz. Destacan El juramento de los Horacios y El rapto de las sabinas.

Dominique Ingres (1780-1867)

Dominique Ingres: pintor francés del neoclasicismo, defensor del dibujo con un trazo abstracto y tintas planas de intenso colorido. Sus obras se enmarcan en el estilo trovador, inspirándose en el ideal gótico y griego. Su obra es en general de pintura histórica, y se convirtió en el retratista refinado de la nobleza, con desnudos femeninos de líneas sinuosas, dibujo exacto y pureza de formas. Destacan La gran bañista y El baño turco.

Théodore Géricault (1791-1824)

Théodore Géricault: prototipo de pintor romántico por su carácter apasionado, sensible, por su rebeldía y la intensidad de sus obras. Influido por Miguel Ángel, Caravaggio y Goya. Destaca La balsa de la Medusa, donde combina el diseño barroco, el realismo romántico y los sentimientos no controlados. Trató temas de la vida cotidiana, mostrando la desesperación y el sufrimiento de la gente. También destacan sus trabajos como animalista, subrayando la importancia del caballo como símbolo de fuerza y energía vital.

Eugène Delacroix (1798-1863)

Eugène Delacroix: pintor que expresa a la perfección los ideales del romanticismo. Su formación fue decisiva; su estancia en Inglaterra y su viaje a África (Marruecos y Argelia), donde se sentirá impactado por la plenitud de la luz y el color, marcaron su obra. Fue un artista muy culto, pues se relacionó con intelectuales como Chopin, Victor Hugo o Baudelaire. Destaca en el género histórico con La libertad guiando al pueblo. Se dio a conocer con La barca de Dante, que representa un episodio extraído de la Divina Comedia.

William Turner (1775-1851)

William Turner: pintor romántico nacido en Inglaterra, fue precursor del Impresionismo, cultivando distintos géneros, entre los que destaca el paisaje. Entró en la Royal Academy of Art con 14 años y completó su formación viajando por Europa. Sus paisajes se caracterizan por el dramatismo, manifestando interés por el espacio atmosférico y la luminosidad. Fue continuador de la acuarela, intentando conseguir los efectos del óleo; el color sustituye al dibujo como elemento esencial de la composición. Con los años, sus composiciones se volvieron más abstractas, en las que el color y la luz adquieren protagonismo. Destaca en su obra Lluvia, vapor y velocidad.

John Constable (1776-1837)

John Constable: pintor inglés del romanticismo que dominaba los temas paisajísticos, considerado un magnífico narrador de la naturaleza de las tierras británicas. Recorrió los paisajes británicos, inspirándose en la visión directa de la naturaleza, y apoyándose en su dominio del dibujo adquirido gracias a su formación en la Real Academia de Londres. Tiene importancia el claroscuro de la naturaleza, que utiliza de manera descriptiva, diluyendo el color del fondo y jugando con contrastes dramáticos entre luces y sombras. Destaca El carro de heno.

Caspar David Friedrich y el Romanticismo Español

Destacan también el alemán Caspar David Friedrich. En el Romanticismo español sobresalen Genaro López de Villamil, con pincelada nerviosa y empastada, Eugenio Lucas y Leonardo Alenza, teniendo a Goya como referencia y manteniendo vivo el ambiente popular.

Pintura Realista

Contexto del Realismo

La pintura realista: corriente artística que se desarrolló durante la segunda mitad del siglo XIX, decayendo a partir de 1880, y alcanzando su esplendor en Francia, coincidiendo con la industrialización y la expansión imperialista de las principales potencias. Supone una reacción contra la pintura romántica, pues se rechaza por considerarla demasiado emotiva y por alejarse de la realidad, ya que su principal aspiración es la representación objetiva de la realidad.

El realismo fue un arte comprometido con lo social, marcado por el triunfo de la burguesía y el cese de las luchas por los fracasos revolucionarios, lo que hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales. Los pintores toman conciencia de los problemas sociales, denunciando las lacras. Los descubrimientos científicos fomentaron la idea de progreso social, donde se representará el mundo de manera verídica. La burguesía controlará la política y el gusto artístico a través de los salones oficiales.

Características del Realismo

• Reivindica el apogeo de la realidad y la importancia de los temas cotidianos, tratados de modo objetivo, sin idealización ni pintoresquismo, frente a los temas del pasado como el mito o la religión.
• Se niegan a idealizar las imágenes y al hombre, que aparece en sus tareas normales.
• La pintura pierde el sentido narrativo, pues se limita a plasmar la realidad; lo escandaloso está en los temas y en la manera de afrontar la realidad, que a veces son provocadores, como en el caso de Courbet.
• Predominan la pincelada suelta y la técnica menos tradicional, con colores menos intensos.
• Se lleva la representación de la naturaleza y el paisaje tal como son, abriendo el camino a la pintura al aire libre en su intento de captar la luz y la atmósfera.
• Se cultivó también el retrato.

