El Renacimiento Musical: Evolución, Escuelas y Compositores (Siglos XV y XVI)

Introducción

El redescubrimiento de las antiguas culturas griega y romana impactó profundamente en la Europa de los siglos XV y XVI. Sin embargo, a diferencia de la escultura, la arquitectura o la poesía, no era posible conocer la música de la antigüedad. La lectura de textos de filósofos clásicos sobre música generaba interrogantes sobre por qué la música de la época no conmovía ni impulsaba las pasiones como se describía en aquellos escritos. Esto llevó a muchos músicos a desilusionarse con la música contemporánea y a añorar la de la antigüedad.

El Humanismo, el movimiento más importante del Renacimiento, se basaba en la recuperación de la sabiduría griega. Este movimiento impulsó la evaluación de obras de arte y estructuras político-sociales según las normas de la antigüedad. También transformó la actitud del hombre ante la vida, que ahora no solo buscaba la salvación tras la muerte, sino también el disfrute terrenal. El deleite de los placeres sensoriales dejó de considerarse pecaminoso. A la secularización de las artes y la pérdida de prestigio de la Iglesia, ya evidentes desde finales de la Edad Media, se sumó la división religiosa entre protestantes y católicos (Reforma y Contrarreforma).

El efecto más importante del Humanismo en la música fue el acercamiento a las artes literarias, reviviendo la antigua imagen del poeta y el músico unidos en una misma persona, como se refleja en el mito de Orfeo, tema recurrente en las primeras óperas.

Esta vinculación entre poesía y música se evidencia en cómo la puntuación y la sintaxis de los versos servían de guía al compositor, por ejemplo, al señalar pausas mediante cadencias o al seguir el ritmo del habla mediante la acentuación.

Italia en el Renacimiento

Este movimiento se inicia en Italia, en gran medida porque los gobernantes de las ciudades-estado y de los pequeños principados italianos buscaban engrandecerse y aumentar la fama de sus ciudades.

Los príncipes y las oligarquías gobernantes fueron los principales mecenas, atrayendo a las ciudades italianas a los compositores y músicos más importantes del momento. Aunque hubo músicos italianos, hasta mediados del siglo XVI predominaron los músicos septentrionales (del norte: Flandes, Francia, Países Bajos, etc.). Estos músicos trajeron consigo su música y sus métodos de composición, pero al mismo tiempo asimilaron algunas características de la música italiana.

Teoría Musical: Recuperación de la Teoría Griega

En el primer cuarto del siglo XV comienza el estudio de la teoría musical de la Grecia antigua. Se descubrieron importantes tratados de música escritos por Arístides, Quintiliano, Ptolomeo, Plutarco, la Política de Aristóteles y algunos diálogos de Platón.

Cuattrocento

Franchino Gaffurio fue un importante intelectual y músico. Incorporó parte de la sabiduría y teorías griegas, principalmente en sus obras Theorica musice y Practica musice.

Sus tratados de música fueron los más influyentes de la época, y afectaron en cuestiones tales como los modos, las consonancias o las relaciones entre la palabra y la música.

Cinquecento

En el siglo XVI aparecieron los primeros teóricos humanistas. Uno de ellos fue Henricus Glareanus, teórico de la música, poeta y un importante humanista. Su tratado Dodecachordon intentaba aunar la teoría medieval con la práctica musical renacentista. Otro compositor es Johannes Tinctoris, quien escribió el libro de contrapunto más importante de esta época, en el que regulaba la introducción de las disonancias. Y por último, Gioseffo Zarlino y su Institutioni harmoniche (1558). En esta obra, Zarlino refinó y sintetizó algunas de las reglas de Tinctoris. No se proponía revolucionar la teoría musical, sino volver a la teoría musical griega, ya que, en su opinión, había sido alterada por los teóricos musicales.

El Siglo XV: La Escuela de Borgoña y Franco-Flamenca

El calificativo de “flamenco” se dio a una importante corriente musical del Renacimiento europeo. Sin embargo, hay que distinguir una primera fase borgoña y una segunda fase franco-flamenca, que se inicia cuando se disuelve la anterior a partir de 1450.

La Escuela de Borgoña

El Ducado de Borgoña poseía la casi totalidad de las tierras que circundan las orillas del Rin.

