Representantes de la música programática

Enviado por Programa Chuletas y clasificado en Música

Escrito el en español con un tamaño de 9,27 KB

 

1.- ¿Qué elementos musicales de la música orquestal constituyen novedades del Romanticismo?

Durante el Romanticismo continúan cultivándose las formas instrumentales clásicas: sinfonía y concierto. Los compositores se van liberando de los esquemas formales clásicos y explotando con gran efectividad la riqueza tímbrica de la orquesta (se potencia la familia de viento metal y la de percusión ampliándose el número de integrantes). Además, el virtuosismo de los intérpretes queda establecido como signo de genialidad.

La búsqueda de formas libres y abiertas más adecuadas a la necesidad de expresión ROMántica dará lugar al desarrollo de la música programática. La utilización de la música como un lenguaje descriptivo no es una novedad, pero sí se plantea ahora una ampliación de los modelos artísticos (héroes, mitos, personajes históricos, personajes literarios, pinturas), sobre los que se escribe la música.

La sinfonía programática que en lugar de basarse en una estructura formal, se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento. El creador de este género es el compositor Héctor Berlioz con su obra Sinfonía Fantástica en la que narra su amor no correspondido.

El Poema sinfónico es una composición orquestal en un solo movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es Liszt.

La trayectoria sinfónica en el Siglo XIX discurre por dos corrientes paralelas que parten de Beethoven. Una, más conservadora, parte de la 8ª sinfonía de Beethoven y se encuentra más a gusto dentro de las estructuras, desarrollos armónicos y orquestación heredados del Clasicismo, con mayor tendencia hacia la música absoluta y pura, tal es el caso de Mendelssohn y Brahms. La otra corriente, más innovadora, parte de la 6ª y 9ª sinfonías de Beethoven y se siente impulsada por ideas literarias o extramusicales. En esta línea se inserta la música programática de Berlioz, Liszt, Schumann, etc.

Las pequeñas formas son otra faceta de la expresión ROMántica, opuesta a los alardes instrumentales de la música sinfónica y de los grandes conciertos. Es una música de salón, compuesta para el disfrute en veladas íntimas. Las principales son: el lied y las piezas para piano.

Término alemán que significa canción de corta extensión escrita para voz y piano sobre un texto poético, de estilo íntimo y con una plena compenetración de la música con el texto. La forma más generalizada es el lied ternario (A B A), en el que la primera y la última estrofa tienen la misma melodía.

Entre los compositores más destacados figura Schubert con lieder de influencia de la música popular, compuso más de 600
. Schumann con lieder de carácter más culto, se diferencian de los de Schubert en la forma de entender la melodía, en el acompañamiento y en su preocupación por el sentimiento y Hugo Wolf compuso lieder influenciado por Wagner, en el que el texto es la parte más importante, se sintió atraído por la música italiana y española y les dedica dos ciclos de canciones.

 Su graduable y potente sonoridad, así como el abanico tímbrico y el calor de sus ejecuciones abrirán la puerta a las posibilidades expresivas de la apasionada alma ROMántica que hacen de este predilecto instrumento el más apto para las evocaciones íntimas y del concierto, capaz de oponerse a toda una orquesta. La posibilidad de realizar matices dinámicos y sus enormes posibilidades sonoras permiten expresar desde el más íntimo sentimentalismo a la más grandiosa exaltación.

8.- Diferencias musicales entre Chopin y Liszt

Mientras que el Romanticismo de Chopin es íntimo y poético, el de Liszt es brillante y espectacular. Chopin escribíó casi exclusivamente para piano. Su producción musical la realizó en pequeñas formas (nocturnos, polonesas, valses, estudios) y compuso dos conciertos para piano y orquesta. Liszt compuso también para orquesta. Fue un pianista con unas facultades tan extraordinarias que se le considera más virtuoso que compositor.

9.- Principales representantes del bel canto italiano

Rossini es la figura que representa la transición de la ópera   clásica a la ROMántica. Su obra El barbero de Sevilla compuesta en 1816, fue la ópera más representada y aclamada durante todo el Siglo XIX.

