Impresionismo: Estilo Pictórico Revolucionario

IMPRESIONISMO

> Surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir. En la segunda mitad del Siglo XIX, se produce un crecimiento económico en Europa.

> La filosofía de entonces es positivista y realista, donde se prueban las cosas y se exige la transformación del mundo. Los pintores impresionistas se centraban en representar fielmente las formas y, con el fin de estudiar los diferentes matices de la atmósfera, era muy típico que realizasen distintas versiones de un mismo motivo. 

El Impresionismo es uno de los estilos pictóricos mas influyentes de toda la Historia del Arte. Constituyó un auténtico punto de inflexión en el panorama artístico de finales del Siglo XIX. 

Parte de una serie de postulados e innovaciones:

• Primacía de la creación y la libertad temática como reacción a los contenidos histórico-narrativos. El tema deja de tener importancia, convirtiéndose en trivial.

• Primacía de la luz en el cuadro. Esta luz es coloreada y abocetada.

• Se prefiere la pintura al aire libre ya que permite captar la visión momentánea y fugaz de los efectos lumínicos y los reflejos de la luz en la superficie.

• No existen formas ni colores permanentes sino formas y colores mudables en función de la luz que reciban, intentando plasmar en el lienzo no una imagen perfecta sino una impresión de lo que se pinta.

• Importancia de los nuevos elementos y puntos de vista que ofrecen la ciencia y el progreso: teoría de los colores de Chevreul, aparición de la fotografía (nuevos encuadres, huida de los puntos de vista únicos, etc.), aparición de los lienzos industriales, los tubos de colores vivos, etc.

• Las sombras se colorean, se destierra el color negro de la paleta y se aplican los principios de complementariedad de colores.

• Se usan colores puros aplicados en pinceladas planas, cortas y yuxtapuestas, de manera que los colores y las formas no se mezclan en el lienzo, sino en la retina del espectador. La paleta se reduce a los colores primarios y secundarios.

• Se utiliza exclusivamente la imprimación blanca en los lienzos. Se pinta sobre blanco para respetar la pureza del color

• Toma de conciencia de los nuevos tiempos, de la modernidad: vida y paisajes urbanos, velocidad, fugacidad, disipación frente a solidez, permanencia, etc.

• Los impresionistas experimentaron con los colores y sus asociaciones tratando de plasmar directamente las impresiones que las escenas cotidianas dejaban en la retina del pintor, cobrando importancia aspectos anteriormente no tenidos en cuenta, como la pintura del natural al aire libre, los efectos de la luz abocetada sobre las superficies, los juegos dinámicos de luces y sombras, etc.

▪ El tema deja de tener importancia, pasando la pintura a convertirse en la protagonista en sí misma, al margen de lo representado, y se plasma en los lienzos la vida parisina, los espectáculos, las aglomeraciones, los efectos de la luz y las sombras, los pavimentos mojados, las atmósferas interiores, etc.

• Cobra mucha importancia en la época la difusión de las estampas japonesas, que muestran una pintura distinta, hecha en colores planos y nítidos y líneas claras.

Antecedentes del impresionismo

• El movimiento realista surgido en Francia a mediados del Siglo XIX. 

• La pintura al aire libre ya había sido postulada por los artistas de la Escuela de Barbizón.

• El tratamiento del color de artistas anteriores como Eugene Delacroix, William Turner, Diego Velázquez y Francisco Goya.

• Las teorías sobre los efectos del color de Eugene Chevreul y Charles Blanc, quienes estudiaron los fenómenos relacionados con la luz y el color.

El término "impresionista" fue utilizado en 1874 por el crítico de arte
Louis Leroy, al comentar un paisaje de Claude Monet, que muestra el nacimiento del sol en los muelles del Havre.

La nueva etiqueta conténía una carga despectiva y englobaba las telas pertenecientes a 30 artistas rechazados de los certáMenes oficiales. 

El impresionismo nace como una derivación del Realismo. Si el Realismo pinta la existencia, mediante una temática social comprometida, el impresionismo se basa en la apariencia. Los nuevos pintores se desentenderán de la realidad y se centrarán en la sensación. La sensación es la fuente de todos los conocimientos, de ahí que se desdeñe la forma. 

Los pintores impresionistas no tendrán conciencia del objeto, que es un puro pretexto, y los títulos de sus obras serán convencionales. Pintura puramente sensitiva, es lo más opuesto a la pintura clásica occidental, que siempre ha sido una creación del cerebro.
El Realismo había supuesto un culto a la materia, como realidad inmediata. El impresionismo negará esta realidad; incluso alcanzará una total desmaterialización.  

