Pablo Picasso: Biografía y Evolución Artística del Genio del Cubismo

Pablo Picasso: Un Genio del Arte del Siglo XX

Primeros Años y Formación

Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) fue un influyente artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol. Con ellos acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.

Periodo Azul y Traslado a París

Entre 1901 y 1904, Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París. Su pintura entró en la etapa denominada periodo azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob, y el dramaturgo André Salmon. Su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París, entró en contacto con personalidades del mundo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, y el que sería su marchante, Daniel-Henry Kahnweiler.

Les Demoiselles d'Avignon y el Nacimiento del Cubismo

Hacia finales de 1906, Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que cambiaría el curso del arte del siglo XX: Les Demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que destacan el arte africano e ibérico, y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la influencia de este último, y en compañía de Georges Braque, Picasso se adentró en una revisión de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en la representación pictórica del volumen. Este fue el inicio del cubismo.

Evolución del Cubismo: Analítico y Sintético

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron el cubismo en una primera fase denominada analítica. En 1912, introdujeron un elemento de flexibilidad con recortes de papel y otros materiales aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión de Juan Gris en el círculo del cubismo desembocó en la etapa sintética, marcada por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

Etapa Figurativista y Escultura

Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso abandonó los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre el clasicismo y el influjo de sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre de Paulo, Picasso empezó a interesarse por la escultura tras su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González. Juntos introdujeron innovaciones como el empleo de hierro forjado.

Compromiso Político y Guernica

En 1935 nació su hija Maya, fruto de su relación con Marie-Therèse, con quien convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova. A partir de 1936, ambas compartieron al pintor con Dora Maar. El estallido de la Guerra Civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural Guernica. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde, Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

Últimos Años y Legado

En la década de 1950, realizó series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961, Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque, su última relación sentimental de importancia. Convertido en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde continuó trabajando incansablemente hasta su muerte.

Periodo Azul y Rosa: Del Patetismo a la Serenidad

Sus primeras etapas corresponden al figurativismo. En la época azul domina un sentimiento patético, expresado con una monocromía posiblemente inspirada en ideas debatidas en la tertulia modernista barcelonesa de Els Quatre Gats. Instalado en París, se inclinó por la monocromía azul para destacar la melodía de las líneas en un muestrario de personajes dolientes. El Picasso de veinte años parece conmovido por el sufrimiento y retrata un mundo de mendigos y ciegos de cuerpos escuálidos y cabezas vencidas.

En la siguiente etapa, la época rosa, combina poco a poco tonos más amables para plasmar el mundo del circo con sus juglares y saltimbanquis. Si se compara La comida frugal de la época azul con los retratos o escenas de circo de la época rosa, se percibe, más allá de las diferencias entre la tristeza compasiva y una cierta serenidad aceptada, la profundización en la observación del hombre y los ambientes sociales. Su vida en el Bateau Lavoir parisino tuvo la misma intensidad que la de los cenáculos modernistas barceloneses, y esas vivencias se llevaron a la tela.

Las Señoritas de Aviñón: Un Hito en la Historia del Arte

Descripción y Contexto

Las Señoritas de Aviñón es un cuadro de Pablo Picasso pintado en 1907. Realizado en óleo sobre lienzo, mide 243,9 x 233,7 cm y se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esta obra, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual Picasso es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde elimina todo lo sublime de la tradición, rompiendo con el realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal del cuerpo femenino. La obra se reduce a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva, con formas marcadas por líneas claro-oscuras.

Influencias y Estilo

Dos de los rostros, los de aspecto más cubista, asemejan máscaras debido a la influencia del arte africano, que comenzaba a ser conocido en Europa. Los dos centrales son más afines a los frescos medievales y las esculturas ibéricas primitivas, mientras que el rostro de la izquierda recuerda las pinturas egipcias. La obra está influenciada por una reinterpretación de las figuras alargadas del Greco, especialmente su Visión del Apocalipsis. Su estructura ambiental rememora los Bañistas de Cézanne y las escenas de harén de Ingres. Los tonos ocre-rojizos son característicos de su época negra.

Recepción y Legado

Obra muy criticada e incomprendida incluso entre los artistas, coleccionistas y críticos de arte más vanguardistas de la época, que no comprendieron el nuevo rumbo tomado por Picasso. Junto con Georges Braque, crearía y continuaría la corriente cubista hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial. Se expuso en la Galerie d'Antin (París) en 1916, y luego fue adquirida por Jacques Doucet y exhibida en 1925 en el Petit Palais. Posteriormente, fue comprada por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde es una de las piezas más preciadas. Esta obra es considerada el inicio del arte moderno y una nueva etapa en la pintura del siglo XX.

El Título y su Historia

Picasso no solía titular sus cuadros hasta pasado un tiempo. En este caso, cuando presentó la obra a sus amigos, no tenía título. Se cree que fue su amigo Apollinaire quien le dio el título de El burdel filosófico, y después André Salmon lo llamó Les Demoiselles d'Avinyó, una calle de Barcelona con prostíbulos. El nombre Avinyó se confundió con la ciudad francesa de Avignon. Finalmente, el cuadro se presentó como Les Demoiselles d'Avignon.

Los Bocetos Preliminares

Picasso trabajó en varios bocetos antes de la obra final. Un primer boceto a lápiz negro y pastel muestra siete protagonistas: cinco mujeres y dos hombres, un estudiante y un marinero, en una escena de burdel. Un segundo boceto, una acuarela, se aproxima más al cuadro final, con solo las cinco mujeres y un bodegón en primer término. Picasso realizó dibujos individuales de cada personaje para llegar a estos bocetos, que se conservan en su mayoría.