La Última Cena de Leonardo da Vinci: composición e iconografía

La Última Cena de Leonardo da Vinci: Iconografía y Composición

Ficha Técnica de la Obra

• Título de la obra: La Última Cena
• Autor: Leonardo da Vinci
• Cronología: 1495-1497
• Estilo: Renacimiento
• Material: Pintura al fresco
• Ubicación: Santa Maria delle Grazie (Milán, Italia)

Iconografía: La Revelación de la Traición

El tema que aquí representa el maestro italiano es el de la Última Cena de Jesús, también conocida como la Santa Cena. En ella, Cristo come por última vez junto a sus discípulos, justo antes de ser detenido.

La escena ya era muy representada en el arte sacro desde los primeros siglos posteriores a la muerte de Jesús. En los siglos XII y XIII, los discípulos, con la única excepción de Judas Iscariote, apenas estaban diferenciados. Además, solían aparecer sedentes en torno a una mesa rectangular.

Todo esto cambia con la obra de Leonardo. El pintor florentino se adentra en el momento posterior al anuncio por parte de Jesucristo de la traición de uno de sus discípulos. Da Vinci individualizará a los apóstoles, que son perfectamente reconocibles, y que comentan entre ellos con actitudes y poses dramáticas. Tampoco aislará a Judas, que queda inmerso en la escena como uno más y no apartado como solía hacerse en representaciones anteriores.

Composición y Estructura Formal

La Geometría Espacial

En cuanto a la composición, Leonardo resuelve la escena con una planificación espacial impactante, marcada por la geometría. Ubica a Jesús como eje central, con una forma piramidal que contrasta con la rectitud de los ventanales del fondo de la estancia. A sus lados se disponen los 12 apóstoles, en grupos de 3 organizados de forma autónoma y con sus propias tensiones entre personajes, aunque siempre pensando en la forma final y conjunta de la escena, que goza de un enorme equilibrio.

Perspectiva, Color y Luz

La Perspectiva Lineal

El espacio en el que transcurre La Última Cena queda organizado a través del uso de la perspectiva lineal, cuyas líneas convergen en el rostro de Cristo. Para lograr este efecto, el artista se ayuda de las paredes y el techo, que fueron realizadas de tal forma que parecen una prolongación de la estancia del refectorio de Santa Maria delle Grazie, donde se ubica el fresco.

El Equilibrio Cromático

El color también está claramente equilibrado. La zona superior la pinta con colores más oscuros, que son intrascendentes y no buscan captar la mirada del espectador. Para los personajes sí usará gamas cromáticas más atractivas, destacando el uso del color rojo en la figura de Jesucristo, que vuelve a ser la gran referencia.

Los Focos de Iluminación

En lo que respecta a la luz, observamos dos focos principales:

• Uno que no apreciamos directamente, pero que se intuye a la izquierda, pues ilumina a todos los personajes y la pared de la derecha.
• Otro al fondo de la escena, que entra por los 3 ventanales, pero que tiene mucha menos vitalidad dentro de la obra.