Sociedad ilustrada

3-EXPRESIONISMO ABSTRACTO. JACKSON POLLOCK

“El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y Surrealismo. De éste, toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista.
La época de mayor auge de este movimiento coincide con el momento en que el arte americano logra alcanzar su propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno determina e influye de manera decisiva en el nacimiento de esta nueva corriente. En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos grandes vías: la gestual o pintura de acción (action painting) y la pintura de superficie-color (color fiel-painting). En la pintura de acción encontramos artistas como Pollock, de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann.
Estos artistas conciben la creación pictórica como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La pintura de superficie-color centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de grandes dimensiones.
Mark Rothko, Clifford Still y Barnett Newman aparecen vinculados a esta vía.”La figura más representante de esta corriente artística es Jackson Pollock.

Pollock hizo del action painting una manera de expresión libre, rompiendo con el típico arte de usar lápiz, de usar sólo el pincel para retocar y pintar de forma perfecta. Él nos hace ver por medio de sus obras esa libertad de expresar esa emoción de caos, de desorden, de una mezcla de muchas inquietudes.
Jackson Pollock nacíó el 28 de Enero de 1912, en el estado de Wyoming y estudió en la Art Students League de Nueva York junto a Thomas Hart Bent. En sus primeros años de creación resaltaba el estilo naturalista y la representación de típicas escenas estadounidenses de forma realista. En 1936 vive su primer experimento pictórico en el taller del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros en Nueva York, donde aprende a usar la bomba de aire y el aerógrafo como herramientas, así como pigmentos sintéticos industriales. Influido por el Surrealismo, el artista adopta un estilo más libre y abstracto y en 1943 logra exponer su primera muestra en la galería Art of this Century de la Gran Manzana. A partir de 1947 la obra de Pollock evoluciona hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre enormes lienzos sin tensar en el piso. Para 1949 el trabajo de Pollock está en su máximo apogeo e incluso cuenta con el mecenazgo de Peggy Guggenheim. Por aquellos años Peggy ayudaba al gobierno norteamericano a posicionar a Nueva York como el nuevo centro artístico del mundo, destronando a París. Para cumplir con ese plan, los Estados Unidos necesitaba de artistas novedosos; y Pollock les vino como anillo al dedo. El artista decide entonces numerar sus obras en vez de ponerles un título descriptivo.Un año después Pollock transforma su estilo una vez más, al retomar la figuración en blanco y negro dentro de un estilo muy virtuosista.

4-ARTE POP

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte. El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica. La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo. El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de ambigüedad. El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética de los vulgares artículos de consumo.Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

Richard Hamilton

Es uno de los pioneros del Pop Art británico y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?, ha sido considerado la primera obra del Arte Pop.Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo, al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Roy Lichtenstein

Lo más carácterístico son sus composiciones salidas directamente de las viñetas de los cómics, que son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.
Tom Wesselmann se interesa por el tema de la sensualidad y la mujer como reclamo publicitario y como objeto de consumo.Elige las partes más sensuales del cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. Y las mezcla con objetos cotidianos. Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales y recrea espacios habituales de la burguésía americana.En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage. En Bañera Collage núm. 1 ilustra una atmósfera de frío erotismo reivindicando su valor como objeto de consumo más que como icono de deseo. Resalta la toalla de en medio, el rollo de papel higiénico y la tapa del retrete levantada.
Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y trasladándolas al dominio del arte. Describíó así la deshumanización que practican los modernos medios de comunicación de masas.
Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de tomate, en icono de la cultura pop.Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy Onassis, Elizabeth Taylor o (Marilyn Monroe, (serigrafía basada en un original fotográfico de su rostro.))

El Arte Pop en España

España recibíó igualmente las influencias pop, aunque no se puede hablar de que hubiera un movimiento unitario. Adquiríó un mayor peso la temática erótica y el tono político, teniendo como marco de referencia la represión que sufría el país.Algunos de los principales artistas son Eduardo Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo, con su fascinación por las nuevas autopistas españolas que refleja en su serie de Autopistas.
Destaca el Equipo Crónica formado en Valencia en 1963 por Rafael Solbes, Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo.
Las primeras obras revelan una notable influencia del Pop estadounidense, sobre todo por la utilización de imágenes procedentes de los medios de comunicación y la utilización de tintas planas. Una de las imágenes más emblemáticas fue la del ratón Mickey repetida en una larga serie de viñeta interrumpida.

¡América, América!

Incorporan también imágenes muy conocidas para sociedad española como el periódico Marca o los cigarrillos Ideales.
En la serie La recuperación integraron figuras de la pintura española del Siglo de Oro en un medio cotidiano actual como el de una olla express o el de la informática.