Donizetti con L’elisir d’amore y Bellini con Norma, son los máximos representantes del “bel canto”, estilo vocal tan expresivo como espectacular que tenía como objeto la     exhibición del cantante mediante pasajes melódicos de gran     exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz.

Giuseppe Verdi representa la cumbre de la ópera italiana con         obras como Nabucco, Rigoletto, La Traviata o Aida. No        abandona el ideal del bel canto pero construye melodías más          sencillas con ritmos claramente marcados (compónía sus arias con el tic-tac del metrónomo) y otorga una gran importancia          a los coros.

A finales del Siglo XIX la corriente del Realismo literario se traslada a la música creando una nueva tendencia denominada “verismo”. Los argumentos de las óperas se centrarán en         personajes de la vida cotidiana reflejando sus emociones de forma realista, sin idealizaciones ROMánticas. Los principales representantes del verismo son Pietro Mascagni con Caballería rusticana, Ruggiero Leoncavallo con Pagliacci y Puccini con La Bohème, Tosca o Madame Butterfly.

10.- ¿Qué es la opereta y en qué país se cultiva?

Es un tipo de ópera cómica de argumentos humorísticos que incluye pasajes dialogados y danzas de moda. Jacques Offenbach compuso Orfeo en los infiernos,  en su obertura incluye el famoso baile del cancán. En ritmo binario las bailarinas dispuestas en fila, levantan las piernas al frente alternativamente agarrándose las faldas y enseñando las enaguas.

11.- Carácterísticas  más destacadas del drama musical wagneriano

Wagner concibe la ópera como una “obra de arte total” en la que se aglutinan todos los elementos (poesía, música, escenarios, acción) de forma inseparable. Su idea es crear un “drama musical” continuo en el que las escenas se encadenan sin distinción utilizando técnicas como el leitmotiv, la “melodía infinita” sin marcar cadencias claras, un tratamiento protagonista de la orquesta con grandes efectos colorísticos y dinámicos, armónías crómáticas en constante modulación. Los textos de sus óperas, escritos por el propio Wagner, están inspirados en la mitología germánica.

De forma resumida, las carácterísticas principales de su obra son:

  1. Intento de la “obra de arte total”: uníón de la poesía, música, escena, iluminación, etc.
  2. Uso y potenciación del alemán en todas sus óperas.
  3. Temas basados en los mitos y leyendas alemanes.
  4. Formación de una gran orquesta dramática, con la creación de nuevos instrumentos.
  5. Creación del leitmotiv: motivo musical que caracteriza a los diferentes personajes de la ópera, en cuyos contrastes conseguirá el aspecto dramático.
  6. Uso de armónías cromáticas que significaron el principio de la ruptura del sistema tonal clásico.

12.- Planteamientos musicales del nacionalismo musical

Los nacionalismos surgen a mediados del Siglo XIX como un componente más del movimiento ROMántico que busca acentuar la individualidad y la autonomía musical y cultural de los países. La música nacionalista se caracteriza por el uso del folclore: copiando literalmente las fuentes, por ejemplo, introduciendo una melodía tradicional dentro de una obra o utilizando rasgos propios de cada país como ritmos de danzas, escalas, instrumentos populares.

13.- El nacionalismo musical español

La búsqueda de una conciencia nacional española condiciónó el resurgir de una música basada en nuestro folclore. Podemos distinguir dos etapas: la primera, con Albéniz Y Granados como principales representantes, fue una etapa de asimilación. La segunda, con Falla y Turina, fue una etapa de madurez que se desarrolló en la primera mitad del Siglo XX.

También hay que citar a Francisco Tárrega, extraordinario virtuoso responsable de la proyección internacional de la guitarra.
Jesús de Monasterio, fundador de la primera escuela violínística española y a Pablo Sarasate, famoso violinista y autor de las célebres Danzas españolas.

Entradas relacionadas: