Las Puertas del Infierno y su influencia en el arte

Las Puertas del Infierno

Explica las características a lo largo de su trayectoria artística

El francés Rodin, es considerado uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Se caracteriza por su profundo vínculo con la materia. La capacidad expresiva que adquieren sus obras a través del modelado y la textura, la expresividad lumínica mediante la rugosidad y la multiplicación de planos; logrando una profunda vitalidad en sus creaciones.

Rodin es influenciado principalmente por Miguel Ángel. Conocer su obra dio lugar al uso del non finito en sus obras (técnica con la que lograba que mediante la luz, a través de la retina, el espectador complete la forma definitiva).

Retomó la importancia del lenguaje a través de la escultura fomentando : la sensibilidad por el volumen y las masas, una articulación rítmica, una nueva valoración de las superficies mediante el uso de texturas, por su capacidad de producir vibraciones lumínicas y la nueva valoración del espacio articulado mediante la acción recíproca de huecos y salientes.

Predomina la importancia de la apariencia sobre las propias formas en sí. Las figuras se introducen en el espacio o dejan que el espacio se introduzca en ellas. También resalta la expresión por encima del naturalismo ; no le interesa captar una exactitud fotográfica sino el sentimiento de los personajes.

Por otro lado, Rodin también radica en aspectos puramente plásticos como : el uso de la serie, el uso del collage escultórico, la fragmentación, la supresión del soporte y el uso de la anatomía como herramienta para el manifiesto de la espiritualidad humana.

Su escultura se dividió en dos líneas distintas. La primera, a la cual denominó “alimentaria” era la escultura decorativa de la cual vivía. La segunda, más transgresora, en su obra personal, aquella donde dio rienda suelta a su expresividad y resulta trascendente en la historia del arte.

Haz un comentario de la obra analizando la temática y sus rasgos estilísticos y formales.

Esta obra de Rodin está compuesta por 11 relieves con escultura exenta. Su temática proviene de la Divina Comedia de Dante, por lo que se considera literaria. Aunque también se considera cierta relación con la trágica visión que se desprende de “las flores del mal” de Baudelaire donde pasiones culpables, deseos insatisfechos arrastran a la desesperante condición humana.

La complejidad del proyecto desbordó en más de una ocasión al autor. Integrado por 186 figuras. En la parte más alta, el grupo de Las tres Sombras, es la figura de Adán repetida tres veces, con una postura forzada y parte de un brazo amputado. Debajo, el pensador(el propio Dante) se alza por encima del abismo. En la jamba derecha de la puerta, una pareja se integra en un abrazo (el beso). En el batiente de la izquierda, está Ugolino y sus hijos. Fue un personaje real, tirano y cruel que aparece en la Divina Comedia, condenado a morir de hambre junto a sus hijos.

Con una imaginación desbordante, Rodin explora el poder expresivo del cuerpo humano, en un espacio alucinante, extremadamente perturbado por los juegos de sombras y de luces. Todo el conjunto emerge de la lava hirviente siguiendo la “imagen dantesca”. Las formas invaden la estructura, hasta tal punto que a veces sustituyen los elementos arquitectónicos. Las poses retorcidas reflejan la desesperación, el dolor, la maldición.

Reflexión personal atendiendo : al contenido simbólico, a la ejecución técnica, a la composición y a la altitud expresiva del artista.

En la pintura academicista lo fundamental s l “tema” del cuadro, q busca narrar 1 suceso. La Academia ensalza ls temas istoricos, mitologicos o religiosos x encima del paisaje, l retrato o ls cuadros d genero q eran considera2 inferiores. Juana la Loca s l cuadro x excelencia del genero istorico en España. x la contra, l Impresionismo deja d lado l enfoque tradicional q exigia al artista contar 1a istoria o transmitir 1 mensaje d tipo moral. xa ls impresionistas ls temas son solo 1 motivo xa estudiar l efecto luminico y atmosferico d la realidad. l cuadro impresionista s vuelca en la representacion d la apariencia fugaz y efimera d escenas cotidianas, fomentan2e l paisaje y ls escenas d genero. En “ls amapolas” la naturaleza cobra protagonismo x si misma, plasman2e sin idealizaciones, tal y como s percibe en ese preciso momento.

En l arte academicista ls composiciones eran realizadas en l estudio, estaban muy elaboradas y s basaban en l equilibrio y la elegancia. En este caso, la figura d doña Juana centra la composicion q s organiza alrededor d 1 aspa. ls formatos eran d gran tamaño, enormes lienzos d varios metros d superficie, x eso ls figuras representadas con frecuencia eran d mayor tamaño q l natural. ls impresionistas gustaban d experimentar con la composicion, lejos del enfoque tradicional, a100do encuadres audaces d ls escenas q pintaban au plein air (al aire libre, directamente del natural) y con muxa rapidez. ls lienzos eran d pequeño tamaño xa facilitar su transporte al campo. Eran composiciones espontaneas, casi instantaneas fotograficas, donde l pintor recogia la naturaleza fugaz tal cual la percibia en ese preciso momento. Otro recurso compositivo, d inspiracion fotografica y d la estampa japonesa, era l «encuadre selectivo» q consistia en l desplazamiento del punto d interes del cuadro a alg1 d ls la2, en composiciones asimetricas q dejaban l centro d la obra vacio, como en este caso donde l campo d amapolas ocupa casi la totalidad del lienzo, desplazando ls figuras a ls esquinas.