Lucían FREUD

Después de haberse iniciado en el Surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos.A partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impasto). Los colores son a menudo neutros.Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo.Y parece que posar para él es algo natural. Al hacerlo la gente se olvida del pudor, y de forma simple pone a su disposición todo lo que tiene. Con ropa o sin ella, ha pintado a las personas que ha tenido cerca, sus padres, sus mujeres, sus hijos, sus amigos del Soho y el East End londinenses, otros artistas.Realiza un estudio psicológico de sus personajes, por lo que en sus retratos no busca el parecido sino el reflejo de lo que representan e intenta encontrar la esencia de su personalidad.Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un Realismo crudo y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones se acercan a lo sórdido. En sus retratos no busca el parecido, sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta encontrar la esencia de su personalidad Nacíó el 8 de Diciembre de 1922 en Berlín. Nieto de Sigmund Freud.Cuando contaba 11 años emigró a Inglaterra junto a su familia huyendo de la inmediata barbarie nacional socialista. En 1939 adquiere la nacionalidad británica.
La voz del artista"Para mí la persona es la pintura". Esto ha considerado Freud, quien ha sido conocido especialmente por sus emblemáticos retratos y desnudos. Es un artista que, al igual que Rembrandt, tiene varios autorretratos, como: "Reflejo con dos niños" (1965) -los niños son dos de sus hijos: Rose y Ali-, "Interior con espejo de mano" (1967) y "Pintor trabajando, reflejo" (1993), una pintura que cuando se puso a repasarla dijo "resultó que era mi padre".Ante todo, Freud valora el estudio psicológico, por lo que en sus retratos no busca el parecido sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta encontrar la esencia de su personalidad.

De 1938 a 1943 cursó estudios de arte en Londres y en Dedham.Su formación, en un clima de entreguerras, lo llevó a utilizar su pintura como instrumento de reflexión sobre la enajenación del hombre contemporáneo. Durante la Segunda Guerra Mundial volvíó a Berlín, y ahí pudo contemplar las obras de los artistas de la Neue Sachlichkeit, como Otto Dix o Christian ShadDe 1949 a 1954 es profesor visitante en la Slade School of Fine Art en Londres.Su primera exposición colectiva se produjo en 1944, pero la maduración de su estilo y el comienzo de su proyección pública no se produjo hasta una década después, a partir de 1951.En su primera etapa experimentó dentro del Surrealismo aunque encontró su estilo en obras de Realismo muy detallado como en el cuadro Interior en Paddington (1951, Galería de Arte Walker, Liverpool). Sus últimos trabajos, se caracterizan por un mayor contraste de color. En los años 50 del Siglo XX cambió su forma de trabajar -sustituyó sus finos pinceles por otros más gruesos y empezó a pintar de pie frente al caballete, en lugar de hacerlo sentado-, y en 1966 hizo su primer desnudo, Mujer desnuda, una disección casi forense del cuerpo humano.Es famoso por sus dibujos de desnudos: mujeres gruesas que muestran un desparramo de sus miembros, hombres que descubren sus genitales. También las figuras que dibuja llevan su sello, aparecen con venas hinchadas y deformes. L. Freud describe e inmortaliza en sus dibujos la degradación del cuerpo y su decadencia.Además de numerosos autorretratos, Freud pintó a conocidos y a miembros de su familia, como su madre o sus hijas Bella y Esther, y excepcionalmente a famosos como la reina Isabel II o la modelo Kate Moss.Considerado como uno de los artistas más representativos de su generación y uno de los más brillantes representantes de la llamada Escuela de Londres, un grupo informal que aglutinó a un conjunto de artistas de primer rango, surgidos tras la II Guerra Mundial, entre los que se contaron figuras como Francis Bacón o Frank Auerbach.Con fama de mujeriego, tuvo trece hijos de diferentes mujeres, algunos de los cuales retrató.Lucían Freud fallecíó el 20 de Julio de 2011 en su casa de Londres.