Principales Autores del Realismo

Gustave Courbet es el mejor representante de la pintura realista con El entierro en Ornans; Jean-François Millet con El Ángelus, en la que plasma la dureza del campesinado; y Camille Corot con el paisaje realista, el más claro representante del tránsito entre el paisaje clásico y el realista, con La ninfa recostada.

Escultura del Siglo XIX: Resumen

Escultura neoclásica: será la que domine a principios del siglo. Se caracteriza por la vuelta a lo antiguo y clásico, dirigida por las academias, la pureza de contornos y la claridad de volúmenes. El material preferido es el mármol; sus temas son el mito, los desnudos, la búsqueda de la belleza ideal, la armonía y el equilibrio. Las tipologías son monumentos públicos, funerarios y retratos. Los escultores más destacados son Bertel Thorvaldsen y Antonio Canova.

Impresionismo

Contexto del Impresionismo

Impresionismo: se desarrolló en París en la mitad del siglo XIX, en un escenario de acontecimientos como la Revolución de 1848, el Segundo Imperio, la Comuna o la Tercera República. Fue un escenario de cambios urbanísticos dirigidos por el barón Haussmann, además de exposiciones universales y la consolidación de la sociedad burguesa.

París se llena de artistas e intelectuales que se reúnen para discutir de arte y política, que se identifican con la bohemia y el mundo intelectual crítico. El mundo artístico gira en torno a los Salones oficiales, organizados por las academias. Mientras los nuevos artistas eran conocidos como rechazados, tenían que buscar otros lugares; la primera exposición impresionista tuvo lugar en 1874. Este arte de patrocinio oficial liberaba a los artistas de la dependencia de seguir cánones oficiales para triunfar.

La crítica de arte se hace cada vez más presente en la prensa escrita, y ésta aprovecha los cambios culturales y científicos del momento para aplicarlos en sus obras. Los antecedentes son pintores como Constable, Turner y la Escuela de Barbizon.

Características del Impresionismo

• Óleo sobre lienzo.
• Pincelada suelta, corta y rápida, que pretende captar un momento concreto.
• Pincelada rica en pasta, por lo que la superficie resulta rugosa.
• Las líneas y el dibujo pierden importancia, ya que sobresalen la pincelada y el color.
• Colores claros, vivos y puros.
• Se prescinde de las mezclas; se aplican colores puros de manera yuxtapuesta.
• Renuncian al negro.
• La luz es elemento esencial, pues pretenden captar la naturaleza pintando al aire libre.
• Comercialización de la pintura al óleo en tubos de estaño.
• No hay interés por la profundidad.
• Fascinación por las estampas japonesas.
• El encuadre toma protagonismo por influencia de la fotografía, cortando figuras.

Los temas favoritos son paisajes rurales y urbanos, y escenas de ocio.

Principales Autores del Impresionismo

Manet es considerado precursor del movimiento; en su obra muestra un estilo personal a caballo entre el realismo y el impresionismo. Destaca Olimpia, un desnudo. Viaja a España, donde conoce el arte de Velázquez y Goya. Manet pintó la vida moderna, encarnando el prototipo de artista que reclamaba Baudelaire, pues nunca se propuso ser un radical indómito. Su modernidad radicaba en representar la vida tal cual es. En 1863 presenta su obra El almuerzo sobre la hierba, lo que suscitó la hostilidad entre los críticos conservadores, al igual que con su Olimpia. Éste no es un pintor puramente impresionista, pero su obra por captar el momento y la adaptación de su técnica a ese fin, empleando una pincelada rápida y suelta, además de estampada, lo convierten en un precedente perfecto.

Monet destaca con Impresión, sol naciente, siendo un pintor de aire libre con colores puros, capta la luz y la transmite de manera momentánea. Renoir destaca con Las grandes bañistas.

En España fue decisiva la influencia de Carlos de Haes, pintor belga que se dedicó a enseñar pintura de paisaje en la Escuela de San Fernando, siguiendo la tradición de Barbizon. Destacan Aureliano de Beruete con Vista del Guadarrama, Darío de Regoyos con Viento del sur y Joaquín Sorolla.

Postimpresionismo y Puntillismo

Postimpresionismo

Postimpresionismo: el término se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX, tras el impresionismo. Era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque a menudo exponían juntos Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Gauguin y Cézanne, no se trataba de un movimiento cohesionado. Sus formas más exageradas y el uso del color y las líneas prepararon el terreno para los estilos que seguirían en el siglo XX, como el fauvismo o el cubismo. Ejemplo: La noche estrellada de Van Gogh.

