El Romanticismo en la pintura europea

EL CAMINANTE SOBRE EL MAR DE NUBES. 1818. FRIEDRICH. ROMANTICISMO ALEMÁN.

Obra poética del estilo Sturm und Drang, autorretrato donde el autor siente las fuerzas de la naturaleza. En otras obras expresó este sentimiento como en acantilados blancos en Rugen o el mar de hielo. La figura vuelta de espaldas recuerda a las obras de René Magnte donde el punto de fuga coincide con la cabeza del espectador tomando un sentido simbólico. Expresó la idea del romanticismo dando importancia a los sentimientos y al liberalismo como símbolo de libertad. De sus obras destaca dos hombres contemplando la luna y sus variaciones que fue la más reproducida en este periodo y permaneció como un icono del romántico.

Saturno devorando a un hijo. 1819/1823. Goya. Romanticismo.

Las pinturas negras atribuidas a Goya por el Prado fueron realizadas en los años previos de su exilio a Burdeos. Son una serie de 14 murales al óleo sobre pared revocada en yeso, halladas en dos plantas de la finca del sordo donde se retiró para alejarse de la corte y su hijo. Estos óleos probablemente pintados sobre otras pinturas fueron arrancados de las paredes y trasladados a lienzo. Al no poder usar el blanco por su intoxicación al plomo, usó principalmente el negro. Con más de 70 años realizó estos murales basados en la serie de grabados los caprichos y los desastres de la guerra, con un tono irónico y siniestro. No hay relación temática entre las obras, aunque parece que en la parte inferior están relacionadas con la comida, mientras que en la superior se basan en el contraste de elementos. Cuando se separaron de los muros fueron expuestas en la exposición universal de París en 1878 y actualmente se encuentran en el Prado. Se produjeron restauraciones y retoques que hicieron dudar de su autoría, figurando como un hito artístico que logró la libertad expresiva del romanticismo e influencia a Rubens.

LA libertad guiando al pueblo. 1830. Delacroix. Romanticismo francés.

Lo describió casi al mismo tiempo en el que suceden las barricadas de París en 1830 para protestar contra la monarquía absoluta de Carlos 10 que había suprimido el parlamento y la libertad de prensa. La obra fue adquirida por el estado y devuelta a su autor por sus críticas que la dejaron 10 años sin exponer. Tiene una composición que recuerda al barroco de esplendor del periodo neoclásico, teniendo atributos de una obra romántica como la pincelada suelta y expresiva, el ansia de libertad y la representación de sucesos actuales como en la balsa de la medusa. Manifiesta una admiración por la expresión de los personajes de Miguel Ángel en terribilità, y en el color se aprecia el tratamiento de los pintores de las escuelas venecianas, sobre todo de Rubens por su vitalidad y profusión decorativa.

LA FAMILIA DE CARLOS 4. 1800. GOYA. NEOCLASICISMO.

Cuando fue nombrado pintor de cámara de la corte por Carlos 4 en 1800, inició el encargo de realizar el retrato colectivo de la familia real. Se esperaba una pintura rococó como la de Felipe 5, pero realizó algo parecido a Las Meninas. Realizó un detallado estudio de cada personaje sin gustarle el resultado. Velázquez expresó un momento en la intimidad de la familia de forma dinámica, pero él hizo un retrato oficial. En sus años de formación tuvo un estilo evolucionado del barroco al rococó hasta las normas neoclasicistas tratando temas clásicos y religiosos adaptados al academicismo. Cuando viajó a Italia como pintor de tapices, su pintura era rococó pintoresca con escenas populares y de la nobleza. Tuvo una vida al margen de lo institucional donde inició la serie de grabados, los caprichos. En los inicios de la guerra de independencia española fue llamado por el general Palafox para documentar Zaragoza, donde las escenas que bocetó le inspiraron para la serie de grabados que estuvieron más de 50 años sin poder publicarse por su extrema crueldad. Realizó retratos de ambos bandos de la contienda: la restauración de la monarquía absoluta, el trienio de libertad y las pinturas negras. Y con más de 60 años recibió encargos de retratos, pintura religiosa, tauromaquia, murales de pinturas en la quinta del sordo…

EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS. 1799. GOYA. PRERROMANTICISMO.