NUEVA FIGURACIÓN EN EL Siglo XX: FRANCIS Bacón

La Nueva Figuración se posiciona contra la pintura abstracta de los años 40-50′ y recupera la imagen y determinadas tradiciones del gesto. Se le llama “neo-figurativo” y utiliza la técnica del informalismo. Son tendencias expresivas que llevan a transformar la realidad.A estos artistas de la nueva figuración los enclavamos aquí porque el artista refleja en sus obras la realidad que le rodea tal como es, aunque sea cruda, y ubica a la figura en contextos desgarradores y dramáticos, basándose en una libertad expresiva. Con esta libertad expresiva dan a la figura humana un sentido de vitalidad, de autenticidad… porque la saca de sus propios límites.La nueva figuración empieza en la Exposición de 1961 llamada “Nueva Exposición”Francis Bacón(Dublín, 1909 - Madrid, 1992)
Pintor inglés de origen irlandés, figura destacada de la denominada Nueva Figuración, tendencia que se desarrolla a lo largo de los años sesenta, tras el agotamiento del informalismo. En el panorama del arte de la posguerra, el expresionismo figurativo de Bacón ocupa un lugar aparte, difícilmente relacionable con algunas de las distintas tendencias artísticas que recorren estos años. Toda la trayectoria pictórica de Bacón se caracteriza por una profunda independencia, que hace de su pintura un referente inconfundible del arte europeo de la segunda mitad del Siglo XX. Bacón, además, influyó en gran medida en los artistas del movimiento Pop inglés.Tras una infancia marcada por la soledad y la enfermedad, Bacón pasó su juventud en su Irlanda natal. En 1925 se establece luego en Londres, donde trabaja como decorador. Se interesa en seguida por la pintura, sobre todo tras sus estancias, en los años veinte, en Berlín y París, donde junto a los expresionistas (Otto Dix, Max Beckmann), queda impresionado por la obra de Picasso, lo que debe valorarse si se considera la formación autodidacta de Bacón.Bacón elige la figura humana como motivo central de sus cuadros, y la somete a deformaciones y alteraciones hasta un nivel no conocido con anterioridad en la historia del expresionismo. Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.La forma en que Bacón retrató al cuerpo humano se origina en el trauma que le ocasiónó la guerra y las consecuencias psicológicas de esta, además de su propia interioridad: fue expulsado de su casa a los 16 años al manifestar su homosexualidad y tendía fuertemente hacia la autodestrucción. En 1933 hace Crucifixión. Es una obra extraña porque está inspirada en una crucifixión de Picasso. En el año 1934 participa con obras de este tipo en la exposición individual y tuvo poco éxito porque no fue entendido.

Ya sea en sus retratos, como en sus autorretratos o en composiciones más complejas, los cuerpos mutilados, los órganos atrofiados y todo tipo de anomalías anatómicas dan como resultado una imagen del horror que se inserta en un espacio indefinido, de fondos monocromáticos, que comunica una sensación de aislamiento y claustrofobia.La forma en que Bacón retrató al cuerpo humano se origina en el trauma que le ocasiónó la guerra y las consecuencias psicológicas de esta, además de su propia interioridad: fue expulsado de su casa a los 16 años al manifestar su homosexualidad y tendía fuertemente hacia la autodestrucción. En 1933 hace Crucifixión. Es una obra extraña porque está inspirada en una crucifixión de Picasso. En el año 1934 participa con obras de este tipo en la exposición individual y tuvo poco éxito porque no fue entendido. Después empieza a pintar menos hasta que en el 1936 participa en la exposición surrealista internacional. Sus primeros éxitos datan de 1944, cuando realiza el tríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión, considerada una de las obras clave de la pintura contemporánea. Justamente nace con esta obra su predilección por el tríptico, formato que le dio un sello personal y donde se acerca al motivo desde distintos ángulos pero siempre manteniendo la unidad de la obra, generando una sensación de ambigüedad sobre el objeto, en especial en los retratos.Es un artista independiente respecto a las normas establecidas en lo que es lo pictórico. Su obra se relaciona mucho con la literatura contemporánea. Esto le une con Kafka.Aplicaba el contenido fuerte que a él le traumatizaba en sus obras. El arte que propone es hacer que el espectador participe como un voyeur.Su pintura es un acto furioso y muestra lo más animal, lo más bajo del hombre y por ello también está cerca de la realidad cruda, de ir hacia lo más bajo. Por tanto la obra de Bacón se ceba en el horror, en la violencia, esa violencia que hace de los seres humanos una deforme masa (deformación moral es lo que plasma). La obra de Bacón va a tener una herencia del Surrealismo, pero del más intelectual, del más crudo, pero también del expresionismo tortuoso.Con Figuras en el Jardín participó en la exposición surrealista internacional, que tampoco gustó. La figura como robótica extraña, un espacio claustrofóbico, y luego un perro… la figura robótica no la veían como particularmente surrealista.Bacón está como en su propio mundo, su propio universo, algo que va a subrayar cuando entre en el Grupo de Jóvenes Británicos, donde empezará a hacer trípticos. Ejemplo del año 1944 es Figuras para la base de una crucifixión, que es un estudio, con ambiente claustrofóbico. Son bioformas terroríficas, pero con un colorido maravilloso. Está entre el Surrealismo y el expresionismo. Se inspira mucho en la imagen de un cordero abierto, como se puede ver en Estudio de figura humana. Él siempre habló de que usaba mucho como apoyo la fotografía, para captar el movimiento. 

