Surrealismo, Vanguardias y Arte del Siglo XX: Freud, Dalí, Mondrian, Art Déco y Cómic

Surrealismo y psicoanálisis: Sigmund Freud y el método paranoico-crítico de Salvador Dalí

T.5. Relaciona las ideas sobre psicoanálisis de Sigmund Freud y las creaciones surrealistas, especialmente el método paranoico-crítico de Salvador Dalí: El Surrealismo comienza en 1924 en París con el Manifiesto Surrealista de André Breton, quien consideraba que la situación exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad. Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis, la exploración del inconsciente, la fantasía y el pensamiento inter para resolver problemas psicológicos, como método de creación artística. Automatismo puro: cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerce ningún tipo de control, por ejemplo, el subconsciente y los sueños. Freud fue considerado el padre del psicoanálisis. Utilizan recursos como la animación de lo inanimado, elementos incongruentes, máquinas fantásticas, desnudos, el caos, perspectivas vacías y, en lo erótico, descubren realidades oníricas. Se interesaron por el arte primitivo de los niños y los dementes.

Método paranoico-crítico: propuesta elaborada por Salvador Dalí. Dalí encontraba interesante en la paranoia la habilidad que transmite esta al cerebro para percibir enlaces entre objetos que racional o aparentemente no se hallan conectados; por ejemplo, al superponerse una imagen en primer plano con otra en plano más alejado, como la sala Mae West.

Precedentes surrealistas: los Caprichos de Goya, El Bosco y Valdés Leal; las inmediatas deben buscarse en el movimiento Dadá y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica. La pintura de De Chirico fue el principal antecedente.

Características: el surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre, en un mundo absurdo e ilógico donde la razón no puede dominar al subconsciente; tomó de Dadá la importancia del azar y la rebeldía, pero rechazó el carácter negativo y destructivo; se inspira en el inconsciente, la imaginación y el método de escritura automática; su finalidad era transformar la vida a través de la liberación de la mente del hombre de familia, patria, religión y moralidad; adoptó formas diversas en lo literario, la pintura, la escultura, la fotografía y el cine. Existen dos vertientes: el surrealismo abstracto (Masson, Miró, Klee), el automatismo puro (Ernst, Tanguy, Magritte) y Dalí, que se interesa por la vía onírica.

Técnicas y métodos surrealistas: fotografía, cinematografía, fabricación de objetos de Dadá; collage y ensamblaje de objetos incongruentes; frottage; técnica del cadáver exquisito; automatismo; inspiración en el pensamiento oculto y prohibido; interés por el arte primitivo de los niños y los dementes; preferencia por títulos largos, equívocos y misteriosos; decalcomanía; grattage (se desprende pintura seca mediante desgarro).

Obras surrealistas: Jean Arp, Miró…:

Joan Miró

Influencia del fauvismo, Cézanne y Van Gogh; experimenta con la pintura cubista, pero a partir de 1920 opta por el surrealismo automatista y abstracto. Características: color mediterráneo (blanco, rojo, azul, amarillo), infantilismo en sus obras, colores puros y tintas planas que tienden a la abstracción. Destacan El carnaval del Arlequín, Muros cerámicos de Luna y Sol.

Jean Arp

Miembro fundador del movimiento Dadá en Zúrich, su obra apareció también en la primera exposición del grupo surrealista; combina técnicas automáticas y oníricas en una misma obra, desarrollando la iconografía de formas orgánicas. Poesía surrealista; funda la abstracción creacionista, destaca los objetos colocados según las leyes del azar.

Pintura metafísica

Movimiento italiano que surgió del deseo de explorar la vida interior, los objetos cotidianos fuera de su contexto habitual y su solidez separada en el espacio. Su creador y máximo representante fue Giorgio de Chirico, caracterizado por escenas y ambientes irreales poblados de esculturas y elementos clásicos que se combinan con extrañas figuras que parecen maniquíes mitad humanos, mitad mecánicos; con una estricta perspectiva renacentista, precedente del surrealismo. Destacan Héctor y Andrómaca, dos maniquíes en medio de un amplio espacio vacío, que simboliza el amor conyugal y familiar roto por la guerra.

El surrealismo en el cine: Dalí y Buñuel

Describe el surrealismo en el cine, Dalí y Buñuel: proveniente de la poesía y las artes plásticas, mantiene muchos de sus motivos: confusión espacio-temporal; humor negro y cruel; importancia del erotismo; imágenes con nuevo cariz; importancia del fundido y el montaje; muestra del universo onírico. Ideado al margen de toda estética y moral, utilizó la crítica y el escándalo. Sus precedentes están en el amplio movimiento del cine de vanguardia de carácter cubista y Dadá, como Ballet mécanique.

