Renacimiento, Manierismo y la Bóveda de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel

El Renacimiento

El Renacimiento es el renacer de las formas y del espíritu del arte clásico (vuelta al arte clásico de Grecia y Roma). Concibe al ser humano como eje y medida de todas las cosas, promoviendo una nueva visión del mundo fundamentada en la razón. Se trata de un arte profundamente transformado por los estudios de la perspectiva y la anatomía. El Renacimiento significa el nacimiento de un hombre nuevo al que nada parece imposible, transformando al artista, que deja de ser un mero artesano para llegar a ser un intelectual.

El Renacimiento se divide principalmente en dos periodos:

• Quattrocento (siglo XV): Nace en la próspera y culta Florencia. El arte renacentista rompió con el estilo gótico, tomó como modelo el arte de la antigua Roma y empleó los mismos cánones clásicos.
• Cinquecento (siglo XVI): Roma sustituye a Florencia como principal foco artístico. Durante este siglo, el Renacimiento se extiende por toda Europa occidental y se regionaliza. Una de sus características más importantes fue la inclusión de imágenes que completan las descripciones escritas.

El Manierismo

A mediados del siglo XVI, en un contexto europeo de profunda inquietud política y religiosa, surge el Manierismo. Esta tendencia nace y se desarrolla en Italia entre 1520 y 1620. Se opone a la estricta racionalidad del primer Renacimiento, creando una emotividad y sensualidad más intensas mediante el uso de efectos exagerados y discordantes que rompen con las proporciones ideales del cuerpo humano.

Contexto Histórico

En el siglo XVI, las continuas luchas entre Francisco I de Francia y Carlos I de España (V de Alemania) convirtieron a Europa en un campo de batalla. La victoria de Carlos I tuvo fuertes repercusiones en Italia: el apoyo prestado por el Papa al monarca francés provocó el asalto de las tropas imperiales a la ciudad de Roma en 1527 (el Saco de Roma). Este acontecimiento fue la principal causa de la decadencia temporal del papado y de la posterior diáspora de pintores, escultores y arquitectos.

En la Italia del Quattrocento, diversas dinastías de príncipes y gobernantes fueron capaces de mantenerse en el poder de las ciudades durante muchos años. Ya en la Europa del siglo XVI, los monarcas gobernaron apoyándose en la burguesía urbana. En el terreno económico, a finales del siglo XV se experimentó un notable crecimiento gracias a la actividad manufacturera y comercial de los territorios alemanes, sumada a los descubrimientos transoceánicos de España y Portugal mediante los cuales llegaron a Europa ingentes cantidades de oro y plata procedentes de América. Toda esta riqueza repercutió directamente en el ámbito artístico, impulsando un gran desarrollo cultural en las cortes reales y en las residencias de los mecenas del siglo XVI.

Por otro lado, la Reforma protestante iniciada por Martín Lutero y el Cisma de Inglaterra impulsado por Enrique VIII alteraron radicalmente el mapa religioso europeo. Frente a ello, el papa Paulo III convocó, con el apoyo de Carlos V, el Concilio de Trento (1545-1563) con el fin de reformar la Iglesia de Roma (la Contrarreforma), formulando una ideología estrechamente vinculada a la producción artística que eclosionaría plenamente durante el periodo barroco en los países católicos.

Bóveda de la Capilla Sixtina

Para sus contemporáneos, Miguel Ángel Buonarroti era un genio indiscutible que había superado con creces los logros de la Antigüedad. A los frescos de la bóveda de la Capilla Sixtina debemos una concepción totalmente renovada de los espacios pictóricos, así como una apoteósica recuperación del desnudo artístico. El maestro toscano consagró cuatro intensos años de su vida a esta monumental empresa.

Ficha Técnica

• Autor: Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).
• Cronología: 1508-1512.
• Estilo: Renacimiento (Cinquecento).
• Técnica: Fresco.
• Soporte y dimensiones: Muro / Bóveda; 13,7 x 39 metros.
• Localización original y actual: Capilla Sixtina, Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, Roma.