La obra de Bacón va a tener una herencia del Surrealismo, pero del más intelectual, del más crudo, pero también del expresionismo tortuoso.Con Figuras en el Jardín participó en la exposición surrealista internacional, que tampoco gustó. La figura como robótica extraña, un espacio claustrofóbico, y luego un perro… la figura robótica no la veían como particularmente surrealista.Bacón está como en su propio mundo, su propio universo, algo que va a subrayar cuando entre en el Grupo de Jóvenes Británicos, donde empezará a hacer trípticos. Ejemplo del año 1944 es Figuras para la base de una crucifixión, que es un estudio, con ambiente claustrofóbico. Son bioformas terroríficas, pero con un colorido maravilloso. Está entre el Surrealismo y el expresionismo. Se inspira mucho en la imagen de un cordero abierto, como se puede ver en Estudio de figura humana. Él siempre habló de que usaba mucho como apoyo la fotografía, para captar el movimiento. Otro ejemplo de su obra es Papa, donde aparece un personaje desfigurado, con unas pequeñas líneas que hacen suponer una estructura de cristal donde está encerrado el vacío, y dentro un hombre que representa un proceso de descomposición. Está basada en la obra de Inocencio X de Velázquez.Usaba mucho las fotografías de Muybridge que se dedicó a estudiar personas y animales en movimiento. Los escorzos de las fotografías serán los que veamos luego en Bacón. Los personajes de Bacón son personajes desfigurados dentro de una especie de urna de cristal transparente, es como una arquitectura ligera y nos da la sensación de que está congelado el vacío.Su vida es muy dispar, teniendo episodios de todo tipo: desde su educación rígida y estricta hasta llegar al extremo contrario.Otra obra suya es estudio de la cabeza de Josh Greyer. Este hombre era su amante y se suicidó, y desde entonces tuvo un gran cargo de conciencia. Es una figura deformada.En 1967 hace Tríptico de Lucían Freud y es uno de los cuadros que ha alcanzado más cotización. Está dentro de ese cubo de cristal claustrofóbico deformándose. Lucían Freud retratará también a Bacón.Hará un autorretrato en 1971. A partir de este autorretrato hacer trípticos en memoria de su amante Josh. Ejemplo de ello es Tríptico in memoriam, usando gamas de malvas, rosados y verdeshomenaje a Josh,

Ecología y Arte

Arte ambiental (Environmental art, en inglés) o arte ecológico es una expresión que se usa en dos sentidos diferentes.

El término puede usarse de forma genérica en referencia a un arte que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural, mediante distintas estrategias:-suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza: lo que incluye fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros-obras y arte propio de un lugar-investigando fenómenos naturales: incluye ilustración científica así como prácticas artísticas interdisciplinares.-usando materiales naturales reunidos en el exterior :como ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es llamado Arte de la naturaleza.-no contribuyendo a la degradación medioambiental:lo que incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables o reciclados; la «Eco escultura», que está sensiblemente integrada en un hábitat natural.

El término también se usa de forma más específica para referirse a una obra de arte de grandes dimensiones que utiliza el entorno natural; habitualmente con respeto al medio ambiente, pero que también puede relacionarse con otros aspectos del medio ambiente, tales como el contexto formal, político, histórico o social.

Historia:

El arte ambiental o ecológico como movimiento artístico comienza a finales de los años 1970 En sus primeras fases se relaciónó sobre todo con la escultura - especialmente con el «arte para un lugar específico» (Specific-site art), el Land Art y el Arte povera -
Habiendo crecido como una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en desacuerdo con el medio ambiente natural.El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar materiales y de las consecuencias de la actividad artística en el medio ambiente.

Por ejemplo, a pesar de su mérito estético, la celebrada escultura del artista land art Robert Smithson Spiral Jetty (1969) implicó un daño permanente considerable al paisaje en el que trabajó. El paisaje se convirtió en una forma de campo de residuos, y Smithson usó un bulldozer para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago. El arte se convertía entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente.Otros artistas land art han sido también objeto de crítica, como el escultor europeo Christo cuando envolvíó temporalmente la costa de Little Bay, al sur de Sídney, Australia, en 1969. Los ecologistas locales protestaron argumentando que la obra era ecológicamente irresponsable y afectaba al medio ambiente local de manera negativa, especialmente a los pájaros que tenían nidos en los acantilados envueltos. Las quejas subieron de tono cuando varios pingüinos y una foca quedaron atrapados bajo la tela y tuvo que cortarse. Los comentarios de los ecologistas atrajeron la atención internacional que llevó a que los artistas contemporáneos replantearse este tipo de prácticas.
El escultor británico Andy Goldsworthy realiza su trabajo en los bosques construyendo sus esculturas con materiales del entorno, estos materiales se degradan de forma que dejan el paisaje en el que han actuado sin daño alguno, y en algunos casos han hecho, en el proceso artístico, vuelto a cubrir de vegetación con flora autóctona adecuada tierras que habían resultado dañadas por el uso humano. De esta forma, la obra de arte suscita una sensibilidad hacia el hábitat.Pionero de la intervención en el paisaje, César Manrique tuvo sus mayores logros en un tratamiento de carácter arquitectónico y conservacionista del territorio, en la isla de Lanzarote. En los años 70 algunos artistas conceptuales realizaron acciones en escenarios naturales: unos, como Nacho Criado, propusieron su propio cuerpo como elemento en interacción con el medio.