Era una época de extraordinario auge en el comercio, circunstancia que convirtió a los señores de estos territorios en poderosos gobernantes. Este poder político y económico propició una floreciente actividad musical con la creación de magníficas capillas musicales, sobre todo en épocas de Felipe el Bueno y Carlos el Temerario.

El prestigio de la Corte de Borgoña y la música que se cultivaba en ella influyeron en otros centros musicales europeos.

A finales del siglo XIV y principios del siglo XV, comenzaron a establecerse a través de toda Europa capillas con ricos recursos musicales. Papas, emperadores y reyes competían por contar con los compositores y cantantes más importantes.

En las capillas, los músicos se ocupaban principalmente de crear la música para los servicios de la Iglesia, aunque seguramente también se encargarían de las diversiones profanas de la corte.

• La Misa: fue en las musicalizaciones de la misa donde los compositores desarrollaron unos estilos especialmente importantes.

Antes del siglo XV, y a excepción de la misa de Machaut, las secciones del ordinario se componían como piezas independientes. Uno de los logros del siglo XV fue establecer como práctica regular la composición polifónica del ordinario como un todo musicalmente unificado.

Las cinco secciones empezaron a componerse en el mismo estilo. El modo más práctico de lograr una relación perceptible entre las secciones era utilizar el mismo material temático.

• Tipos de Misa: una posibilidad era comenzar cada sección con el mismo motivo melódico, que se solía colocar en la voz aguda (misa devisa). Otra posibilidad era emplear el mismo cantus firmus en cada movimiento (misas cíclicas).

La nueva concepción musical del siglo XV requería que la voz más grave fuese libre para poder funcionar como cimiento. El haber utilizado como voz inferior una ya determinada que se podía modificar en lo esencial, habría limitado mucho la libertad del compositor. Es por ello por lo que el tenor se convirtió en la penúltima voz grave, y se situó por debajo de él el contratenor bassus. Y encima del tenor se colocó el contratenor altus, y por último la posición superior fue denominada superius. Estas partes a cuatro voces se mantendrían como patrón hasta nuestros días.

La Escuela Franco-Flamenca

Primera Generación: Guillaume Dufay y Gilles Binchois

Dufay fue un músico muy prolífico que pasó la mayor parte de su vida en Italia. Compuso obras profanas y religiosas, sobre todo chansons. Compuso misas sobre un tenor popular, un ejemplo es la misa Se la face ay pale, cuyo tenor procede de una balada que él mismo había compuesto.

Binchois estuvo al servicio de Felipe el Bueno.

Segunda Generación: El Canon; Johannes Ockeghem y Antoine Busnois

El canon era muy del gusto de la época, ya que consistía en escribir una música en la que la estructura audible se viera apoyada en una estructura oculta y matemáticamente calculada.

El método predominante para escribir el canon consistía en derivar una o más voces adicionales de una voz dada. Estas voces adicionales podían estar escritas por el compositor o simplemente ser cantadas por el ejecutante a partir de las instrucciones del compositor.

La regla mediante la que se construían esas otras voces es la que se denomina canon (ley o norma). Y había muchas posibilidades. La segunda voz podía ser una inversión de la primera, se podía cantar en sentido inverso, se podía hacer que se moviera con distintos valores.

Johannes Ockeghem no solo fue muy famoso y alabado en vida como compositor, sino que además fue el maestro de muchos de los principales músicos de la generación siguiente. No compuso demasiadas obras, pero sí un número relativamente grande de misas. Esto se debe a que en la segunda mitad del siglo XV, la misa era la principal forma de composición, con la que se esperaba que el compositor demostrase sus conocimientos. Compuso misas sobre un tenor popular (profano) como la misa L’homme armé. También compuso misas sin préstamo de ninguna fuente y misas formadas por una sucesión de cánones.

Tercera Generación: Josquin des Prez, Obrecht e Isaac

La tercera generación franco-flamenca está formada por un gran número de compositores cuya técnica ya era acabada y perfecta. En su música aparece además un deseo por comunicar, por expresar, que antes pasaba inadvertido y que parte de una relación más estrecha entre la palabra y el texto.

Josquin des Prez es uno de los compositores más importantes de la historia de la música. Pocos músicos han gozado de tanto renombre durante su vida, ni han ejercido una influencia tan grande sobre sus seguidores. Se desconocen datos importantes sobre la vida de este compositor, pero sí se sabe que fue muy alabado en vida. Lutero lo llamó “maestro de los sonidos” y fue incluso comparado con Miguel Ángel.

