Masaccio y Brunelleschi: El nacimiento del Renacimiento en la pintura y la arquitectura
Masaccio
Masaccio supone un paso adelante en la configuración del estilo renacentista. Trabajó con Masolino da Panicale y adoptó de Giotto la monumentalidad de las grandes masas, prescindiendo de los rasgos arcaicos.
Sus preocupaciones fueron la representación de la belleza, la introducción de los paisajes, el claroscuro y la figura humana. Masaccio revoluciona la pintura y es muy admirado tanto en vida como posteriormente.
Su obra culminante fue la Capilla Brancacci en Florencia, donde se encuentran dos de sus pinturas: La expulsión del Paraíso y El tributo de la moneda. En ellas consolida los nuevos valores renacentistas: dominio de la masa y el volumen, dando sombra e iluminando las figuras sin dibujar contornos, y una tendencia al naturalismo.
La expulsión del Paraíso
Estos frescos, pintados antes de morir en la capilla lateral, suponen el inicio de la pintura renacentista que se aleja de los convencionalismos góticos. Con Masaccio se inicia la búsqueda de la perspectiva del Quattrocento.
Representa a Adán y Eva junto al ángel que los expulsa. Son los dos primeros desnudos del Renacimiento, inspirados en estatuas clásicas. La diferencia psicológica entre el hombre y la mujer aparece establecida:
- Adán no se cubre su cuerpo. Avanza con gesto firme, cubriéndose el rostro.
- Eva, cuyo cuerpo está modelado por un contraste de luces y sombras, intenta resistirse al mandato del ángel. Avanza cubriendo sin convicción su impudicia, y su rostro revela el dolor del acontecimiento.
Adán y Eva no son solo criaturas avergonzadas ante Dios, sino seres humanos que sufren su alejamiento de la tierra feliz. La vergüenza de Adán se acompaña con el dolor de Eva. En el conflicto entre Dios y los hombres, el pintor se posiciona a favor del hombre, reflejando el drama del género humano.
En conclusión: desnudez, dramatismo, expresividad y una atmósfera perfecta.
El tributo de la moneda
La novedad se encuentra en la aparición de un paisaje natural y arquitectónico y en la inclusión de tres escenas sucesivas en el tiempo. En el centro se encuentra Jesucristo, al publicano que le pide que pague al César el tributo, y a los apóstoles.
En la escena de la izquierda aparece san Pedro extrayendo la moneda de la boca de un pez, y en la escena de la derecha san Pedro y el recaudador, a quien recibe la moneda. Se trata de tres instantes diferentes que corresponden a una misma situación.
Los personajes proyectan su sombra, las figuras se muestran sólidas y se observa la perspectiva a través de líneas oblicuas, por lo que los personajes se mueven con naturalidad. Se representa la máxima realidad, pues incluye arquitectura, usa colores cálidos en los primeros planos para la lejanía, contornos imprecisos y una luz incidente que ayuda a modelar las figuras.
El tema se desdobla: por un lado, la escena religiosa del Nuevo Testamento y, por otro, un mensaje pagano para el contratante.
En conclusión: monumentalidad y expresividad psicológica, figuras macizas que ocupan un espacio a partir de la perspectiva lineal.
Brunelleschi
Iglesia de San Lorenzo
Fue un encargo que recibió Brunelleschi de la familia Médici. Su planta plantea un problema fundamental: la Antigüedad clásica no ofrece una tipología renacentista, por lo que el templo se inspirará en modelos paleocristianos.
Presenta planta basilical, tres naves y capillas laterales. Se emplean elementos clásicos como columnas de orden corintio, arcos de medio punto, bóvedas baídas en los laterales y la cúpula sobre pechinas. En el crucero se sostiene sobre cuatro pilares, y la nave central está iluminada por encima de las laterales.
Las diferencias de esta iglesia con los otros templos góticos son enormes, no solo por el uso de estos elementos clasicistas, sino por el nuevo concepto estático. Se aprecia la obsesión por la armonía: el ábside es un cuadrado regular de la misma medida que el crucero. En el interior, el espectador tiene la impresión de que hay un espejo en el eje central de la nave, y es visible la perspectiva hacia un punto de fuga situado en el altar.
También diseñó el Palacio Pitti, que sería ampliado y modificado en el siglo siguiente. Es de carácter urbano, y el aparejo y almohadillado de la fachada se inspira en la arquitectura romana.