Impresionismo, Postimpresionismo y Cubismo: Historia, Estilos y Artistas Clave del Arte Moderno

Características generales del impresionismo: captar el instante al aire libre y las variaciones de la luz, el sujeto, el tema y el análisis de la incidencia de la luz (pinceladas rápidas, enérgicas, pastosas y gruesas). En cuanto a la composición, se emplean varios encuadres y puntos de vista, y una distribución del volumen con vacíos. Los colores son puros y claros, sin negros ni sombras; no se usan negros, grises ni marrones sobre azul, verde, naranja, amarillo, rojo o violeta. Se recurre también a colores industriales para lograr variedad y viveza, con fusión en la retina. Las pinceladas son rápidas y sueltas, con yuxtaposición de manchas de color saturado. El dibujo queda relegado, sin perfiles, y se apoya en el estudio teórico de los colores.

Estilo de Monet

Monet practica una impresión realista de la naturaleza que capta su transformación perpetua. Estudia las transparencias y los efectos lumínicos del agua y la atmósfera. Utiliza una técnica rápida que evita fundir los colores y refleja percepciones cambiando el método (pincelada ancha y amplia, o pequeña y fragmentada para los reflejos en el agua). Sus lienzos pueden ser lisos y mates, o empastados. Sus paisajes puros, realizados con técnica rápida, capturan el instante, la luz y un color irrepetible.

Estilo de Renoir

Renoir pinta figuras humanas en paisajes, desnudos al aire libre, escenas cotidianas, naturalezas muertas y un interés especial por la figura femenina. Sus pinceladas son pequeñas, largas, sueltas y rápidas, con yuxtaposición que da un acabado brillante y pulido, en contraste con la pastosidad de la impresión.

El neoimpresionismo

Las revisiones de 1880 suponen una ruptura y una continuidad con el impresionismo. El neoimpresionismo se opone a Monet por su carácter romántico y no científico, y propone romper con lo romántico para replantearlo de forma científica. Sus rasgos principales son:

• El puntillismo: manchas yuxtapuestas que se funden a distancia, con un tratamiento lumínico específico.
• Una composición calculada, opuesta a la pintura al aire libre.
• Una pincelada opuesta a la de los impresionistas.
• El color se aplica sobre el dibujo.
• Un volumen geométrico, casi cubista, poco realista.

Sus principales representantes son Seurat y Signac.

El postimpresionismo

El periodo comprendido entre 1886 y 1907 marca los caminos del arte del siglo XX. El postimpresionismo introduce la psicología en la obra, con un trazo singular y un color personal. La realidad se presenta bajo una visión personal, y en ocasiones se recurre al papel calco sobre la realidad del objeto. Prevalecen la luz y la expresividad. Estos artistas rechazan representar fielmente la naturaleza, que se vuelve subjetiva, y en muchos casos reflejan aislamiento, suicidio, deformidad y huida. Rompen con la tradición y anuncian las vanguardias del siglo XX. Sus máximos exponentes son Cézanne, Gauguin y Van Gogh.

Gauguin

Gauguin no pretende reproducir el mundo entero; sus cuadros son objetos bidimensionales decorativos que expresan ideas y pensamientos, no sensaciones impresionistas. El color es más importante que en el impresionismo porque expresa ideas: es arbitrario y responde a una idea interna de la realidad. Emplea planos puros y grandes superficies, y su uso intenso y delicado del color lo acerca al fauvismo. La línea gruesa delimita los colores, y la luz surge de los propios colores, suprimiendo sombras y volumen, lo que da lugar a una pintura plana, sin perspectiva (sugerida mediante el color), con composiciones simples y estáticas, sin movimiento.