 Fernando Casás, Eva Lootz, Mitsuo Miura y, sobre todo, Adolfo Schlosser.
En los últimos años, los artistas con más peso, coherencia y constancia en este ámbito han sido Perejaume, que reflexiona sobre el lugar y su representación desde puntos de vista múltiple (históricoartístico, pictórico, lingüístico), incluyendo la intervención en el paisaje, y Miguel Ángel Blanco, cuya Biblioteca del Bosque, conjunto de más de mil "libros-caja", es uno de los más ambiciosos proyectos de relación vital y artística con el medio natural.Otro de los ejemplos españoles se llama Petrolart, corriente y técnica en la que se utiliza petróleo reciclado que el artista Jimmy Pons (Menorca 1965) recoge de las costas. El petróleo es recogido en galletas sólidas y una vez reciclado se utiliza como material principal para sus creaciones

ARQUITECTURA ESTRELLADesde los 70 y 80 los arquitectos estrella fueron contratados, de manera muy parecida a los “top-designers” de la moda, en la producción y el consumo de una demanda intensificada de arquitectura como “capital simbólico”. Su capacidad de crear un estilo auténtico satisfacía al mercado debido dotaba de distinción en un entorno crecientemente basado en el valor competitivo de los símbolos.Este énfasis arquitectura de iconos alejó a la profesión de la innovación estructural y el compromiso social y la acercó a las estrategias del marketing”.Uno de los requisitos para ser un verdadero arquitecto estrella es la recogida del Premio Pritzker, inaugurado en 1982 y confusamente definido como premio otorgado a “arquitectos vivos cuyo trabajo demuestra la combinación de las cualidades como talento, visión y compromiso, que han producido consistentes y significativas contribuciones a la humanidad y al entorno construido a través del arte de la arquitectura”.

Carácterísticas de la arquitectura estrella

1- Se trata de arquitecturas iconográficas, reconocibles, en algunos casos escultóricas, y portadoras de valor añadido a través del diseño y la forma. Arquetipos marketing que generan una imagen identificadora, novedosa y simbólica de una ciudad o de una marca.
2-Sus presupuestos son elevados, dado que sus clientes suelen ser individuos o entidades con alto poder de inversión: Ayuntamientos enfrascados en grandes proyectos urbanos, grandes marcas o, simplemente, individuos adinerados. No se trata de edificios “comprometidos” y rara vez van unidos a movimientos sociales o demandas ciudadanas. Dado que en sí mismos generan un alto valor añadido, pueden alcanzar inversiones elevadas.3-El objetivo principal de este tipo de edificio (y por el cual sus clientes lo demandan) se aleja en la mayor parte de las ocasiones de la mejora social o la experimentación. Puestos al servicio de la mejora económica a través de la rama de la representatividad de la arquitectura, se consideran más exitosos cuanto mayor es la repercusión medíática y el “capital simbólico” generados.
4-Las innovaciones que plantean van dirigidas a resultados de gran espectacularidad o belleza.
Como producto de consumo basado en la imagen, en la mayor parte de los casos, buscan la diferenciación más que la innovación como experimentación o investigación.

5-Son objetos descontextualizados, globalizados y globalizadores

La posesión de uno de estos ejemplares sirve para situarla a nivel global; No suelen recoger en su estructura, materiales, funcionamiento o construcción elementos o usos autóctonos del lugar en el que se implantan.
6 -Deben estar construidas por un miembro del Star System  arquitectos reconocidos internacionalmente, con una forma de hacer propia y, salvo raras excepciones, de alta calidad.

En España la apertura del Museo Guggenheim diseñado por Frank Gehry obró milagros en Bilbao. Gracias a este prodigio de la arquitectura icónica, la ciudad voló de la grisura posindustrial a los brillos de la economía terciaria.