Grabado 43/80 de la serie de los caprichos, realizados en aguafuerte, aguatinta y punta seca. Recogió de manera satírica las costumbres de la España de aquella época. Diferenció sus obras oficiales neoclásicas y del rococó de las personales que lo sitúan como precedente del romanticismo en Europa, casi en el mismo tiempo que en Inglaterra autores como William Blake o Fuseli crearon la poética de lo sublime y en Alemania la de Sturm und Drang. Se inspiró de autores del realismo como Daumier y Manet. Reformó la confianza ilustrada en la razón y desterró la ignorancia, las supersticiones y los errores para conseguir la felicidad humana. Y plasmó en imágenes críticas su visión de la realidad española resaltando la incompetencia de los grupos profesionales y políticos, los vicios y los defectos de la sociedad.

AUTORETRATO. 1886/1890. VAN GOGH. POSTIMPRESIONISMO.

Su carrera se redujo en 10 años con más de 900 obras, destacando 30 autorretratos. Destacó su evolución en los 3 retratos que hizo a Peter Tanguy cuando estuvo dos años en París: el primero sombrío, el segundo de tendencia japonesa y el tercero con influencia impresionista. Se inspiró del impresionismo en los años que estuvo en París y añadió diferencias en la idea inicial de Monet. Fue influenciado por Gauguin, que expresó un color subjetivo, Seurat, que inició un impresionismo científico con el puntillismo, y de Toulouse-Lautrec, que apreció la pintura natural igual que Degas.

LOS JUGADORES DE NAIPES. 1890/1895. CÉZANNE. POSTIMPRESIONISMO.

Pertenece a una serie de obras iniciadas en 1890 en Suiza durante su periodo de madurez, en el que realizó una síntesis de escena, redujo el número de personajes en la composición y simplificó el color y las formas. Lo expuso en 1874 junto al grupo de impresionistas en el estudio de Nadar. Experimentó nuevas formas de pintar y de visión de formas, volúmenes y perspectivas, que inspiraron el inicio de las vanguardias con el cubismo. Su primera exposición individual fue en 1895 a los 56 años. Tras su muerte en 1907, su retrospectiva motivó a Braque y Picasso en sus inicios de cubismo.

EL ALMUERZO SOBRE HIERBA. 1862. MANET. PREIMPRESIONISMO.

Exigió que se realizara una exposición en el salón de los rechazados en 1863, siendo criticada por el tema y el acabado de las formas casi planas distanciadas de las exigencias de las academias francesas. Su obra contó con el apoyo del grupo de los rechazados por las academias. Fue versionada por Monet y Picasso. Esta se aleja de los temas grandilocuentes de los pintores de Pompeya. Tuvo de referencias a obras como el juicio de París de Rafael y el concierto campestre de Tiziano. Y su negación por las pautas de perspectiva tradicional y su composición a modo de collage influyeron a Cézanne y el cubismo posterior desarrollado por Picasso y Braque.

EL PENSADOR. 1884. RODIN. IMPRESIONISMO.

Escultura en bronce ideada para el conjunto escultórico de la puerta del infierno. Fue realizada en 1880/1917 con la colaboración de Camille Claudel. Presentó distintas figuras inspiradas en la comedia de Dante Alighieri, Las flores del mal de Baudelaire y el libro Metamorfosis de Ovidio. Tenía la majestuosidad de una escultura de Miguel Ángel, pero con un acabado no academicista. Esta fue encargada por el museo de artes decorativas de París, pero fue cancelada y permaneció 37 años en su taller. Impulsó un cambio en las sensaciones y emociones y superó los cánones y proporciones con acabados donde se apreciaba la huella artística. Tuvo influencia de Miguel Ángel en el tratamiento anatómico de la musculatura y los volúmenes sobredimensionados. Fue considerado el mayor renovador de la escuela contemporánea por su tratamiento de la materia y su gusto por las formas redondeadas de influencia de la escuela modernista de principios del siglo 20.

NENUFARES. 1920/2926. MONET. IMPRESIONISMO.

Serie de 250 obras aproximadamente de los últimos años de su vida. Son representaciones del jardín en Giverny que diseñó con un estanque oriental, un puente y nenúfares. Fue el artista más representativo del grupo de impresionistas por su divisionismo del color basado en la teoría del color de carácter científico, una pincelada suelta donde predominaban los tonos azulados en las sombras; el tema del paisaje al aire libre como único motivo y la plasmación de los diferentes momentos del día, la noche y las estaciones. Y sus últimas obras coincidieron con el inicio de las vanguardias.

