Instrumentos y formas del Barroco: compositores, centros y evolución (siglos XVII–XVIII)

Los instrumentos en el Barroco

Algunos instrumentos vieron sus últimos momentos de esplendor; otros evolucionaron y algunos de los actuales nacen. Hasta mediados del XVIII los autores no especifican los instrumentos, indicando sólo en la partitura el esquema melódico general sostenido por un bajo cifrado. Los instrumentos determinaban el tiempo, adornaban la melodía, variaban las repeticiones y se elegían según la obra.

Los creadores del concierto

Son una serie de compositores que viven en los tres grandes centros del norte de Italia: Módena, Bolonia y Venecia. Para ello fue preciso el virtuosismo violinístico y contar con los magníficos instrumentos de los constructores de Cremona. De los tres centros, el más importante fue el de Bolonia.

El mayor compositor fue Vivaldi. En Alemania destacan Bach y Telemann. En Inglaterra Händel.

Formas instrumentales

Formas instrumentales del primer barroco

Hay formas que son herencia del siglo XVI.

Pequeñas formas instrumentales

Preludio y tocata: son formas para tecla caracterizadas por una melodía exuberante. El preludio tiene un estilo más libre y homófono.

Sonata barroca: Significa música para ser sonada. Surge al usar series de danzas contrapuestas que no se bailan, sólo se tocan. Es pieza polifónica vocal pero interpretada con instrumentos. Su esquema, ordenado por danzas: allemande, corrente, zarabanda y giga.

Sonata bipartita: Esta sonata también se llama monopartita, porque consta de un movimiento dividido en dos secciones que se repiten; en la primera se llega de la tónica a la dominante y en la segunda de ésta a la tónica.

La fuga: compleja composición polifónica en contrapunto de un solo movimiento.

Formas orquestales

En 1600, en la Escuela de Venecia, Giovanni Gabrieli y otros comienzan una nueva concepción instrumental. Se transforma en un conjunto de cuerda como espina dorsal.

Obertura: es una pieza para iniciar una ópera o un oratorio. Las primeras eran fanfarrias para llamar la atención. Existen dos variantes: obertura francesa y obertura napolitana.

Suite: Entre 1690 y 1740 surge en Alemania la suite orquestal, una serie de danzas contrapuestas en ritmo y carácter. Es una forma abierta porque el número de danzas es variable. Destaca Händel.

El concierto: lo interpretan varios instrumentos simultáneamente. Se trata de una forma orquestal compuesta por tres movimientos contrapuestos con este esquema: allegro / lento / allegro. Las variantes que surgen son:

• Concierto orquestal: obra orquestal sin grupos contrastantes.
• Concierto grosso: se oponen el grosso o tutti (ripieno) y un pequeño número de solistas.
• Concierto solístico: contrasta el grosso de la orquesta y un solista.

Bach: los seis Conciertos de Brandeburgo. Händel: conciertos solísticos para órgano y oboe.

El Barroco en los países europeos

• Italia: la práctica instrumental se redujo a oberturas, concerti grossi y sonatas. Destacan Giuseppe Tartini, Tomaso Albinoni y Arcangelo Corelli.
• Francia: estilo rococó, con embellecimientos, concebida para ser degustada en salones nobles e interpretada casi siempre al clavecín. Destacan François Couperin y Jean-Philippe Rameau.
• Inglaterra: violas y violines ocupan un puesto principal, hasta que los segundos van sustituyendo a las primeras. La forma para consort más importante fue la fantasía. Destaca Henry Purcell.
• España: destaca la música para teclado. Nombres representativos: Domenico Scarlatti, Francisco Correa de Arauxo, Gaspar Sanz.
• Alemania: destacan J. S. Bach y Händel.