Alcaldes y presidentes autonómicos de toda España vieron en el ejemplo bilbaíno la llave de su futuro. Un edificio espectacular con firma de postín –Calatrava, Hadid, Herzog & De Meuron, Foster, Eisenman...– les parecíó garantía de visibilidad global, imán de turistas y estímulo para la economía local. Valencia, Zaragoza, Madrid, Barcelona o Santiago experimentaron este frenesí. Contrataron a los astros del firmamento arquitectónico internacional, descuidando la proporción entre la necesidad y el precio de las monumentales obras que les encargaron.

ARQUITECTURA ESTRELLA... DE LA PROPAGANDA

Dirigentes totalitarios emplean proyectistas de fama para erigir símbolos de supuesta apertura.Hace unos años, Rem Koolhaas declaró estar convencido de que su sede para la televisión China en Pekín, un enorme rascacielos espectacularmente fotogénico, contribuiría a llevar el progreso y la democracia a China. No se le ocurríó pensar que si ya tenían el símbolo puede que no necesitaran el cambio. Por esas fechas, Norman Foster concluía en Astaná, la actual capital de Kazajistán, su primera gran aportación al urbanismo de esa ciudad: la inmensa pirámide del Palacio de la Paz y la Reconciliación. Más allá de Nursultán Nazarbáyev —el presidente kazajo que, en 1997, hizo coincidir la fundación de esa nueva urbe con el día de su cumpleaños—, Foster es el gran protagonista de la operación urbanística que quiere transformar un antiguo pueblo de la estepa en la primera capital del siglo XXI. El último ejemplo de cómo la mejor arquitectura está sirviendo a regíMenes totalitarios para enviar un mensaje de progreso adquiere las formas curvas del nuevo edificio firmado por Zaha Hadid: el Centro Cultural Heydar Aliyev. Levantado en Bakú (Azerbaiyán), quiere contribuir a la modernización y, por tanto, democratización, de la antigua república soviética. Pero evidentemente no lo tiene fácil.

El arquitecto FRANK GEHRY (Toronto, 1929)El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que nacíó a finales de los 80 y que se caracteriza por seguir un diseño no lineal, distorsionando la estructura de los edificios para transmitir una sensación visual de desorden controladoConsiderado uno de los más destacados representantes de la corriente desconstructivista de Estados Unidos, Frank Ghery nacíó en Toronto (Canadá) el 28 de Febrero de 1929, y desde los 15 años reside en Los Ángeles (EE.UU.), por lo que se nacionalizó estadounidense. Trabajó en Los Ángeles y a principios de los 60 realizó una estancia en París, donde estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos que le influyeron en sus primeros trabajos.Utilizando siempre materiales atípicos e innovadores, creó entre 1969 y 1982 dos líneas de mobiliario de cartón; de 1972 es "Easy Edges", colección de muebles de cartón ondulado prensado y entre 1979 y 1982 diseñó "Experimental Edges". A mediados de los ochenta Ghery trabaja en las lámparas Pez y Serpiente, realizadas en Colorcore, un tipo laminado de plástico traslúcido y a comienzos de los noventa diseñó su colección de mobiliario Bent Wood (1989-1992), basada en el método para entretejer las tiras de las cestas.En arquitectura comenzó también en los años 70 a experimentar con la yuxtaposición de materiales bastos en inusuales composiciones geométricas.Una arquitectura visual, la de Gehry, que enfrenta a detractores y apasionados aunque a ambos les gusta lo que ha hecho el arquitecto canadiense. Sus obras arquitectónicas son puro arte, esculturas suele llamarlas él mismo. Aunque el secreto de su éxito pasa por que sus esculturas son plenamente funcionales.Frank Gehry es autor de edificios llamados a perpetuarse y capaces de regenerar una ciudad como ocurríó con el Museo Guggenheim de Bilbao. Otros edificios similares como la Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles han dejado una huella imborrable.En 1989 fue galardonado con el Premio Pritzker, el más importante del mundo de la arquitectura. Quizá en una época en la que la arquitectura puramente visual estaba más en boga. A pesar del paso del tiempo, la arquitectura de Gehry sigue gozando de gran éxito de crítica.Museo Guggenheim. Bilbao La obra que le dio fama mundial. El museo fue inaugurado el 18 de Octubre de 1997 y se destaca por las formas curvilíneas en forma de barco varado en la ría, que están recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio.