CLAUDE MONET (1840-1926)

Es quien verdaderamente define el impresionismo, es el paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo efectos cambiantes de la luz y el color en horas y estaciones diferentes.

Las telas de la "Catedral de Rouan" son la más fidelidad absoluta al movimiento impresionista.

Su pasión por la atmósfera lo condujo a diferentes ambientes europeos.

Una consecuencia de esta ambición estética fue el "serialismo": varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y el color. Las telas de La Catedral de Rouen son más de cuarenta, casi siempre observadas desde el mismo ángulo, y en ellos la desmaterializada fachada de la catedral nos presenta siempre un aspecto diferente.

Otra serie muy famosa:
"Ninfeas", consisten en doce telas de nenúfares sobre el agua, donde las formas aparecen disueltas en charcos de color. Cualquier pretexto le sirve a Monet para mostrar su concepción fluida de la naturaleza. 

De cerca sus telas vibran con listados de rayas anaranjadas, rojas, azules y amarillas

Berthe Morisot fue una pintora francesa, fundadora y figura clave del movimiento impresionista.

Sus esfuerzos por plasmar las sensaciones de visión mediante una compleja red de pinceladas quebradas la colocaron en la vanguardia de su época. 

Su voluntad de romper con la tradición, la trascendencia de sus modelos y su capacidad la convierten, para algunos autores, en “la gran dama de la pintura". 

Fue la pintora cuyas obras integraron más exposiciones impresionistas originales.

Fue relegada a un segundo plano por los historiadores del arte, más específicamente a la categoría de artistas femeninas, por su temática de la vida cotidiana (mujeres, niños y escenas domésticas).

Morisot pintaba la inmediatez. Como una mujer de la alta burguésía, estaba habituada a escenas domésticas, deportes campestres y un amplio círculo de mujeres y niños. 

'Espejo psiqué' (Óleo sobre lienzo)

- Representa un viaje, uno que no implica salir a ningún sitio, sino entrar en él. 

- El tema de la mujer arreglándose ante el espejo no era entonces nada nuevo.

- Esta escena se había pintado con dos objetivos, contradictorios pero a menudo concurrentes: la amonestación por el pecado de la soberbia (a la mujer) y la obtención de placer para el ojo del espectador (invariablemente un hombre).

- Este 'Espejo psiqué'  se presentó con éxito en la Exposición impresionista de 1877. Era la única mujer de la muestra; dos años después se uniría también Mary Cassat. 

- Los ojos de la mujer del cuadro no contemplan de frente su imagen reflejada en el espejo, porque no es esa imagen la que quieren aprehender, sino otra que se está generando dentro de su mente (su “psique”).

- Sexualidad  (representación, su configuración y sus efectos).

-
Mirarse a una misma, al interior de una, y hacerse preguntas.

MARY CASSATT fue una pintora y grabadora estadounidense. 

> Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

> Fue una mujer de tendencias claramente feministas

> Evitó el costumbrismo en sus obras, a pesar de las escenas domésticas y maternales, gracias a la dignidad con la que miró a las mujeres.

"Niña en sillón azúl"

> Pincelada suave y su exquisita elección de colores han hecho de sus pinturas que sean cotizadas entre los coleccionistas de arte.

> Recibíó influencias en su estilo del arte Japónés. 

> El blanco vestido de la pequeña contrasta con las tonalidades azules de los sillones. La luz penetra por los ventanales del fondo, cubiertos con unos visillos blancos que tamizan la intensa luminosidad.
Todo lo que rodea a la pequeña se difumina.

Japonismo

> Influencia de las artes niponas en las occidentales. El arte tradicional Japónés (en especial el ukiyo-e), al estar en contraste directo con la tradición artística occidental, fue asumido por la pintura rupturista del Siglo XIX y las vanguardias del Siglo XX

> Ukiyo-e; Carácterísticas:

 Es un género de grabados (realizados mediante xilografía) producidos en Japón entre los siglos XVII y XX;
Falta de perspectivas;
Temática variada: paisajes, teatro Kabuki, escenas cotidianas…;
Humor y ternura en el tratamiento de los temas;
Colorido variado;
Libertad de composición al colocar a los sujetos descentrados.

El Japonismo comenzó con la moda de coleccionar arte Japónés, en particular estampas (ukiyo-e).> Artistas de ukiyo-e: Utamaro, Hokusai, Hiroshige y Eisen.