Van Gogh

Van Gogh expresa emociones y crisis mediante pinceladas largas, sinuosas y deformadas, cargadas de pasta. Sus cielos aparecen movidos, sus edificios retorcidos y sus cipreses parecen llamear. Admira el grabado japonés, de donde toma la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las perspectivas exageradas, la ausencia de sombras y los contornos oscuros, con un interior de capas espesas y uniformes. Su color es poderoso e intenso, independiente de la luz, y sus colores puros contrastan con sus complementarios (naranja-azul, amarillo-violeta, verde-rojo). Estos colores no son arbitrarios: expresan a través del color y la deformidad. Obras destacadas: Iglesia de Auvers, La noche estrellada, La habitación de Vincent, Autorretratos y Florero con lirios.

La primera vanguardia (1900-1939)

El periodo 1900-1939 está marcado por dos conflictos: 1) la etapa entre 1905 (primer movimiento de vanguardia) y 1914 (Primera Guerra Mundial), y 2) el periodo de entreguerras (1919-1939), que supone una ruptura en la producción y distribución del arte. Estos acontecimientos influyen en las formas y los contenidos. La inquietud provocada por el movimiento fascista y el auge del partido nazi desde comienzos de la segunda década, la agitación política y social paralela al triunfo bolchevique en Rusia en 1917, el nuevo sistema comunista en la URSS en 1922, y la crisis internacional derivada del crac económico de 1929, que hundió la economía estadounidense y arrastró a Europa, anunciaron un mal presagio. La Guerra Civil española (1936-1939) fue el preludio del conflicto internacional que vendría después.

La sociedad estaba influida por las teorías que fundamentan el pensamiento contemporáneo (Marx, Nietzsche, Freud). La inquietud y el conflicto se compensaban con descubrimientos que influirían en la vida: el desarrollo de la investigación (rayos X, antibióticos, radiactividad, teoría cuántica, teoría de la relatividad general...), la proliferación de máquinas y del trabajo en cadena, el sistema de producción en masa (y de consumo), la velocidad y el ritmo que marcaban la concentración urbana, el desarrollo de los medios de transporte y comunicación, y nuevas modas, música y afición al deporte.

Estos cambios cuestionaron la función del arte en la nueva sociedad e integraron un nuevo vocabulario artístico. El proceso de modernización y actualización se tradujo en el movimiento de vanguardia, con el deseo de encontrar nuevos lenguajes artísticos más cercanos a la realidad, a los temas y a las personas. Los artistas debían encontrar sus propios canales de difusión, una alternativa ética y estética y un modelo de resistencia.

Características

En el siglo XX, la obra de arte no está obligada a imitar nada: busca la novedad, la libertad creativa, la investigación y la experimentación, además de denunciar y criticar la sociedad. Los artistas se agrupan en vanguardias o ismos que buscan nuevos caminos para el arte, puesto que ya no pueden imitar la realidad. Sus propuestas generan rechazo y escándalo, y parten del impresionismo y del arte africano. Se distinguen dos etapas: hasta 1945, con el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo y el surrealismo (1905 a la Primera Guerra Mundial, que renueva el lenguaje artístico mediante el cambio y la experimentación); y de 1945 a 1980, con grupos menos definidos y un centro en Nueva York.

El cubismo

Cézanne influyó de forma decisiva en el cubismo. Este movimiento fragmenta la geometría del espacio y configura la figura en planos interrelacionados, lo que produce una visión simultánea de un mismo objeto desde distintos ángulos y puntos de vista, de modo que no existe un único punto de vista. Se distinguen dos etapas:

• Cubismo analítico (1907-1911): colores de calidad, tonalidades frías y análisis de la forma.
• Cubismo sintético (1911-1914): introduce el collage.

Ignora las leyes tradicionales de la perspectiva y el frontalismo: no hay un primer plano, y el tamaño y el detalle dependen de la importancia que el autor les conceda. La figura se divide en planos que sugieren movimiento y volumen sobre una superficie plana. El volumen y el espacio desaparecen y se aluden con grises. Al principio, el color ocupa un lugar secundario. Los temas son cotidianos: bodegones, retratos e interiores.