SANTIAGO CALATRAVA (1951)

es un arquitecto, ingeniero civil y escultor español. Se le considera un arquitecto especializado en grandes estructuras. Posee influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antoni Gaudí, y las arquitecturas gótica y romana.Estación de Ferrocarril del Aeropuerto de Lyon llamada Estación de Lyon-Saint-Exupéry TGV. Dos años después creó su tercer despacho, esta vez en Valencia, donde trabajaba en un proyecto de grandes dimensiones, la Ciudad de las Artes y de las Ciencias.En 1992, Calatrava firma la torre de comunicaciones de Montjuic (Barcelona) y uno de los puentes de la Exposición Universal de Sevilla, el Puente del Alamillo, que une la capital hispalense y la vecina localidad de Camas. En el año 2003 concluyó el edificio del Auditorio de Tenerife en la ciudad de Santa Cruz de Tenerife,Siendo uno de los arquitectos más innovadores de la modernidad, Santiago Calatrava se inspira en formas naturales y humanas, fundíéndolas con sus materiales cuidadosamente seleccionados para crear armónía estética. Su estilo es único y simbólico, reconocible en todo el mundo por la sensación de movimiento que consigue infundir a objetos estacionarios.Calatrava hace que sus estructuras arquitectónicas sean tan interesantes al aplicar su conocimiento innato de la ingeniería para usar la estructura técnica de su creación como base para el diseño. Piensa en líneas serpenteantes, austeros materiales blancos y un uso puro del cristal y la luz.El hecho de que gran parte de su trabajo esté centrado en el agua, como la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia o sus múltiples puentes, añade una nueva dimensión a su trabajo. Los reflejos del edificio sirven para aportar una cualidad enigmática a cada pieza.La obra de Santiago Calatrava está inspirada por las cosas de su entorno, imágenes y acontecimientos fugaces. La Galería del BCE Place en Toronto, Canadá (1987-1992) evoca la sensación de estar cubierto por palmeras, pues las altas columnas blancas llegan hasta el techo y se abren como hojas. Las palmeras se unen unas cono otras y forman una cúpula de una modernidad fabulosa.El vuelo suave y amplio de un ave elegante inspiró la espectacular extensión del Museo de Arte de Milwaukee (1994-2001), cuyas inmensas alas se abren y se cierran con el museo. Una estructura de inspiración aviar es también la base de uno de los proyectos actuales de Calatrava - el Museo de Fotografía de Catar será un diseño grácil que se abre o se cierra dependiendo de la cantidad de luz natural.Santiago Calatrava también es el responsable de la nueva terminal permanente del World Trade Center en Nueva York, actualmente en construcción. Este sofisticado diseño llevará el carácterístico acero blanco del arquitecto y representa un pájaro volando de la mano de un niño.

NORMAN FOSTER (Mánchester, 1 de Junio de 1935) es un arquitecto británico. Ha sido galardonado con el premio Pritzker en 1999 y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2009.Los proyectos iniciales de Foster se caracterizan por un estilo "High-tech" muy pronunciado. El término no fue acuñado por él sino por Buchanan en 1983, con motivo de la presentación de la fábrica Renault de Norman Foster. La idea de esta tendencia es la de solucionar distintos problemas arquitectónicos mediante los medios tecnológicos más sofisticados. Esta arquitectura sólo resulta adecuada en edificios de grandes dimensiones y elevados presupuestos.Más adelante las líneas de sus edificios se suavizan y desaparece en buena parte ese carácter técnico llevado al extremo. En todo caso, los proyectos de Foster y sus socios llevan un marcado sello industrial, en el sentido de que emplean en los edificios elementos que se repiten multitud de veces, por lo que son fabricados en lugares alejados de la obra. Frecuentemente se diseñan componentes para un edificio ex profeso, reflejando con ello un estilo de buena manufactura.Norman Foster ha revolucionado el cómo entendemos la arquitectura. Es una persona que entiende que los lugares donde vivimos y trabajamos tienen una gran influencia sobre las personas, que los edificios tienen mucho que ver con el medio ambiente y que los espacios urbanos son determinantes en nuestra calidad de vida. A través de sus proyectos podemos entender que hay aspectos cruciales en el Siglo XXI (como la sostenibilidad, las comunicaciones, la salud y el desarrollo de las ciudades) que pueden hacerse mejor y que para ello el Arte de la Arquitectura, en sus expresiones más inteligentes, es esencial. Foster ha convertido la creación de edificios en obras de arte. Además, es una persona que entiende que los lugares donde vivimos y trabajamos tienen una gran influencia sobre las personas, que los edificios tienen mucho que ver con el medio ambiente y que los espacios urbanos son determinantes en nuestra calidad de vida. Con una mente privilegiada, autor de grandes iconos de la arquitectura, Foster ha convertido la creación de edificios en obras de arte. Sus equipos trasladan sus oficinas al lugar del proyecto, implicándose en cada paso y cada detalle, cuidando de la ciudad como un escultor de la piedra. De alcance universal, su obra conjuga calidad estética y la reflexión intelectual, prestando especial atención al diálogo entre territorio y ciudadanía. Ha reconocido la importancia del diseño como un catalizador en la mejora de la calidad de vida y lo pone al servicio de la libertad social e individual. El entorno influye sobre los seres vivos, es un axioma común en la biología. Los diseños de Foster destacan por aprovechar al máximo el uso de la tecnología en busca de la mayor eficiencia energética, la excelente integración en el entorno, la creación de un ambiente amable para el usuario y la usabilidad de sus instalaciones