En Juana la Loca, l punto d vista s sutilmente elevado xa describir la escena. ls figuras estan enteras, (d cuerpo completo) y l marco no ls corta, estan bien situadas en l paisaje q enmarca la accion. l encuadre esta diseñado xa crear la ilusion d q dentro del marco d la pintura ay 1a escena real. Linea d orizonte muy alta q da cierta planitud a la escena y empequeñece a ls figuras. ls impresionistas usan escenas incompletas q ayudan a crear l efecto d inmersion del espectador en la escena, dando la sensacion d q l cuadro s extiende + aya d ls limites del marco.

En Juana la Loca, l dibujo s firme xo no excesivamente acusado. La forma realista xo idealizada, d canon anatomico clasico. l lienzo tiene 1 tratamiento absolutamente realista x la precision d ls detayes d ls indumentarias, ls teji2, la ambientacion del paisaje y la atmosfera invernal. ls figuras representadas son d mayor tamaño q al natural. Contorno bien definido y dibujado xo sin linea visible. En Monet no existe dibujo, s crea 1 efecto d instantanea fotografica, evocando apenas y no definiendo ls detayes del paisaje, ni d la ropa ni ls rasgos faciales. La obra produce 1 efecto d “inacabado”, ls contornos s desdibujan.

ls academicistas trataban ls modela2 mediante gradacion imperceptible. Pradiya a conseguido la profundidad del espacio abierto mediante l uso d la perspectiva atmosferica, la perspectiva lineal creada x ls lineas d fuga. ls impresionistas, influi2 x la estampa japonesa, muestran 1a despreocupacion x la perspectiva y l volumen. Lo q les interesa s ls sutiles cambios atmosfericos y luminosos.

En Juana la Loca, la luz s diafana, difusa y envolvente, xa fomentar la descripcion d la escena. s busca l equilibrio y la elegancia, usando sombras muy sutiles, sin grandes contrastes ni claroscuro. xa ls impresionistas tenian muxa importancia ls efectos luminicos y efimeros del paisaje. Evitan la presencia d sombras pintando, en ls oras centrales del dia o con luz frontal sobre ls personajes.

l gusto academico s inclinaba x l uso d colores sobrios y naturalistas. Usan la armonizacion tonal con gradaciones sutiles. 1 d ls aspectos + revolucionarios d la tecnica d la pintura impresionista s l cambio en la utilizacion del color, utilizan colores luminosos, vibrantes, q yuxtaponen o mezclan directamente sobre l lienzo. ay color incluso en ls zonas d sombra. Usan la mezcla optica d ls colores basada en la descomposicion d la luz y colores puros.

Academicamente la pintura era meticulosamente ejecutada con suaves superficies cuida2amente acabadas, q pretendian ocultar to2 ls trazos d ls pinceladas del artista xa crear la ilusion d realidad. Pradiya usa 1a pincelada cuidada, meticulosa y segura, empleando 1a tecnica muy pictoricista basada en pequeños empastes sin renunciar al dibujo. ls impresionistas usan 1a pincelada breve y empastada, ejecutada d forma rapida y espontanea sobre l lienzo, sin preocuparse x 1 acabado excesivamente elaborado xq su interes primordial residia en captar la fugacidad del momento.

Monte Fuji

Di las características propias de este estilo de estampa japonesa.

En estas estampas se plasma la temática de lo efímero y lo cotidiano, creando la sensación de una instantánea fotográfica. Desde el punto de vista plástico, se trata de representaciones poco convencionales. Sus particularidades son:

• Representaciones muy planas y aparentemente sencillas.

• Gran capacidad de síntesis por parte de los artistas para plasmar los temas con simplificación de formas.

• Formas simplificadas y carentes de detalles.

• Uso de formatos diferentes, algunos alargados tanto en vertical como en apaisado.

• Encuadres atrevidos y asimétricos con puntos de vista muy originales, normalmente el punto de vista está ligeramente elevado.

• Las figuras se cortan.

• Valoran el vacío como elemento expresivo, alejadas del horror vacui occidental.

• Dan importancia al símbolo, incluyendo la caligrafía (el texto forma parte integrante de la composición).

• Importancia del dibujo.

• Contornos muy definidos.

• Diseño lineal de gran dinamismo con línea modulada.

• Hay una casi completa ausencia de sombras, sin claroscuro ni volumen.

• Hay libertad en el uso del color, que resulta bastante irreal y carente de exactitud.

• Utilizaban principalmente grandes masas planas de color, sin matices, planos monocromos amplios y homogéneos (tintas planas) y de gama limitada.

