Información sobre Venus, Flora, las tres Gracias, Céfiro, Cupido y Mercurio

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LA PRIMAVERA DE BOTTICELLI

La técnica usada Para la realización de La Primavera es El temple (mezcla de los pigmentos mediante huevos) sobre tabla. En ella Se representan a varias figuras mitológicas.
Venus junto a las tres Gracias, Que bailan a la derecha de Mercurio. En el lado izquierdo está Flora junto A la ninfa Cloris que es perseguida por Céfiro y en la parte superior nos Encontramos con Cupido.
Esta obra destaca tanto por su gran Realismo que encontramos en las figuras y En el estudio tan detallado de la anatomía, como por su Naturalismo; y también Es un claro ejemplo de retrato. La sensación de movimiento de la obra viene Acentuada por los sutiles movimientos de las Gracias mediante su danza y También por Cloris y Céfiro, es decir, podemos considerar que es una obra Dinámica en gran parte.

En la obra Podemos trazar una especie de triángulo que termina Cupido, bajando hacia Mercurio y Céfiro, uníéndose entre las demás figuras. Las tres Gracias pueden Representar un único personaje. Y el centro de la obra sin duda es Venus.Los Rostros de los personajes reflejan serenidad y paz sin llegar a ser tristes ni melancólicos, Aunque en la mayoría de las obras de Botticelli se reflejan estos sentimientos Y al final de su vida acentuará más el dramatismo.

Las figuras Están distribuidas de la siguiente manera: Venus está junto a las tres Gracias, Que bailan a la derecha de Mercurio, que intenta tocar el cielo. En el Lado izquierdo está Flora, que recoge las flores que Cloris suelta por la boca. La ninfa Cloris es perseguida por Céfiro y en la parte superior nos encontramos Con Cupido, vendado de ojos y que dirige una flecha hacia una de las Gracias; En este personaje también se aprecia la aparición de una nueva técnica: el Escorzo. Venus está representada en el centro y al aclararse la arboleda, tras Ella crea una especie de aureola. Se cree que las tres Gracias representan la Voluptuosidad, la castidad y la belleza.

En cuanto a la Profundidad lo podemos apreciar tanto en el lugar donde está colocada la Venus Y por el paisaje repleto de naranjos. En esta obra predomina la luz sobre todo Sobre los cuerpos de los personajes y en los claros del bosque. También las Flores del suelo tienden a crear un contraste en el color oscuro del bosque y El de las flores. Los colores usados son tanto fríos como cálidos: fríos En el bosque y el cuerpo de Céfiro y cálidos en los ropajes de Mercurio y Venus.

Esta obra, Datada entre 1477 y 1478, pertenece a Sandro Botticelli (1444-1510). Este Célebre pintor opta por la representación de figuras humanas dejando a un lado La perspectiva. Este es un pintor magnífico de Vírgenes, aunque también se Aficiónó a la pintura mitológica. Otras obras suyas son La Caluminia, El Nacimiento de Venus y el Descendimiento.




LA ULTIMA CENA

La última Cena" de Leonardo Da Vinci es un fresco pintado entre 1495 y 1498, en la pared del refectorio De la iglesia de Santa María delle Grazie (Milán), elegida por el duque Lodovico como capilla y mausoleo de familia.

La obra está Bastante deteriorada

LA COMPOSICIÓN

Usando la Horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados Alineados a ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con Ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas; todo bajo un Techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con formas cuadradas (las Ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales Rectangulares). Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su Conveniencia también; prescinde de la iluminación natural que suministrarían Las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo durante este momento que anuncia la traición de Judas, para dar Un contraluz. La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión Hasta la lejanía por el paisaje que desde ellas se aprecia.


EL TEMA REPRESENTADO

La pintura Refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los Discípulos hay un traidorSe forman Cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: Estupor, ira, miedo...



LA GIOCONDA

Es una pintura Del pintor italiano Leonardo da Vinci, realizada al óleo sobre tabla entre 1503 – 1505, y conservada en el museo del Louvre de París. Es una de las más Destacadas obras del Cinquecento italiano, en lo que se ponen de manifiesto las Carácterísticas de este estilo, que se consiguen en la Italia del Siglo XVI a Partir de los ensayos de los pintores del Quattrocento. 

     Se trata de un retrato de una mujer. La mujer aparece sentada, apoyando Sus manos sobre el brazo de un sillón y levemente girada hacia el espectador. Parece estar en una galería que se abre a un paisaje fantasmagórico. La Composición es aparentemente sencilla, pero el giro del campo de la modelo hace Que no parezca inmóvil ni rígida, e incluso las formas del paisaje parecen fundirse Unas con otra. Para acentuar el aire misterioso de la obra, Leonardo utilizó un Complicado recurso, los dos lados del cuadro no coinciden exactamente, Sino que el paisaje del lado izquierdo está más alto que el del lado derecho, De modo que, al centrar la mirada en el lado derecho del cuadro, la mujer Parece más alta y más erguida que si fijamos la vista en la derecha. La Expresión también cambia al observarla desde uno u otro lado y precisamente lo Que más llama la atención de esta ora de Leonardo es la enigmática mirad y la Sonrisa de la modelo, que además carece de cejas y pestañas, por los Experimentos del artista o por una mala restauración.

     Leonardo refleja el estado de ánimo de la mujer, que lleva en velo Extraordinariamente representado cubríéndole la cabeza. Utiliza varias capas de óleo superpuestas para crear las transparencias del velo y de las capas de Paños, utilizando para ello colores muy diluidos. Gracias también a estas capas Superpuestas, Leonardo consigue efectos de luces y sombras que aportan gran Naturalidad al rostro, que de esta forma parece estar respirando.