Luis Buñuel: director de cine español, la gran mayoría de su obra se realizó en México o Francia por convicciones políticas y por la dificultad impuesta por la censura franquista para filmar en España. Destacan La edad de oro (sátira surrealista), Las Hurdes (documental de la realidad), Viridiana y Tristana.

Un perro andaluz: cortometraje de 17 minutos, escrito, producido, dirigido e interpretado por Luis Buñuel con colaboración en el guion de Dalí, con presupuesto reducido, nació de la confluencia de dos sueños, transgrediendo los esquemas narrativos canónicos; pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen, con referencias al delirio y al sueño, y no contiene temporalidad lineal.

El expresionismo alemán: El gabinete del doctor Caligari

Comenta las claves de expresionismo alemán: El gabinete del doctor Caligari: el expresionismo es una corriente artística que tiene como fin buscar la expresividad de sentimientos y emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. Características del cine expresionista: surge como reflejo de la derrota en la Primera Guerra Mundial; temática muy diferente, desde lo medieval hasta lo más futurista; ángulos extravagantes, decorados irreales y cráneos a pesadilla; ambientes grotescos donde se distorsiona con elementos de claroscuro y violencia. Principales exponentes: Fritz Lang, Murnau y Robert Wiene.

Características técnicas de la película expresionista:

• Escenografía: decorados pintados sin perspectiva real, lo que da profundidad, sensación de movimiento y vértigo.
• Iluminación: toque particular en la elaboración del claroscuro, acentuando el contraste entre luces y sombras, destacando el exceso de relieve, deformado y el contorno de un objeto.
• Paisaje: natural y de estudio; existía un vínculo específico entre paisaje y seres humanos que provocaba un factor dramático.
• Personajes: aparentan ser misteriosos o siniestros, pudiendo ser inofensivos o malvados, y pueden tener desdoblamiento de personalidad.
• Vestuario: capas y sombreros de copa, manos salientes o crispadas.
• Interpretación: movimientos abruptos y gestos deformados mediante movimientos intensos que superan la realidad.
• Sombras: connotan presagio o destino amenazante.

El gabinete del doctor Caligari: su influencia cumple con todas las características anteriores.

El grupo De Stijl y el neoplasticismo

Explica el concepto de arte del grupo De Stijl: en la misma época en que Tzara escribía el manifiesto Dadá, Mondrian, con Van Doesburg, publicaba el manifiesto De Stijl; querían una renovación total del arte de manera racional, ordenada y simple. De Stijl fue una revista fundada con el objetivo de difundir los principios del neoplasticismo, siendo una de las revistas más importantes de la Entreguerras. Mondrian se separó del grupo porque no quería que la línea inclinada entrase en el movimiento, ya que para él era un movimiento desestabilizador.

Características de De Stijl y el neoplasticismo: renovación estética y configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando lo superfluo hasta que prevalece lo elemental; depuración de las formas hasta llegar a componer los fundamentos: líneas, planos, cubos; planteamiento racionalista; estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas, rectángulos de diversa proporción, verticales, horizontales o formando ángulos rectos; creación de ritmos asimétricos con gran sentido del equilibrio logrado por compensación de formas y colores, nunca recurriendo a la simetría; colores planos, saturados, primarios o tonales; empleo de fondos claros.

Analiza obras en arquitectura, Piet Mondrian, Theo van Doesburg, Gerrit Thomas Rietveld:

Piet Mondrian: pintor vanguardista neerlandés, de De Stijl, fundador del neoplasticismo; abstracción geométrica inspirada en el cubismo, líneas rectas negras y gruesas, formas y planos rectangulares, colores primarios aplicados sin gradación de tono; buscó variaciones a sus estructuras inclinando rectángulos (ej. Broadway Boogie Woogie) y Composición en amarillo, rojo, azul y negro, regida por una estricta geometría de planos regulares, sin influencia de la luz, con tonalidad continua y saturada.

Theo van Doesburg: su obra empezaría con un proceso de abstracción y geometrización; organizó cursos en la Bauhaus sobre el nuevo estilo. Entabló amistad con los constructivistas, que tenían objetivos comunes: proponer la reconstrucción material y espiritual del mundo, contribuir a modificar la enseñanza y una actitud basada en el artesanado, la estética de la máquina y la producción en masa.

Neoplasticismo en arquitectura y diseño: se basa en lo geométrico, construcciones ligeras, económicas y de concepto abierto; no hay simetría ni repetición, pero sí equilibrio.

Gerrit Rietveld: mejor arquitecto de De Stijl; durante los primeros años de su vida se dedicó al diseño de muebles, como la Silla Roja y Azul, que encaja con el principio del neoplasticismo. También realizó la Casa Schröder, situada en las afueras, organizada de forma práctica y abierta.