Puntillismo (Neoimpresionismo)

Puntillismo: el Neoimpresionismo fue un movimiento que intentaba renovar el Impresionismo desde dentro. Entre sus características destaca su intento de realizar un "Impresionismo científico", consistente en la separación cromática no por instinto, sino siguiendo los códigos y reglamentos de las leyes de la óptica, según la división científica del color. En sus obras, los pintores neoimpresionistas emplean la técnica del puntillismo, consistente en la aplicación sobre el lienzo de pequeñísimas pinceladas, puntos de color, que se funden entre sí en la retina del espectador. Entre los pintores puntillistas destacan Seurat y Signac. Ejemplo: El baño de Asnières, de Seurat.

Otros Movimientos: Realismo, Rococó y Surrealismo

Rococó

Rococó: el estilo Rococó nació en Francia a principios del siglo XVIII. El término proviene de la palabra francesa rocaille (piedra) y coquille (concha), dada la preferencia por las formas onduladas e irregulares. Se define por el gusto por los colores pasteles, suaves y claros. Predominan las formas naturales y tiene en común con el Barroco el gusto por lo recargado. Es un arte mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, de galanes y aristócratas, así como gusto por lo exótico y oriental. Se reflejan paisajes luminosos y coloridos. No simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Ejemplo: El columpio de Fragonard.

Realismo

Realismo: cuyas principales figuras son Millet (El Ángelus) y Courbet, convierte en protagonistas de la pintura los temas "realistas", en los que, con cierta intención de denuncia social, se refleja la vida cotidiana de campesinos y obreros, tratados siempre sin ningún tipo de idealización.

Surrealismo

Surrealismo: movimiento artístico y literario surgido en Francia en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Breton, siendo la escuela más famosa del periodo entre las dos guerras mundiales. Los pintores surrealistas quieren alcanzar un grado de creación subconsciente, automático y onírico, anulando la consciencia del artista en el momento de crear. Revelan secretos alucinantes y estremecedores del sueño humano mediante imágenes incongruentes y fantasmales; el sueño y el erotismo son sus temas fundamentales. Utilizan recursos como la animación de lo inanimado, las metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatómicos, la representación de máquinas fantásticas, las perspectivas vacías y la evocación del caos. En definitiva, es un arte que exalta el irracionalismo. Ejemplo: La persistencia de la memoria.

Otros Movimientos: Cubismo, Expresionismo y Modernismo

Cubismo

Cubismo: movimiento estético que ocurrió entre 1907 y 1914, teniendo como principales fundadores a Pablo Picasso y Georges Braque. Picasso, en su obra Las señoritas de Avignon (1906-1907), presumiblemente iniciadora del estilo, presentó el espacio de forma pluridimensional, con perspectivas superpuestas e imágenes simultáneas en el tiempo. El Cubismo fue determinante para otras corrientes coetáneas: Constructivismo, Abstraccionismo y Futurismo. Trataba las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo dejaba de tener compromiso con la apariencia real de las cosas.

Picasso creó dos tendencias del cubismo:

• Cubismo analítico: la pintura es monocromática (sin colores, que en ese momento eran considerados un estorbo) y utiliza la multiplicidad de vistas, creando una nueva forma de un objeto real.
• Cubismo sintético: implanta partes de la realidad en el cuadro, creando el collage. Aquí Picasso retoma el color como recurso plástico.

Neoclasicismo

Neoclasicismo: la burguesía ilustrada responde a las ideas del racionalismo enciclopedista inspirándose en los modelos antiguos. El Neoclasicismo, a finales del siglo XVIII y primera parte del XIX, se basa en los conceptos estéticos del arte grecolatino, a cuyos cánones y normas deben someterse los artistas, tanto arquitectos como escultores. En pintura se siguen las directrices de los neoclásicos David (El juramento de los Horacios) e Ingres, con superioridad de la línea, el idealismo y las composiciones estáticas.

Expresionismo

Expresionismo: movimiento artístico de finales del siglo XIX y principios del XX. Van Gogh fue el precursor y Edvard Munch su principal exponente. Pretendían expresar las emociones interiores del artista mediante la deformación violenta, la exageración y la utilización de colores intensos. Más precisamente, el expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses, además de algunas de las obras precubistas de Pablo Picasso. En 1914 fueron también etiquetados como expresionistas el grupo de pintores alemanes de Dresde y Berlín a partir de 1911, y Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), formado en 1912 en Múnich alrededor de un almanaque dirigido por Kandinsky y Marc. Ejemplo: El grito de Munch.

Modernismo

Modernismo: la arquitectura modernista se desarrolló en Europa entre 1890 y 1910, allí donde existía una burguesía enriquecida y refinada que necesitaba un arte más elegante y de mayor calidad que el ofrecido por los historicistas o por los ingenieros del hierro y del cristal. Esto va unido a una revitalización de cierto espíritu romántico que defiende la fantasía creadora, reivindica la subjetividad y recupera la idea de que las artes deben proporcionar goce y placer.