Elementos Plásticos

Una marcada concepción escultórica guio la pintura de Miguel Ángel en todo momento, cualidad visible en la rotundidad de los torsos y las marcadas contorsiones de las figuras. Para garantizar que cada personaje adoptase una postura diferente a las demás, el artista elaboró infinidad de bocetos y estudios previos. Los cuerpos desnudos y la extraordinaria naturalidad de sus ademanes revelan un conocimiento anatómico insuperable.

La meticulosa restauración de los frescos completada entre 1990 y 1994 sacó a la luz una paleta cromática intensa, luminosa y vibrante, en la cual destacan sobremanera el verde y el violeta, dos tonalidades litúrgicas fundamentales. Asimismo, a medida que la narración visual se aproxima al altar mayor, las figuras aumentan de escala, ganan en dinamismo y la pincelada se torna visiblemente más enérgica y libre.

Contenido Iconográfico

Fiel a una de las máximas del propio Miguel Ángel —«La ley de la pintura dice así: en ella deben poder leer todos los que no conocen las letras»—, los frescos de la bóveda narran la historia primordial de la Humanidad antes de la venida de Cristo. En ella quedan articuladas tres realidades trascendentales del ser humano:

1. Los acontecimientos espirituales y el linaje humano previo a la Revelación: reflejados en lunetos, tímpanos y pechinas.
2. El Conocimiento y sus facultades: personificados en las sibilas, los profetas y los ignudi.
3. La relación directa con la divinidad: materializada a través de las historias bíblicas centrales del Génesis.

La escena más emblemática del conjunto es indiscutiblemente La creación de Adán, pasaje en el que Dios, con el dedo extendido hacia el primer hombre, le insufla la vida. Miguel Ángel logró configurar con la imponente figura divina de frondosa barba blanca y gesto tan benevolente como sobrecogedor la imagen arquetípica universal del Creador.

Composición y Estructura

Para ordenar la superficie, Miguel Ángel simuló una arquitectura fingida con diez arcos fajones que compartimentan la gran bóveda de cañón en nueve tramos sucesivos. Dos cornisas ilusorias dividen a su vez la composición en tres registros diferenciados. Los rectángulos resultantes en la franja central presentan dos tamaños alternos y describen nueve pasajes fundamentales del Antiguo Testamento:

• La separación de la luz y las tinieblas.
• La creación de los astros y las plantas.
• La separación de las tierras y las aguas.
• La creación de Adán.
• La creación de Eva.
• El pecado original y la expulsión del Paraíso.
• El sacrificio de Noé.
• El diluvio universal.
• La embriaguez de Noé.

En las esquinas de los recuadros de menor tamaño se hallan sentados los ignudi, atléticos jóvenes desnudos que sostienen medallones broncíneos con escenas complementarias. En los lunetos y tímpanos de los registros laterales se distribuyen las generaciones de los antepasados de Jesús. Entre los tímpanos se alternan las representaciones monumentales de cinco sibilas y siete profetas, quienes también dominan los recuadros adyacentes a las pechinas de los ángulos de la bóveda; pechinas que ilustran escenas milagrosas de salvación bíblica, entre ellas pasajes del libro de Ester.

Innovación y Legado Artístico

Miguel Ángel sobresalió por una inagotable vocación innovadora y el empleo audaz de recursos plásticos. Halló su inspiración primigenia en maestros indiscutibles como Giotto y Masaccio, en la estatuaria redescubierta de la Antigüedad clásica grecorromana y en el conocimiento minucioso de la anatomía derivado de la disección directa de cadáveres. Catalogado como el supremo maestro del dibujo anatómico, concibió figuras vigorosas, musculosas y de un dinamismo vibrante, integrando la grandeza formal clásica con la temática espiritual cristiana e inaugurando una atmósfera dramática que dejaba atrás el sosegado equilibrio del primer Renacimiento.