Obras de arte famosas y sus artistas

Fecha.1890-1892 Técnica. óleo sobre lienzo Formato. 47 x 57 cm Tipología: Pintura de género o costumbrista Estilo: Postimpresionismo Localización actual. MUSEO D´Órsay  Los jugadores de naipes es una obra realizada por el pintor postimpresionista francés Paúl Cezanne entre 1894 y 1895 en óleo sobre lienzo. Cezanne es uno de los padres de la pintura moderna y precursor del estilo cubistaLa escena se desarrolla en el interior de una taberna donde dos personajes dispuestos de perfil se entretienen ensimismados jugando a las cartas. Aparecen serios y pensativos y vestidos con elegantes ropas, sombrero y bigote. Los hombres se apoyan en una pequeña mesa de madera cubierta por un mantel, sobre ella una estilizada botella da paso a la cristalera de la taberna. La botella sobre la mesa divide el cuadro en un eje simétrico quedando cada jugador con sus cartas a cada lado. La luz se refleja en la botella y realza los objetos pintados de blanco, el fondo, ya de por sí abocetado, aparece en penumbra centrando la atención de espectador en la mesa de juego.La paleta cromática es pobre y la pincelada suelta y abocetada remitiendo a la técnica impresionista del non finito. Cortas y densas pinceladas aplicadas en paralelo crean pequeños planos de color en los que domina una amplísima gama de marrones,En la obra de Cezanne el protagonismo se consigue a través de formas geométricas simples. Para Cezanne cualquier objeto podía ser reducido a elementos geométricos, él mismo afirmó que todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono y el cilindro. Así los hombres remiten a formas cilíndricas al igual que el sombrero del fumador, la mesa es un cubo y la botella un nuevo cilindro.La geometrización de sus pinturas hizo que Cezanne fuera el principal precursor del estilo cubista y una fuerte influencia para artistas como Picasso o Braque Cézanne, Los jugadores de naipes

Año 1920-1926 Autor Claude Monet Técnica Óleo sobre tela Estilo Impresionismo Tamaño 21 cm × 602 Localización Orangerie de las Tullerías, París,Realizado por el pintor francés Claude Monet en 1872, y dio su nombre al movimiento impresionista.Monet representa en este cuadro el muelle de Le Havre durante las primeras horas del día. Las únicas formas (las siluetas de los personajes y las embarcaciones), están realizadas con manchas de color.La neblina y el humo de los barcos desdibujan los contornos y se apoderan del cielo en una atmósfera cargada de humedad, lo que nos muestra influencias del pintor ROMántico William Turner autor de Lluvia, Vapor y Velocidad. Realizado a base de rápidas pinceladas y con una gran carga de pintura Monet relega el dibujo en pro del color. Los grandes protagonistas son la luz y el ambiente. Monet llegó a apreciar la sensación atmosférica de tal manera que, en la mayoría de sus paisajes ésta era la protagonista principal quedando el tema relegado a un segundo planoEl encuadre está realizado desde lo alto, de forma que se reduce el cielo y se concede más protagonismo al agua y sus reflejos, en una composición asimétrica en la que los reflejos anaranjados  del sol al amanecer dividen el cuadro en dos partes desiguales. Un sol que, si bien parece que  horade  la neblina matutina a causa de su intenso color naranja, en realidad posee la misma luminosidad que su entorno, de modo que, en una fotografía en blanco y negro, el sol casi no se distingue.El gran protagonista del cuadro es la luz. La obra se ejecuta con pinceladas sueltas y rápidas con el objetivo de captar el momento y los efectos de luz, en este caso los reflejos del sol naciente sobre el mar con esas manchas de color naranja, pinceladas horizontales que se van separando a medida que se acercan al primer plano, o los tres botes de remos en diagonal difuminados por la atmósfera. Los colores predominantes son fríos (violetas y azules) que contrastan por ser complementarios con las zonas cálidas anaranjadas del sol y sus reflejos.La perspectiva carece de importancia y tanto la forma de aplicar el color como el punto de vista tienden a la creación de un espacio plano, bidimensional.