Sus antecedentes más claros se encuentran en el Movimiento Arts and Crafts de William Morris, a partir del cual el Modernismo se convertirá en una tendencia totalizadora que pretende la unificación de todas las artes, integrándolas en la arquitectura. El lenguaje modernista pretende imitar las formas de la naturaleza, con un claro predominio de las formas curvas en plantas y fachadas y una abundante decoración inspirada en seres vivos, desplegada por muros, techos y puertas. Se impuso, además, la llamada construcción "honesta", que permitía vislumbrar vigas y estructuras de hierro combinadas con cristal.

Dentro de la arquitectura modernista existieron dos tendencias:

• Formas sinuosas, ondulantes y orgánicas.
• Formas geométricas y abstractas, precursoras de la futura arquitectura racionalista.

En Francia destaca Héctor Guimard, autor de estaciones de metro realizadas en hierro de forma clara; en España, Antonio Gaudí, con la Iglesia de la Sagrada Familia de Barcelona o La Pedrera. El modernismo geométrico se encontró en Inglaterra y Viena con Wagner y Olbrich, con construcciones volumétricas de formas más rectangulares y ornamentación simplificada.

Arquitectura del Siglo XIX

Neoclasicismo arquitectónico

Estilo que imitaba la antigüedad clásica con una decoración limpia, en el que se diseñan avenidas con ayuntamientos, academias y universidades. Destacan Boullée y Ledoux.

En Francia sobresale la iglesia de Sainte-Geneviève de Soufflot, con un bello pórtico columnario y una bella cúpula inspirada en la de San Pedro de Roma; la iglesia de la Madeleine de París de Vignon, inspirada en la arquitectura romana. En Inglaterra destacará el gusto por las formas griegas, levantándose edificios de gran sobriedad como el Museo Británico de Smirke, el Banco de Inglaterra de Soane y la Galería Nacional de Londres de Wilkins. En Alemania, la Puerta de Brandeburgo de Langhans. En España, Juan de Villanueva.

Historicismos y eclecticismo

Manifestaciones neogóticas consideradas ideales para iglesias, castillos y edificios de gobierno. En París se experimentó un renacimiento del barroco, mientras que en Viena, y en Alemania, se experimentó con arquitecturas neorrománicas y neogóticas, además de neoclásicas. En España se dio un curioso renacimiento del arte mudéjar en la construcción de conventos e iglesias, y en Inglaterra, el neogótico-hindú. Destacan Garnier con la Ópera de París, Barry y Pugin con el Parlamento de Londres, y Waesemann en Alemania con el Ayuntamiento neogótico de Berlín.

La arquitectura del hierro y la Exposición Universal

La arquitectura del hierro y la Exposición Universal introducen nuevos modelos constructivos verdaderamente revolucionarios, que provocarán una ruptura radical con las técnicas constructivas anteriores. Se incorporan nuevos materiales y nuevas técnicas constructivas, como el ladrillo macizo y el hormigón armado. Destacan Henri Labrouste con la Biblioteca Nacional de París, el Crystal Palace de Paxton y la Torre Eiffel de Gustave Eiffel.

La Escuela de Chicago

La Escuela de Chicago surge en EE. UU., situándose a la vanguardia en la aplicación de nuevas tipologías basadas en el funcionalismo, siendo utilitaria y racionalista. Buscaba conseguir una ciudad con edificios cómodos, útiles y seguros, gracias al uso de nuevos materiales, estructuras y sistemas. Destacan el fundador Henry H. Richardson con los almacenes Marshall, de sobriedad volumétrica; Louis Sullivan con el Wainwright Building, de perfecta proporción; y Carson con ventanas apaisadas y bandas horizontales.

Arts and Crafts

El movimiento Arts and Crafts surge en Inglaterra, encabezado por William Morris, que pretende volver a la artesanía, por lo que su arquitectura supone una vuelta a la casa de campo.

Modernismo

Modernismo: se desarrolló en Europa, donde existía una burguesía enriquecida que necesitaba un arte elegante y de calidad. Además de revindicar la subjetividad y recuperar la idea de que las artes deben proporcionar goce y placer, sus antecedentes son William Morris, que pretendía la unificación de todas las artes dentro de la arquitectura. Encontramos el modernismo ondulante, que destaca en Francia con Héctor Guimard, autor de estaciones de metro realizadas en hierro de forma clara; en España, Antonio Gaudí, con la Sagrada Familia o La Pedrera. El modernismo geométrico se encontró en Inglaterra y Viena con Wagner y Olbrich, con construcciones volumétricas de formas más rectangulares y ornamentación simplificada.