     El paisaje del fondo acentúa la enigmática sonrisa de la mujer. Tanto el Paisaje como el rostro se caracterizan por el sfumato, es decir, la Difuminación de los contornos, que permite la fusión de los planos creando el Efecto de atmósfera, de perspectiva aérea. Esta misma técnica se puede enfocar En las rocas y en los pliegues del mar. La luz y el cromatismo son más sombríos De lo habitual, dulcifican el retrato y hasta el punto de convertirlo en una Obra inigualable. 




LA ESCUELA DE Atenas

Título: La Escuela de Atenas

Autor: Rafael Sanzio

Cronología: 1510-1511 (Siglo XVI)

Estilo: Renacimiento (Cinquecento)

Técnica: fresco

Soporte: muro

Localización: Sala de la Signatura, Vaticano

Tema: La Escuela de Atenas representa el espíritu de la cultura del Renacimiento y Celebra la búsqueda racional de la verdad. La escena recoge gran número de Filósofos de la Antigüedad. En el centro de la composición aparecen Platón (con los rasgos de Leonardo) y Aristóteles. Platón alza una mano y sostiene con La otra su tratado sobre el origen del cosmos; Aristóteles lleva consigo su Ética y señala con la mano hacia la tierra. En el grupo de la izquierda, Pitágoras, lee, rodeado de un grupo que observa sus explicaciones, destacando Entre ellos Averroes. Más a la izquierda se encuentra Epicuro, que también lee Un libro sostenido por un niño. Heráclito (con el rostro se Miguel Ángel) se Apoya en el primer peldaño de las escaleras y se muestra pensativo. Diógenes el Cínico está tumbado en la escalera y se muestra indiferente a todo lo que le Rodea. Euclides mide una figura geométrica con un compás. Sócrates que aparece Situado a la derecha de Platón, expresa sus ideas a Alejandro Magno. Ptolomeo aparece De espaldas al espectador y sostiene un globo terráqueo, símbolo de su teoría De que la tierra es el centro del universo. El joven con birrete negro que mira Hacia nosotros es Rafael.

Composición: la Escena tiene lugar en un marco arquitectónico inspirados en los proyectos de Bramante para la Basílica de San Pedro del Vaticano y en edificios clásicos Romanos. Las líneas de perspectiva de la composición confluyen en los cuerpos De Platón y Aristóteles, marcando la arquitectura la profundidad. El resto de Personajes parecen estar distribuidos de forma anárquica pero realmente se Puede observar que están distribuidos en grupos, los cuales tienen sus figuras Principales y formas de relacionarse. Rafael es capaz de reflejar con sencillos Gestos ideas de gran complejidad.



EL NACIMIENTO DE Venus

El cuadro que Vamos a comentar en esta ocasión se trata de "El nacimiento de Venus", realizado en témpera sobre lienzo por el pintor Sandro Botticelli En 1485. Se trata, de una obra pictórica del período del Quatrocentto.

El cuadro se Compone de cuatro figuras, tres femeninas y una masculina. El centro de la Composición está ocupado por una figura femenina desnuda que identificamos con Venus. Ésta ocupa el eje central imaginario de un triángulo formado por dos Diagonales creadas a nuestra derecha por otra figura femenina, posiblemente Flora, como podríamos deducir de su cinturón de rosas, o una de las Horas, Vestida con túnica floreada y que parece avanzar hacia la diosa con un manto Que ondea en dirección opuesta al avance de la joven, por el impulso del viento Que soplan las dos figuras del lado opuesto, una masculina y otra femenina Que identificamos como los vientos Céfiro y Aura.

La escena se Sitúa en un paisaje formado por el mar de color turquesa y una orilla con Prados y algunos árboles situados a nuestra derecha. Se trata de un paisaje Idealizado acorde con el conjunto de la escena.

Respecto a la Técnica, predomina el dibujo con unas líneas precisas que limitan los contornos De las figuras, ropas y paisaje. Sin embargo, toda la composición se Caracteriza por la utilización de líneas sinuosas, como el propio cuerpo de Venus que adopta la clásica postura del contrapposto.

Respecto a los Colores utilizados, predomina la paleta clara de colores pasteles como turquesas, Verdes, celestes, rosas y naranjas acompañados de toques dorados en las alas de Los vientos. Una luz uniforme, proveniente de nuestra derecha   recorre la Escena y modela las figuras y el entorno sin grandes contrastes de luces y Sombras.

El cuadro representa El nacimiento mitológico de la diosa Venus. Nacida de la espuma del mar, cerca De Pafos (Chipre), tras ser arrojados por Cronos los testículos de Urano al Mar, Céfiro la colocó sobre una concha nacarada y la condujo hasta la isla de Citera, donde las Horas se encargaron de su educación. Fiel al relato Mitológico, el pintor nos sitúa a los vientos Aura, el viento de Oriente, y a Céfiro de cuyo soplo brotan flores e impulsan a la diosa hacia la orilla, donde La espera probablemente Flora para cubrirla con su manto.

La figura de Venus, muestra el ideal de belleza femenino de la época, con una piel blanca Con tonalidades ligeramente amarillas y rosáceas y una larguísima cabellera Pelirroja que se mueve por efecto del viento.

Con esta obra Podemos observar el interés renovado que surge en la Italia del Renacimiento Por la mitología, no ya como expresión de una religiosidad o creencias vivas, Sino un interés que nace de la erudición y del conocimiento, así como de la Revalorización de la cultura grecolatina. Además, observamos como el desnudo Femenino, más allá de la representación de Eva, asociado al pecado, va cobrando De nuevo importancia en el arte. Si bien, el estilo de Botticelli se vería Superado en el siglo posterior, cabe destacar su valor como pionero en iniciar Una temática a la que luego se acercarán pintores posteriores como Tiziano, Rubens o Velázquez.

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