Nació alrededor de 1450 y estudió contrapunto con Ockeghem, a quien le dedicó el motete La déploration sur la mort d’Ockeghem cuando murió. Fue miembro de la capilla del Duque de Anjou y también fue miembro del coro papal durante el reinado de Inocencio VIII.

A finales del siglo XV vivió en Francia y estuvo al servicio de Luis XII. Cuando el Duque Ercole de Ferrara lo llamó para su capilla, se trasladó a Italia. En Ferrara compuso la Misa Hercules Dux Ferrariae. Estuvo sólo un año y posiblemente huyó a causa de la peste. Volvió a su región natal (este de Francia). Durante el último periodo de su vida tuvo una inmensa fama, murió en 1523.

En sus obras se mezclan tanto elementos conservadores como modernos, y esos más conservadores se encuentran en sus misas (Ave maris stella, Pange lingua, L’homme armé). En sus obras de plena madurez se puede encontrar un claro deseo de interpretar el valor emocional de las palabras.

El Cinquecento (Siglo XVI)

Después de la generación de Josquin, el panorama musical se hizo más variado. Disminuyó la supremacía en solitario de la escuela flamenca, y progresaron unas corrientes musicales nuevas.

Los compositores de esta época se identifican con la poética de la musica reservata. Este término empezó a ser utilizado con posterioridad en el siglo XVI para hacer referencia a un estilo novedoso en el que los compositores intentaban que la palabra y la música se ajustasen de manera perfecta. Para conseguirlo, introdujeron nuevos elementos entre composiciones, cromatismos, ornamentos, contrastes novedosos de ritmo y texto. Intentaban de esta forma adecuar la música al significado de las palabras y expresar el poder de cada emoción.

Compositores

Adriano Willaert: estuvo vinculado a la Capilla de San Marcos en Venecia, y formó a compositores que serían muy importantes en la generación posterior (Zarlino y Nicolás Vicentino). Una característica importante en su obra es la adaptación del sonido o la música al texto (seguidor de musica reservata).

Nicolas Gombert: es uno de los principales músicos de este período, perteneció a la Capilla privada de Carlos V, al que acompañó en sus numerosos viajes.

Italia

Durante el Renacimiento, la forma musical que predomina es el madrigal. Esta forma está inserta en el movimiento de refinamiento de la cultura literaria italiana, que se denomina petrarquismo y que influiría de manera duradera en Europa.

La forma métrica del madrigal es libre y se caracteriza por un elevado nivel literario, como lo demuestra el hecho de que se musicasen poemas de Petrarca, Ariosto y Bembo.

La temática de los madrigales gira en torno al amor y su música trataba ante todo de reflejar las palabras y sus significados con sonidos (musica reservata). En general, se trataba de una melodía que servía para cantar poesía y en la que en los finales de los versos acababa en una cadencia. Estas obras se cantaban en las reuniones sociales cortesanas y en las organizadas por las Academias (reuniones de mecenas).

Entre los principales compositores de madrigales de la primera mitad del siglo XVI destacan:

• Andrea Gabrieli
• Nicola Vicentino
• Claudio Merulo
• Cipriano de Rore

La cúspide del madrigal italiano se alcanzó a partir de la segunda mitad del siglo XVI con Luca Marenzio y Claudio Monteverdi.

Francia

Como forma musical destaca la chanson. Como compositores de esta forma tenemos a Sermisy y Janequin.

Inglaterra

La música inglesa tiene un desarrollo y unas características diferentes a las del resto de los países europeos. Desde el punto de vista musical fue muy importante el reinado de Enrique VIII, no sólo porque él impulsara la composición de música (él mismo era músico), sino porque fue el artífice de la Reforma Anglicana, al romper definitivamente con Roma en 1543 (cisma religioso). Este cisma fue el origen de cambios en la música religiosa: disminución del uso del latín, progresiva desaparición de la misa e importancia de las obras corales más sencillas.

A partir de 1543 se produjeron importantes cambios en la ideología religiosa, que afectaron a la música sacra que se compuso en ese período: con Eduardo VI (era contrario a la polifonía sacra), María Tudor (era católica) e Isabel I. Destacan John Dunstable y John Taverner.

España

Durante el siglo XV la música española está sometida a la influencia de dos culturas: la franco-flamenca y la italiana. Esta última corriente se vio favorecida porque Alfonso V de Aragón fue rey de Nápoles.