Ballet Ruso

Ballet ruso: los Ballets Rusos fueron una célebre compañía de ballet creada por Serguéi Diáguilev con los mejores integrantes, dirigidos por Marius Petipa; se unió Vaslav Nijinski, uno de los bailarines más dotados de la historia, que creó ballets memorables y controvertidos que provocaron tumultos en el teatro. Serguéi apostó por la renovación del lenguaje visual, tanto en la coreografía como en la escenografía y el lenguaje musical; artistas de vanguardia como Matisse, Picasso, Juan Gris, De Chirico o Chanel participaron en el diseño de vestuario y escenografía. Picasso colaboró como escenógrafo y en el vestuario de Parade o El sombrero de tres picos. Matisse trabajó en vestuario y escenografía con influencia fauvista y cubista y elementos del folclore ruso.

T.6 Art Déco

Explica la evolución del arte basado en la naturaleza al arte geométrico: origen del Art Déco: movimiento de diseño popular a partir de 1920 que influyó en las artes decorativas como la arquitectura, el diseño de interiores, el gráfico, el industrial, y también en las artes visuales como la moda, la pintura, el grabado, la escultura y el cine; era casi puramente decorativo, por lo que se considera estilo burgués.

Características: inspiración en el Antiguo Egipto; líneas duras y solidez, al contrario del Art Nouveau, de líneas curvas y delicadas; líneas aerodinámicas, iluminación eléctrica, rascacielos, uso de la simetría, geometrización de formas como trapecios y facetamientos; estilo burgués, eclecticismo aunque posee identidad propia; deja entrever la noción futurista; gira en torno al progreso, elegante, funcional, modernista; reacción contra la Primera Guerra Mundial, opulencia y exagerado escapismo a la realidad; amalgama de estilos y movimientos del siglo XX, inspirados en vanguardias como el cubismo, el futurismo y el Art Nouveau; materiales: aluminio, acero inoxidable, piel de tiburón y cobra; uso tipográfico en negrilla y sans serif; patrones de ornamento para moda, arquitectura, etc.

Diferencias entre Art Nouveau y Art Déco: el primero, línea curva y delicada, temática natural; el segundo, solidez y geometría.

Compara escultura: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi:

Pablo Gargallo: escultor y pintor español innovador del siglo XX; se le considera cubista, pero posee energía expresionista; esculpe al vacío y el volumen con placas de metal, creando objetos tridimensionales. Destaca El profeta.

Constantin Brancusi: de origen rumano, del siglo XX; ha influido en nuevos conceptos de la forma de escultura; evolucionó hacia un estilo geométrico, con eliminación de detalles, proponiendo una realidad distinta; inspirado en el arte prehistórico y africano, muestra desnudos mediante simplificación extrema de la forma. Destacan El pájaro en el espacio, El beso y La columna del infinito.

Comenta la obra pictórica de Tamara de Lempicka: primera artista mujer en ser estrella glamour, influenciada por el cubismo; retratista de la alta burguesía y aristocracia, se centra en retratos femeninos y desnudos de ambos sexos; mujeres etéreas con ropas flotantes y dedos largos; impresión férrea y escultural por pincelada pulida con marcados contrastes de luces y sombras; influencia principal de Botticelli, Bronzino, el retrato manierista y el cubismo. Representa temas actuales con ropajes y peinados de última moda. Destacan: Autorretrato de Tamara Lempicka, El hombre incompleto, Mujer con vestido verde, Andrómeda, Tamara en Bugatti verde, Adán y Eva.

Compara la tipología de joyas Déco con otras épocas: la Primera Guerra Mundial supuso una ruptura en el diseño joyero; cambió el papel de la mujer en la sociedad por la necesidad de que las mujeres ocuparan puestos de trabajo; gusto por el lujo decadente; la moda femenina adoptó un estilo masculino y estilizado, los pantalones símbolo de la mujer liberada durante el día; por la noche, vestidos provocativos, faldas más cortas, peinados a lo garçonne.

La joyería Art Déco se caracteriza por: diseño geométrico, diversas combinaciones de color y motivos abstractos; influencia del arte maya; piedras preciosas como rubíes, esmeraldas y zafiros; metal preferido: platino; destacan broches, anillos, guantes, bolsos, estolas de pelo, zapatos de tacón, joyas versátiles, muchas capas de perlas. Cartier: destacan cinturones, brazaletes y broches.