• Total alejamiento de la perspectiva renacentista. Despreocupación por la perspectiva y aplanamiento del espacio pictórico.

• Cobran importancia como indicadores de profundidad: la separación del margen inferior (uso de planos horizontales), la disminución de tamaño y el traslapo.

Explica cómo influyó en el arte de fin de siglo, especificando los nombres de los artistas y los movimientos artísticos.

Este arte japonés ahondaba en algunos de los elementos que sugería la influencia de la fotografía, ya que los maestros del ukiyo-e se deleitaba plasmando en sus trabajos los sutiles cambio atmosféricos y luminosos que detectaban por efecto del viento o de la lluvia, o los fugaces momentos de cambios de postura o gestos en los personajes. El ukiyo-e influyó sobremanera en los Impresionistas, en los Post-impresionistas (sobre todo en Van Gogh y Toulouse Lautrec) y en los Nabis. Tendrá también mucha influencia en la evolución del cartelismo y en el nacimiento del cómic, haciéndose muy patente en la obra de Hergué y en la tendencia de la Línea Clara.

La Merienda Campestre

Haz un comentario de la obra. Analizando la temática y sus rasgos estilísticos y formales.

La merienda campestre, de Manet, fue rechazada cuando la presentó en el Salón el mismo año que

abandonó el taller de Couture debido a ser considerada como escandalosa. Donde sí fue admitida fue en el Salón de los Rechazados.

En cuanto al tema de la obra, para que esta resultase escandalosa, se trata de una escena con un grupo de tres bañistas disfrutando apaciblemente de un día de baño a orillas del Sena, que aparece al fondo, con una mujer saliendo del agua. Sirvieron de modelo al pintor Victorine Meurent, que aparece completamente desnuda. A su lado está un hermano de Manet, Gustave, y a la derecha Ferdinand Leenhoof (hermano de Suzanne, futura esposa del pintor, que probablemente sirvió de modelo para la  mujer del fondo).

Para pintar este cuadro, Manet se inspira claramente en dos obras clásicas: El concierto campestre (de Tiziano), que el autor ha podido contemplar en el Louvre, y El juicio de Paris, un grabado de Raimondi sobre un dibujo de Rafael. Esta trasposición de obras clásicas en un contexto contemporáneo no fue entendida ni por la crítica ni por el público de su época. Si a ello unimos el contraste entre la desnudez de la mujer, y los hombres vestidos, comprendemos que esta La merienda campestre se considera una obra clave en la ruptura con el academicismo conservador imperante en el mundo del arte, ruptura que profundizaron los pintores del grupo impresionista. 

La composición se basa en un triángulo formado por las figuras humanas en el centro de la obra, al

estilo clásico. La iluminación que elige Manet para la escena con un potente foco de luz directa (que apenas crea sombras) sobre los personajes, realza aún más el contraste antes mencionado. Esta técnica de iluminación es característica de las estampas japonesas. En la parte más alejada del espectador Manet simula el efecto de la distancia prescindiendo del dibujo con grandes pinceladas de color, algo que pudo haber observado en las obras de Velázquez.

Por último, el cuadro puede leerse como un genial compendio de géneros reunidos en una sola obra en la que encontramos paisaje, desnudo, retratos y naturaleza muerta.

CAMPO DE TRIGO CON CUERVOS

Reflexión personal atendiendo : al contenido simbólico, a la ejecución técnica, a la composición y a la altitud expresiva del artista.

Este cuadro está repleto de simbolismos, de elementos abstractos que reflejan un estado depresivo del propio artista. Los cuervos, representan mal augurio, signo de mal, de la muerte. Otro elemento simbólico es el cielo oscuro que da una sensación de agobio, de desesperanza. Es un cuadro puramente expresivo. 

Debido al análisis formal de la obra podemos establecer esta obra en la vanguardia neo-impresionista, esto se ve reflejado en el uso de colores vivos, el trazado yuxtapuesto y el intento bien logrado de producir emociones. 

A diferencia de las demás obras de Van Gogh esta muestra un gran sentimiento de completa tristeza y desesperación, es uno de los cuadros más importantes y más influyentes del postimpresionismo. 

El lienzo está dominado por una atmósfera oscura, el vuelo de los cuervos no alivia en modo alguno la tensión, al contrario, representa una fúnebre premonición de desgracia y muerte. 

En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales, estos reflejan la incertidumbre de Vicent sobre el camino que tomará su vida. Según este punto de vista los tres caminos representan el pasado, presente y futuro de la vida del artista. 

Las pinceladas son desordenadas e irregulares. El cielo azul y los campos amarillos se repelen con violencia. En el centro de la obra hay un camino que atraviesa el trigal. Se trata de un camino tortuoso que es como el artista veía su propia existencia, llena de soledad y decepciones. Las pinceladas nerviosas, a veces en ángulo recto, resaltan especialmente en el cielo, que ofrece un aspecto tormentoso y agitado, como si estuviera a punto de estallar una devastadora tempestad.