A finales del siglo XV las obras de los compositores borgoñones y del norte de Europa se conocían y cantaban en España, al tiempo que surgía una escuela nacional de composición en la que se incorporaron elementos populares. Hay que destacar la existencia de dos importantes antologías de música que fueron realizadas durante el reinado de los Reyes Católicos y que recogen en ambiente cortesano. Son especialmente importantes porque en ellos no solo se recoge la música de la época, sino también la poesía:

• El Cancionero de la Colombina: comprado por un hijo de Cristóbal Colón, apasionado de los libros. Parece que fue copiado a finales del siglo XV y es anterior al Cancionero de Palacio. Tiene un repertorio similar a este, incluso hay obras comunes.

Principales compositores: Juan Cornago, Juan de Triana y Juan de Urrede.

No contiene obras de Juan del Encina.

• El Cancionero de Palacio: es el más importante. Los textos de sus composiciones están inspirados en temas populares: amoroso, caballeresco, pastoril, etc.

La forma poético-musical más importante del Cancionero es el villancico, que es el género más importante de la polifonía profana española a finales del siglo XV. Es una breve canción con estribillo en la que la melodía principal se encuentra en la primera voz. Probablemente estaba destinado a ser cantado por un solista con acompañamiento de instrumento.

El principal poeta-compositor que aparece recogido en esta antología es Juan del Encina.

La Música en la Reforma y Contrarreforma

Reforma

La música, como compañera de la liturgia y de otros actos religiosos, se vio envuelta en los cismas religiosos que dividían la cristiandad en el siglo XVI y que comenzaron en Alemania en 1517 cuando Lutero colgó en las puertas de la catedral de Wittenberg sus 95 tesis críticas.

Lutero era un gran conocedor de la música, tocaba el laúd, la flauta travesera y era gran admirador de Josquin des Prez. Él pretendía que los fieles pudieran participar en los actos del rito religioso, por ello propugnaba el uso de la lengua alemana en lugar de la latina para cantar durante la misa.

La contribución más característica de la iglesia luterana es el coral. En un principio eran unos himnos que debían ser cantados por la comunidad al unísono sin armonización y sin acompañamiento. Muchas de las melodías eran de composición nueva y otras se crearon a partir de melodías ya existentes. Con posterioridad los corales ganarían en complejidad y dejarían de ser cantados por la comunidad para ser cantados por el coro.

Contrarreforma

La Iglesia católica se opuso a los reformadores luteranos y a la amenaza que suponían mediante la Contrarreforma. Las medidas renovadoras que se pusieron en práctica giraron en torno a dos hechos fundamentales: el Concilio de Trento y la creación de la Compañía de Jesús por San Ignacio de Loyola.

El Concilio de Trento se desarrolló en la ciudad italiana de Trento entre 1545 y 1563. Fue en los dos últimos años en los que se trataron cuestiones musicales. Es poco probable que estuviesen tentados a suprimir la música polifónica de los usos eclesiásticos para conseguir así que se entendiesen mejor las palabras, como se afirmó durante mucho tiempo. Es una leyenda sin fundamento la que habla del importante papel que desempeñó Palestrina y su Misa del Papa Marcelo en este asunto. Según la leyenda, fue tras oír esta obra cuando los Padres se decidieron por permitir la música polifónica en el rito religioso.

Decisiones que Afectaron a la Música Religiosa

De entre las principales decisiones que se tomaron y que afectaron a la música religiosa destacan:

• La eliminación de las contribuciones profanas en el servicio litúrgico, austeridad en las costumbres musicales y desaparición de los tenores profanos.
• Conseguir que las palabras fuesen perceptibles y que no resultasen ininteligibles por la riqueza de la polifonía.
• Se opusieron a las florituras vocalísticas.

Las Grandes Escuelas Europeas

La Escuela Romana: Palestrina (1524-1594)

Es el compositor de música religiosa más importante del Renacimiento y uno de los principales compositores de todos los tiempos. Tras formar parte del coro y ser organista de su ciudad natal (Palestrina), fue maestro de coro de la Capilla Giulia en Roma durante el papado de Julio III y también maestro cantor de la Capilla Sixtina. Un papa posterior, Paulo IV, lo destituyó de su cargo, parece ser por juzgar inapropiadamente su condición de hombre casado.