ZAHA HADID nacíó en Bagdad el 31 de Octubre de 1950-2016 ha ganado numerosos premios internacionales de arquitectura,

Fue capaz de llevar el diseño de sus dibujos a la realidad, ampliando de este modo las posibilidades formales y estructurales de la arquitectura. Logró convertir sus dibujos y fantasías en edificios y abrir nuevos caminos, defendiendo así el proceso creativo a través del dibujo.

Hadid diseñó una colección de mobiliario urbano, compuesta de cuatro elementos. El primero es el Banco Serac, un banco para exteriores, casi una escultura urbana, inspirado en un bloque de hielo repleto de las grietas de los glaciares. El banco está hecho en una resina especial mezclada con cuarzo natural, rígido y resistente que, además, refracta la luz para contrastar la pieza. Esta colección fue presentada en Fuorisalone 2013, la semana del Diseño de Milán.

Tratando de romper los límites de la arquitectura hablaba de convertir los edificios en paisaje y de repensar los límites físicos de las construcciones.

Pero lo que representa universalmente a Zaha Hadid es su impactante obra arquitectónica. Pese a que su obra se encuentra enmarcada dentro de la corriente del deconstructivismo, ha recibido influencias de otras corrientes artísticas como el minimalismo y el Cubismo. Sus obras se caracterizan por un diseño de tipo no lineal, completamente dominado por la curva con el que pretende dotar a las ciudades de realidades utópicas en las escenas urbanas. Hadid realizó una gran cantidad de obras en un corto plazo de tiempo por el boom de los starchitects (arquitectos estrella) en la década de los 2000, más conocido como el efecto Bilbao, así como por la burbuja inmobiliaria China

-Descripción: qué es (arquitectura, escultura, pintura,…

, lugar donde se encuentra (en una plaza, en un frontón,…), estado de conservación. Se puede indicar el nombre de la obra y autor. Esta parte es muy breve, un párrafo con varias líneas solamente.

-Aspectos materiales y técnicos:

 de qué está hecha esta obra de arte (mármol, madera, bronce,…) y cómo se ha elaborado (pintura al fresco, con andamiaje de madera, con soldadura, hormigón,…). Esta parte debe ser extensa sólo si la obra comentada se localiza en el periodo en el que se inventa dicha técnica: la pintura al óleo con los pintores flamencos, la pintura al aire libre con los impresionistas, la construcción de piedra en las pirámides egipcias, la técnica de las vidrieras en el Gótico, el fresco en el Trecento… No tiene demasiado sentido extenderse en la técnica del óleo hablando sobre una pintura de David, por ejemplo.

-Análisis formal

 Descripción pormenorizada de todos los elementos observados y, en segundo lugar, también de los que no vemos, pero sabemos que están ahí y son importantes (en una fachada, nos extendemos sobre esta, pero sin renunciar a nombrarlos aspectos formales más destacados del interior). En arquitectura: elementos sustentantes, elementos sostenidos y elementos ornamentales. En escultura y pintura idealismo-Realismo, formas esquemáticas-detalladas, composición abierta, cerrada, simétrica,… Es fundamental utilizar un lenguaje técnico apropiado a dicho análisis.

-Comentario o explicación de todo lo anterior, basándonos en la época, y lugar, en la que surge dicha obra. Explicamos el tema en escultura y pintura. No consiste en colocar aquí la realidad económica, social, etc. De la época como un añadido aparte; sino de unir las formas analizadas con dicha realidad (el tamaño de las pirámides con el poder del faraón, las catedrales góticas con el fervor religioso y con el renacer urbano, las pinturas negras de Goya con la guerra y la miseria de España en esa época, la torre Eiffel con la Revolución Industrial,…). En este sentido, este apartado a veces se desarrolla al mismo tiempo que se va haciendo el anterior. Se debe situar la obra estudiada dentro de la obra del autor, comparándola con otras anteriores o posteriores si son de diferente estilo; tambiéndentro del estilo general al que pertenece, comparándola, si es necesario, con otros artistas de dicho estilo.

-Por último, y dependiendo de la relevancia de este apartado para cada obra, se puede terminar haciendo referencia a las posibles restauraciones o modificaciones que haya sufrido la obra y su situación actual.