LA PINTURA ESPAÑOLA DE FINALES DEL S.XIX

Es difícil encasillar a los pintores españoles de finales del Siglo XIX en una tendencia artística concreta.

> No pertenecen a una escuela o estilo puro sino que reciben influencias de otras corrientes.

> Las novedades llegan tarde y el gusto por el costumbrismo, el regionalismo y la temática localista continua.

> La mayoría parten del Romanticismo y del Realismo, el Impresionismo llega tarde. 

> Suelen tender a una técnica “contaminada” al recibir influencias de otras corrientes como Postimpresionismo, Simbolismo, Modernismo, etc.

> Destaca toda una generación de pintores como Regoyos, Zuloaga...

Ignacio Zuloaga

Último maestro de la pintura española

• Tras pasar por Roma y Londres, vivíó un tiempo en París. 

• En sus pinturas de la «España Negra», llenas de desagradables campesinos y mujeres con mantilla, mostró y criticó la realidad de un país en el que la gran mayoría de la población era analfabeta y cuya industria se encontraba a años luz de la de los demás estados europeos.

• Ese estilo pesimista y oscuro, radicalmente opuesto al luminismo predominante en esa época, no era del gusto de los entendidos. 

• Es por todo esto que su obra fue polémica y discutida en su época, por la crudeza de su dramatismo, de un Realismo y expresionismo casi obsesivo por plasmar en sus lienzos la crónica social de la época.

Joaquín Sorolla

Es el pintor de mayor proyección. Pasa por distintas fases, una primera costumbrista y realista y una fase en la que en sus lienzos plasma la técnica impresionista, la luz mediterránea y la pincelada suelta como se observa en retratos y paisajes.

• Fue uno de los pintores españoles más prolíficos.

• Fue etiquetado de forma errónea como impresionista, cuando en realidad su estilo más maduro se puede encuadrar mejor en el luminismo.

• Como los impresionistas, le gusta trabajar al aire libre. 

• Su trabajo combina la pasión por el reflejo del instante y la luz, carácterística del impresionismo, con aportaciones personales (como la pincelada larga y o el uso de tonos tierra y negros).

> Su uso del blanco como uno de los colores protagonistas, ha logrado hacer que sus obras tengan una luminosidad inigualable y una marca propia que lo distingue fácilmente de sus pares.

> El más importante aporte de Sorolla fue la pincelada fluida y el colorido con el que desarrolló un auténtico estilo vanguardista, tintado de las inquietudes culturales y filosóficas de la época.

> 1911, La Hispanic Society de Nueva York le encarga la realización de catorce paneles para decorar una de las salas de su sede. El mismo pintor definirá este trabajo como “la obra de su vida” y le dedicará todo el esfuerzo de sus últimos años.

NEOIMPRESIONISMO O PUNTILLISMO

> George Seurat aspira a dar al Impresionismo una base científica, por lo que su obra es cerebral. Su técnica es el Puntillismo, es decir, que pinta puntos homogéneos de color sin mezcla que producen un encadenamiento continuo de contrastes elementales. Su obra más conocida es Una tarde de domingo en la Grande Jatte.

Simbolismo

> Es una corriente artística (principalmente literaria y pictórica) que expresa a través de símbolos el mundo interior, los sentimientos, la fantasía;
Cultivan el subjetivismo (Antirracionalismo, Espiritualidad, Ambigüedad… Figuras que brotan del subconsciente;
Utilizan el símbolo como instrumento de comunicación;
Representan escenarios oníricos, sobrenaturales, ajenos a la realidad, con una atmósfera poética, inquietante; Se inspiran en la mitológica, literatura, religión…; Se obsesionan con la representación de la belleza idealizada, refinada, perfecta, tienden a pintar cuerpos andróginos; Es un arte destinado a las élites intelectuales; Desde el punto de vista técnico vuelven al academicismo: dibujo meticuloso, delicado, figurativo, colores fríos, predominio del azul. Detallismo;
Pinturas ricas en ornamentación.

> Los autores más destacados son: Gustav Moreau, Odilon Redon...

POSTIMPRESIONISTAS CEZÁNNE, GAUGUIN, VAN GOGH y TOULOUSE-LAUTREC

POSTIMPRESIONISMO

Es importante en la Historia del Arte porque, con sus innovadores propuestas, abre el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia. El Fauvismo, Cubismo o Expresionismo no se pueden entender sin la influencia de los Postimpresionistas.