Coco Chanel: las mujeres liberadas se enfrentan a la norma establecida; Gabrielle Coco Chanel elevó el estilo de las clases populares a chic y convirtió a sus clientas, princesas y duquesas, en secretarias con falsas perlas, vestidos sencillos y jerseys de lana, prendas y materiales hasta entonces destinados a mozos de cuadras, asistentas y clases trabajadoras. Sacó el punto a la calle, que en aquella época solo se usaba en ropa interior femenina, e impuso el pantalón, reservado exclusivamente a hombres y obreras de países atrasados. Ella usaba trajes y ropas masculinas y llevaba cuello y corbata. Destacan el Petit robe noir (Little black dress) y el traje de tweed.

T.7 La Gran Depresión

Compara obras de fotógrafos artistas comprometidos socialmente con la fotografía estética de Cecil Beaton:

Autores de documentos sociales:

Dorothea Lange: fotografió la Gran Depresión; sus fotografías humanistas muestran las terribles consecuencias de la Gran Depresión, con retratos de pobres, marginados, campesinos, familias desplazadas e inmigrantes.

Lewis Hine: retrató a obreros en su dignidad y en las pésimas condiciones de trabajo, fotografiando niños en máquinas y mujeres en condiciones deplorables; destaca el proyecto documental sobre la construcción del Empire State Building.

Walker Evans: su trabajo está relacionado con la crisis económica del 29; Evans encuentra belleza en objetos banales y cotidianos; en Alabama destaca New Orleans Downtown.

Autor de moda:

Cecil Beaton: creó su propio estudio, trabajó para Vogue y para la revista Vanity Fair, fotografió amigos ricos, famosos, millonarios y modelos. Características: extravagancia, ropas caras, joyas; estrellas de cine, millonarios; gran nivel económico; fotografía estética; decorados con luz de estudio. Denuncia social: a la sociedad, bajo nivel económico, niños, trabajadores, campesinos, calles, campo, etc.

Walt Disney: productor, guionista, director y animador estadounidense, considerado icono internacional gracias a sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento.

Aportaciones: interacción de actores reales con dibujos animados (ej. Alice Comedies); sincronización de imagen y sonido en animación (ej. Steamboat Willie); Technicolor (ej. Flowers and Trees); primer largometraje animado (ej. Blancanieves); sonido estereofónico (ej. Fantasía); innovación en el uso de la xerografía (ej. 101 dálmatas); animación por ordenador (ej. Toy Story); cámara multiplano, utilizada para conseguir profundidad y mayor calidad en la animación; Caps (ej. La sirenita).

Análisis del cómic europeo: la obra de Hergé: Las aventuras de Tintín es una de las series europeas de historieta más influyentes del siglo XX, creada por Georges Remi con un estilo gráfico propio. En la serie, junto a Tintín, un reportero joven de edad indeterminada viaja por el mundo con su perro Milú; hay personajes secundarios que han alcanzado tanta o más fama que el protagonista; las aventuras están ambientadas en escenarios reales de los cinco continentes y en lugares imaginarios de Hergé.

Características: delimitación de figuras mediante línea continua y depurada; ausencia de tonos intermedios, manchas de negro y efectos de sombra y luz; aplicación del efecto máscara a personajes caricaturescos en un entorno realista; narrativa clásica, aunque con montaje de viñetas más libre.

Explica el nacimiento de los superhéroes:

Según su origen: no humano; natural; experimento científico; obtención de tecnología avanzada o artefactos místicos; traumas.

Capacidades: superpoderes; tecnología por delante de su época; poderes místicos; conocimiento de artes marciales, científicos, etc.; habilidad atlética; gran inteligencia.

Lucha desinteresada en defensa de los inocentes: generosidad, sacrificio, autocontrol, piedad; se convierten en santos modernos.

Características: perfección anatómica; identidad secreta; uniforme generalmente ajustado; galería de villanos.

Superman: creado por Joe Shuster; originalmente villano creado por un científico loco, pero se convierte en un superhombre de otro planeta que hace el bien; éxito instantáneo; posee poderes extraordinarios: superfuerza, invulnerabilidad, supervelocidad, poderes de visión, superoído, superaliento.

Batman: creado por Bob Kane, serie de cómics de DC Comics; un mes después aparece Robin, el chico maravilla. El Caballero de la Noche no tiene superpoderes; usa sus conocimientos científicos, habilidades detectivescas, gran destreza física; no utiliza armas de fuego por su pasado.

Capitán América: creado por Jack Kirby, superpatriota soldado de EE. UU.; Steve Rogers fue inoculado con el suero del supersoldado desarrollado por el profesor Reinstein para ganar la guerra para Estados Unidos, lo que aumenta su físico y mejora los tejidos cerebrales hasta alcanzar una estatura e inteligencia sorprendentes. El suero lo hace inmune a gases venenosos y enfermedades de todo tipo, y permite recuperar a mayor velocidad las heridas; además de sus habilidades de combate, tiene gran destreza con su escudo. Debutó en 1941.