LA SAGRADA FAMILIA. 1812. GAUDÍ. MODERNISMO

El modernismo se desarrolló a finales del siglo 19 y a principio del siglo 20. La exposición universal de París fue un hito inspirado en la naturaleza que fue el primer estilo internacional del diseño con particularidades y nombres diferentes en cada país. Fue un estilo caro, detallista y poco asequible. Se inició en Bélgica con la obra de Víctor Horta y tuvo dos vertientes: una donde abundaron los motivos vegetales y las curvas, y otra de formas rectangulares. En España destacó Gaudí como obras como el Parque Güell, la casa Milá y la Sagrada Familia, donde trabajó la mayor parte de su carrera profesional, especialmente en los últimos años de su vida, donde culminó su estilo naturalista. Trabajó con maquetas, prototipos de diseño y planos detallados. Logró una perfecta armonía en la interacción de elementos estructurales y ornamentales en plástica y la estética; la función y la forma; y el continente y el contenido logrando la integración de todas las artes. Se único con un estilo neogótico con una planta de cruz latina y tres fachadas dedicadas al nacimiento, pasión y gloria de Jesús. Se quedó inconclusa y la parte que él realizó fue reformada por Unesco en 2005 y en 2010 se acabó de cubrir el interior del.

LAS MUSAS INQUIETANTES. 1916. CHIRICO. PRESURREALISMO ABSTRACTO.

Aprendió del cubismo por su amistad con Apollinaire y Picasso en París y de las vanguardias en Italia. El futurismo propuso un nuevo movimiento artístico que devolvió la forma disuelta expresando las formas fuera de contexto y buscando una expresión más allá del mundo físico, con una pintura metafísica que recreaba una realidad inquietante con representaciones fantásticas y espacios que descubrían lo oculto e imprevisible del pensamiento humano. En la obra las musas son representadas por sus atributos y con forma de maniquí, al fondo en forma de estatua inerte se encuentra Apolo, edificios rodean la escena y todo queda revalorizado con potentes sombras que dan paso a los objetos.

Los artistas de este movimiento intentaron reproducir la sensación de movimiento, dinamismo, cambio y transformación inventando el simultaneísmo que consistía en repetir las imágenes de forma superpuesta con colores vivos y variados. Destacaron Umberto Boccioni, Giacomo Balla y Carlo Carrà.

BAÑISTA A ORILLAS DEL MAR. 1930. PICASSO. SURREALISMO

Tras su período de cubismo sintético retomó un estilo más realista que recuerda a la época helenística con figuras robustas y sin temas trascendentales. Siguió los movimientos futuristas y dadaístas sin entrar en ellos. André Bretón le mencionó en su libro y tras su ruptura con Olga empezó a crear su propio surrealismo. Las figuras de sus periodos clásicos se mezclaron con el cubismo sintético, el surrealismo y nuevas formas expresionistas casi escultóricas. El tema de esta obra fue frecuente en sus obras. En 1932 tuvo un proyecto de grandes esculturas a Orillas del Mediterráneo del que planteó soluciones en diversos cuadros no realizados. Y durante este periodo construyó figuras con volúmenes rotundos donde las formas se mezclaban con el fondo o entre sí.

PERSISTENCIA DE LA MEMORIA. 1931. DALÍ. SURREALISMO

Es un cuadro de 33 cm de ancho realizado a óleo y expuesto por primera vez en París. En 1954 realizó una segunda versión, Desintegración de la persistencia de la memoria, inspirado en las teorías de la física nuclear donde muestra una serie de cubos alineados. Como Odilon Redon, se inspiró en la ciencia para realizar sus obras. En ella hace referencia a la teoría de la relatividad donde el tiempo y el espacio están relacionados. Pertenece a las vanguardias del surrealismo iniciado por André Bretón en 1924. Usó el método paranoicocrítico en sus obras, que consistía en obtener razonamientos lógicos e imágenes a partir de formas complejas y casuales tratando de reflotar la parte inconsciente, como sugería el surrealismo que valoraba los sueños y el psicoanálisis de Freud. Y el paisaje onírico y fantasmagórico tiene su principal referente en Chirico, y la temática en las teorías freudianas.

MURAL DEL PALACIO DE CONGRESOS DE MADRID. 1970. MIRÓ. SURREALISMO ABSTRACTO.