Monet, Impresión: sol naciente

Artista: Camille Pissarro Período: Impresionismo Ubicación: National Portrait Gallery Fecha de creación: 1897 Técnica: Óleo sobre tela Estilo: ImpresionismoEl paisaje urbano había sido para los pintores clásicos un tema siempre secundario. Para los impresionistas, en cambio, la ciudad, y más concretamente la ciudad de París, se convirtió en objeto de deseo y tema de interés artístico por sí mismo. Suelen mostrar las actividades sociales de la burguésía capitalista, sus momentos de ocio, sus fiestas y bailes La obra es un cuadro del pintor francés Pissarro, de 1897. Al final de su vida C tuvo que trasladarse a la ciudad a causa de su creciente pérdida de visión. Fue entonces cuando comenzó a pintar acomodado en una ventana, captando la actividad cambiante de las calles de ciudades Corresponde a sus últimos años de vida, cuando abandona sus experimentos con la  pintura puntillista que había creado Seurat y Signac, y retorna a las formas más puramente impresionistas.Representa un paisaje urbano con pinceladas descriptivas, sumamente rápidas, que consigue dotar a la escena de un aire de instantaneidad y de movimiento. Muestra la perspectiva de la calle en un día de otoño, con los árboles medio desnudos de hojas y  la luz del sol filtrada por las nubes, lo cual provoca sutiles diferencias lumínicas entre los edificios, Para Pissarro, lo importante es el conjunto de sensaciones y efectos perceptivos que la luz provoca sobre los objetos. Por eso las sombras no son siempre negras o grises, como se pintaban en la pintura tradicional, sino que se construyen con otro cualquier color que resulte complementario.La composición se basa en la acusada perspectiva de su punto de vista elevado. Todo lo crea a partir de diagonales de forma que su punto de fuga no está en el centro del óleo, lo que sin duda ayuda a esa sensación de dinamismo.Tanto los coches como los personajes son simples manchas que se superponen una al lado de la otra para sugerir, más que representar, las figuras, que sólo podemos reconstruir desde la distancia. No solo muestra las variaciones de luz y de las condiciones atmosféricas, sino también transmite el propio estado de ánimo del artista.

Pisarro, Atardecer en el Boulevar Montmartre

Título: La raya verde o Mujer con raya verde Autor: Henri Matisse Cronología: 1905 (Siglo XX) Estilo: Fauvismo Técnica: Óleo sobre lienzo Ubicación: Museo Nacional de Arte de Copenhague Es obra del pintor francés Henri Matisse, de 1905. Se corresponde a su época fauvista. Matisse pintó este retrato en 1905, usando como modelo a su mujer, Amélie. Es una pintura de una gran audacia cromática, que rompe con la representación realista de las formas, la luz y la perspectiva, supeditando todo a la potencia expresiva del color. Este lienzo fue exhibido durante el Salón de Otoño de 1905 en París, Los integrantes de aquella exposición serían bautizados como Les fauves ("las fieras") por su uso estridente del color y la distorsión de las formas. El fauvismo se caracteriza por la utilización de colores muy vivos de una forma libre, sin que hayan de ser fieles al objeto representado, hecho que en esta obra queda resaltado en la banda de color verde que recorre frente y nariz de la mujer retratada. En esta obra vemos que el dibujo es esquemático y geométrico, y los colores fuertes y contrastados, además de bastante arbitrarios, como en el fondo de la composición, donde podemos ver cuatro zonas de color distintas y poco realistas. Apenas existe protagonismo de la luz y el fondo es plano, con total ausencia de la perspectiva. Predomina una composición plana con el uso indiscriminado del color: el verde está presente en el rostro, y el violeta en el pelo..Utiliza relaciones de colores complementarios para crear más dinamismo, como en el caso del verde y rojo, tanto para el fondo como en el vestido.
3.Las pinceladas están inacabadas y son expresionistas. Predomina la mancha sobre el dibujo. Matisse, La mujer de la raya verde

Artista: Vincent van Gogh Ubicación: Musée d'Órsay (desde 1986) Dimensiones: 65.0 centímetros x 54.0 centímetros Género: Retrato pictórico Material: Óleo y Lienzo Creación: Septiembre de 1889 Períodos: Posimpresionismo, Arte moderno Autorretrato fechado en 1889 del pintor postimpresionista holandés Van Gogh, activo en la 2ª mitad del Siglo XIX. Se tomó por modelo con frecuencia; se cuentan más de 43 autorretratos, pintados o dibujados, dejando una serie de imágenes de extraordinaria penetración psicológica.El artista se presenta con chaqueta, y no con la habitual bata de trabajo. Todo contribuye en concentrar la atención en el rostro. Sus rasgos son duros y demacrados, su mirada de ojeras verdes parece intransigente y ansiosa. La tonalidad dominante, verde ajenjo y turquesa claro, encuentra una oposición en su color complementario, el anaranjado fuego de la barba y del cabello. Con la inmovilidad del modelo, contrastan las curvas ondulantes del cabello y de la barba, que encuentran un eco amplificado en los arabescos alucinatorios del fondo. Abundante utilización de la gama fría de azules y verdes. El azul y el naranja, colores complementarios, realizan un interesante contraste.  La utilización del color con una función simbólica y el recurso a una pincelada "sensitiva", fuertemente expresiva, como una grafía, alcanzan un extremo en este lienzo. La chaqueta está pintada con signos ondulantes, que excavan la forma y son llevados a la máxima potencia en el fondo. Éste, completamente abstracto, está compuesto no sólo por ondas sino también por espirales y remolinos de color, de un fortísimo impacto psíquico. Van Gogh será un claro precedente del expresionismo y del fauvismo