En los años siguientes fue maestro de las Capillas de San Juan de Letrán, casi siempre al servicio de la religión católica.

Características: su música estuvo impregnada del espíritu de la Contrarreforma:

• Su música es vocal y todas las voces son de característica similar, lo que produce una sonoridad homogénea.
• Las líneas melódicas son muy parecidas y se ejecutan al mismo tiempo. Cualquier salto ascendente o descendente importante de las líneas melódicas se equilibra por una vuelta al centro de la ondulación.

Sus Obras: la obra religiosa de Palestrina incluye unas 100 misas, la más conocida es la Misa del Papa Marcelo, en la que se llega a la perfección absoluta del estilo contrarreformista. También compuso himnos, sobre todo misas.

Entre sus obras profanas hay madrigales. A diferencia de otros compositores importantes, Palestrina no fue un innovador en cuanto a la técnica musical, sino que creó un modelo que fue muy imitado por otros compositores. Captó mejor que ningún otro compositor el carácter conservador de la música contrarreformista.

Escuela Veneciana

En el siglo XVI Venecia era la ciudad más importante de Italia después de Roma. Su música era un fiel reflejo de su majestuosidad y no se ahorraba ningún gasto para mantener la música a la altura e importancia de la ciudad.

El cargo de maestro de coro de San Marcos era el puesto más codiciado de toda Italia. Y la actividad musical en esta catedral llega a su auge con la llegada de Willaert.

Se formó entonces una escuela que ejerció una importante influencia en el norte de Italia y centro de Europa.

La polifonía que se realizó en San Marcos adoptó el estilo policoral (reparto de los cantores en coros dialogantes). Esta forma policoral es la cuna del estilo concertante, en el que se realizan alternancias entre los solos y el tutti. La policoralidad provocó la dispersión de los grupos corales en distintos lugares de la iglesia, adelantando una sonoridad propia del Barroco.

Compositores: Nicola Vicentino, Andrea Gabrieli, su sobrino Giovanni Gabrieli y Claudio Merulo.

Escuela Inglesa: William Byrd

Es el compositor que resume la música inglesa que se creó durante los reinados de Isabel I y Jacobo I.

Siendo católico practicante alcanzó una posición muy privilegiada dentro de la sociedad anglicana, lo que pone de manifiesto la tolerancia de la época y la apreciación de los valores reales más allá de las barreras ideológicas.

Fue compositor de obras de muy diferente tipo: misas en latín, anthems (himnos religiosos) escritos en inglés, composiciones profanas y música para conjunto instrumental (consort).

Escuela Española

En España el arte musical culto era especialmente sacro. Carlos V fue un gran mecenas de la música y sobre todo del arte polifónico, con la creación de sus capillas flamenca y española. Felipe II continuó con este amor por la polifonía, protegiendo a los extranjeros e incluso tuvo como pedagogo al insigne organista Antonio de Cabezón.

Pero los músicos más importantes no estuvieron al servicio de los reyes.

Escuelas: Andaluza y Castellana.

Castellana: Tomás Luis de Victoria (c. 1548-1611)

De joven residió durante largo tiempo en Roma, y allí estuvo en la institución de los jesuitas, dedicada a combatir el protestantismo. Fue discípulo y sucesor de Palestrina.

A partir de 1587 volvió a Madrid y residió en el convento de las Descalzas Reales con la Emperatriz María (hermana de Felipe II), que vivía allí retirada.

Fue un compositor sacro que no compuso obras profanas ni tampoco polifonía sacra sobre melodías de origen profano. No compuso muchas obras, sobre todo compuso misas (unas 20).

Otros compositores: Juan Escribano, Bartolomé Escobedo y Diego Ortiz.

Andaluza: Cristóbal de Morales (1500-1553)

Está al frente de la escuela andaluza y es el primer polifonista español de talla internacional. Discípulos suyos fueron Francisco Guerrero (maestro de capilla de la Catedral de Jaén) y Juan Navarro.

La Quinta Generación Flamenca

• Orlando di Lasso (1532-1594) es el compositor más importante de la quinta generación y fue especialmente prolífico (alrededor de 2000 obras).
• Philippe de Monte.
• Todos los músicos de esta generación tienen características comunes:
• Le conceden gran importancia a la música eclesiástica, aunque con una decadencia de la misa.
• Hay un dominio completo de las técnicas polifónicas de composición.
• Voluntad de expresar con la música el significado de las palabras (musica reservata).