Después de experimentar con el postimpresionismo, cubismo y fauvismo, viajó a París donde conoció a Picasso y al grupo surrealista de 1920. Buscó un estilo propio culminado en un estilo detallista en La Masía y empezó un nuevo estilo pintando los detalles del modelo en forma de signos como en Tierra labrada. Sus obras fueron expuestas en la segunda exposición de París en 1925 y en otra colectiva con otros surrealistas como Chirico, Max Ernst, Man Ray… Estas tuvieron gran éxito y colaboró con ellos hasta que el grupo se disolvió. Su estilo más abstracto e ingenuo lo incorporó a grandes esculturas y murales cerámicos. Y en 1904 él y Josep L. Artigas colaboraron en múltiples murales como los murales de Sol y Luna de Unesco y buscaron soluciones estéticas con el uso de esmaltes y azar en la cocción de piezas.

LA MUJER DE LA RAHA VERDE. 1905. MATISSE. FAUVISMO.

Los fauvistas fueron influidos por el postimpresionismo especialmente por Signac que motivo su obra principal, lujo, calma y voluptuosidad. En el salón de 1905 su obra y otras fueron comparadas con fauces salvajes que dio nombre al estilo. Pinto obras similares como mujer con sombrero, y más tarde de gran formato con formas sencillas y un color subjetivo como Gaugin. En sus obras la perspectiva y el espacio compositivo están subordinados a su expresividad con libertad en el colorido siendo este vivo y estridente para expresar emociones y sentimientos. Uso líneas de color complicado en amplias zonas de color plano sin aplicar claroscuro para modelar los volúmenes. Considero el tema secundario interesándose por todos los temas especialmente las composición es de figuras con motivos decorativos. Destacaron Matisse, Mauricca de Vlaminck y André Detain. Su obra es un proceso de ciertos planteamientos del simbolismo del que introdujo la noimitación aprendida de Gustave Moreau, y del postimpresionismo del que recogió algunas innovaciones como el uso de empastes gruesos y la técnica divisiónista. 

6.LAS SEÑORITAS DE AVIGNON. 1907. PICASSO. PROTOCUBISMO

En París en el museo etnografico tuvieron gran éxito las exposiciones de arte africano y ibero, con estas influencias pinto el retrato de Gertrude Stein. En 1907 se expuso en París una retrospectiva de Cézanne que fue decisiva para su evolución en la geometrizacion y la presentación de múltiples puntos de vista. Realizó más de 800 bocetos y tras varios meses colgó este óleo en su estudio en Bateau Lavoir, que fue motivo de burla. Este se asemeja a un cristal roto con formas angulares donde no hay espacio ilusorio que forme la perspectiva y el claroscuro. Conoció a Braque y juntos empezaron el desarrollo de la primera vanguardia de arte contemporáneo, el cubismo. La obra no s expuso hasta diez amos después debido a su contrato con la galería Kahnweiler que le coincidió la exclusividad y la prohibición d exponer en exposiciones colectivas. Y el título y el tema de la obra hacen referencia a un prostíbulo de la calle Duñon de Barcelona. 

8. LA BOTELLA DE ANÍS. 1914. JUAN GRIS. CUBISMO SINTETICO

En 1906 después de trabajar como ilustrador en Madrid marcho a París de adjunto en el Bateau Lavoir de Montmatre donde se alojó con otros artistas que boceteaban el cubismo como Picasso, Fernand Léger y Braque. En 1910 inició sus pinturas de influencia cubista y en 1912 presentó en el salón des Independents sus primeros trabajos, realizando un contrato con Henry Kahnweiler. En 1913 trabajó la técnica del collage con recortes de cartón y papel influenciado por Braque, y de este año es su obra, realizada a como un guiño a la cultura española. Influyó a artistas como Ramón Casas, Picasso, Diego Rivera…  En 1915 mezclo bodejones con paisaje y más tarde simplifico y a plano las formas de sus cuadros, en 1921 redondeo las formas  y en 1927 murió de bronquitis. 

9. EL PROFETA. 1933. PABLO GARGATTO. CUBISMO

Se trata de una escultura de 2,35 m con grandes volúmenes vacíos de chapa de acero forjado. Tuvo 2 vertientes estilísticas: el realismo y simbolismo de finales del siglo y las vanguardias y cubismo que mantuvo durante toda su carrera. En las vanguardias experimento con la desintegración del espacio, el vacío, las formas y los materiales. Influido por Julio Gonzales desarrollo un estilo de escultura basado en la creación de objetos tridimensionales de placas planas de metal, papel y cartón. Realizó esculturas tradicionales en bronce, mármol… De sus obras se encuentran piezas inspiradas en Greta Garbo como masque de Greta garbo aux lils,, o urano. Fue su obra más conocida y la culminación de su concepto cubista de escultura de hueco expresionista que conectaba con el tema.Siguio los pasos del cubismo pictórico de Picasso superponiendo los diferentes planos de la figura para crear formas subjetivas. Destacó por su proximidad a la figura con principios expresionistas y presencias de arte primitivo como hizo Brancusi,  su iconografia derivada de las representaciones barrocas de San Juan bautista de Velazquez, Caravaggio y El Españoleto, y la introducción del vacío como elemento volumetric presente en esculturas de Henry Moore. 

10. LA VIDA. 1903. PICASSO. PERIODO AZUL SIMBOLISMO

En su periodo azul no logro destacar entre la modernidad parisina y busco un nuevo estilo en sus obras anteriores. El suicido de Casagemas le inspiró en su cuadro cambiando así su tendencia pictórica. El realismo de sus obras lo presentó en este periodo y el periodo rosa. La obra tiene una temática simbolista que recuerda a la obra de Pulis Dechavanne. Y los protagonistas son personajes marginales como los de Toulose Lautrer. Destacan de este periodo el guitarrista ciego y la celestina con gamas de tonos azules fríos que acentúan su melancolía. 

11. FAMILIA DE SALTINBANQUIS. 1905. PICASSO. PERIODO ROSA SIMBOLISMO. 

Reconstruyó su arte y busco referencias en su periodo anterior para crear un nuevo periodo. Le sirvieron de inspiración el greco, la comedia italiana, watteau… en obras más alegres y con importancia de la linea. La pobreza de su vida en París fue recompensada por las relaciones con las vanguardias parisinas donde destacó Matisse que realizó sus obras en otros materiales como papel, pastel, tinta… 

12. CASA STEINER. 1910. ADOLF LOOS. MODERNISMO PROTORACIONALISTA

El período modernista tuvo particularidades y nombres en cada país, con dos tendencias: una con curvas y elementos decorativos  vegetales y otro más funcional y rectangular. Inicio la desornamentazion radical inspirada en la escuela de Chicago y la ruptura con el historicismo. En 1908 publicó ornamento y delito donde cuestiono los excesos decorativos de la arquitectura y diseño, ha que según el la arquitectura sólo debía de ser aplicada en los monumentos y el resto de ideologías debían de ser funcionales. Construyó edificios donde la forma iba unida a la función como la casa Loos en Viena o la casa de Tristan Tzarra. La casa fue construida en París como encargo para el estudio de Lylly Stein donde realizo un juego geométrico con terrazas escalonadas, la fachada a medio nivel y una decoración con árboles y vegetación. Fue un referente en la arquitectura moderna y las corrientes de los años 30 y 30. Y sus obras tenían 3 conceptos arquitectónicos basados en sus estudios y observaciones: arquitectura de planta espacial, teoría de aterrizamiento y teoría de revestimiento. 

16. LA. CASA DE LA CASCADA. 1936. FRANK LLOYD WRIGHT. ARQUITECTURA ORGÁNICA. 

La residencia Kautmam es una vivienda construida sobre una cascada en el río Bear Run de Pensilvania. Guarda una relación con el entorno de respeto y adaptación al medio. Su admiración hacia la cultura japonesa fue clave para su inspiración de diseño en la mayoría de sus obras. Fue discípulo de arquitectos de la escuela de Chicago y tuvo influencia de las vanguardias europeas en la forma compositiva y espacial. Utilizo la máquina y la técnica para hacerla verosímil con la naturaleza buscando un equilibrio antiurbano que permitiese aprovechar el desarrollo tecnológico en la naturaleza. Basó su diseño en la chimenea como lugar d e reunión familiar donde los cimientos de las rocas sobrepasan el ancho de la primera planta asomándose a esta lo que trae la cascada a su interior. 

17. CAPILLA DE RONCHAMP. 1950. LE CORBUSIER. ARQUITECTURA MODERNA. 

Fue un gran arquitecto y pintor que veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura. Es conocido por su definicion de vivienda como máquina para hábitar funcional y metafísica, y por que el objetivo de la arquitectura fuese generar belleza. En 1926 presentó un documento donde expuso sistemáticamente sus ideas arquitectónicas aprovechando las nuevas tecnologías y el uso del hormigón armado. Ideó el modulos, siestema de medidas basado en las proporciones humanas para las medias de arquitectura, retomando así el ideal antiguo de establecer una relación entre las proporciones y el hombre. Fue unos de los precursores del brutalismo y sus trabajos fueron de influencia para las corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectonica y en diferentes enfoques regionales.