Paúl CEZANNE

> Cézanne es uno de los pintores que más influyó en la formación de las vanguardias históricas de principios del s.XX. Cézanne es considerado el antecesor del fauvismo y un precursor del Cubismo. 

> Variación estilística en la que hay un denominador común: la búsqueda continua de un lenguaje pictórico que le permitiera expresar la intensidad de lo que percibía.

> Se suelen distinguir cuatro periodos en su vida artística:

PERIODO «ROMÁNTICO»

Cézanne nacíó en Aix-en-Provence. Sus inicios como pintor fueron duros. Estos primeros trabajos de Cézanne eran de un estilo un tanto expresionista. Solía utilizar el impasto, y con frecuencia aplicaba el óleo con espátula.

(Retrato de Louis-Auguste Cézanne)

PERIODO«IMPRESIONISTA»

Utilizaba el color para dar forma a su experiencia visual, para tratar de armonizarla pictóricamente con la Naturaleza. Cézanne buscaba representar los objetos con su densidad, con su volumen, pintando su estructura íntima, su realidad inmutable.

Utilización de colores más claros.

Cézanne ha asimilado el uso de la luz y el color según los principios del Impresionismo. Pierde la pincelada típica de este estilo. (La casa del ahorcado)

PERIODO«CONSTRUCTIVO»

Cézanne se esfuerza por construir formas materializadas dentro de composiciones equilibradas según una lógica que el artista impone a lo que observa en la Naturaleza, en un intento de captar lo esencial, lo duradero de la realidad.

Pasa por multiplicar planos de color alrededor de los objetos, de forma que describan su estructura geométrica profunda. Es el contraste y la superposición de colores lo que sustituye al dibujo.

El recurso técnico que Cézanne inventa para esta «materialización» de las formas es lo que se ha denominado pincelada constructiva de Cézanne. (El castillo de Medan)

PERIODO«SINTÉTICO»

El estilo se caracteriza, sobre todo por la simplificación de formas. Explora en la Naturaleza, los elementos constructivos y estructurales que le sirvan al artista para edificar un nuevo lenguaje expresivo.

La función de este lenguaje es la de facilitar que el arte no sea una mera copia de la realidad, sino algo duradero y construido con la contribución de la actividad intelectual del pintor. (Las grandes bañistas)

Paúl GAUGUIN

Fue un pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. 

Elaboró lo que el llamaba «simbolismo sintético»: simplificación de formas, combinada con grandes superficies de color plano.

Un uso no convencional y simbólico del color, que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros.

Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental. 

PRIMEROS TRABAJOS

En un principio su pintura estaba muy cercana a los presupuestos impresionistas Sin embargo no tarda en distanciarse del impresionismo, comenzando a experimentar nuevos cauces de expresión.

PONT-Avén

En 1886 y 1888 Gauguin se va a un pueblo de Bretaña llamado Pont-Avén, donde trabaja con jóvenes artistas.

Síntesis personal de varias influencias que desembocaría en la creación de su personal estilo. (El Cristo amarillo)

EN LOS MARES DEL SUR

> En los últimos años decide irse a vivir a Tahití.

> Su intención era llevar una existencia más sencilla y armoniosa, en contacto con el primitivismo, religiosidad e inocencia de los habitantes de las islas de Polinesia. Quería ir allí en busca de inspiración.

(Mujeres tahitianas)

VICENT VAN GOGH

Vincent van Gogh fue un pintor de vocación tardía..

Recibíó influencias de los impresionistas, del divisionismo y de los simbolistas. Sin embargo, no adoptó plenamente ninguna de estas influencias, sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión. Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración, sobre todo, para el movimiento expresionista.

DE PARÍS A ARLES

Adquiere nuevas tendencias impresionistas, divisionistas y simbolistas le sirven para aclarar su paleta, y experimentar con el uso arbitrario del color con fines expresionistas.
Pincelada suelta, alargada y empastada, que será su marca identificativa en adelante. 

EN ARLES

En busca de un paisaje más luminoso, bajo un sol más fuerte. En esa parte de su vida se dedica a pintar el paisaje provenzal con pasión y con una dedicación obsesiva.

EN EL PSIQUIÁTRICO

Vincent, preso de un ataque psicótico intentó agredir a Gauguin. Arrepentido, e cortó el lóbulo de su oreja izquierda, y salíó en busca de su amigo, para ofrecérselo como muestra de arrepentimiento. Debido a este incidente Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital psiquiátrico.
Su obra producida en el psiquiátrico La noche estrellada, junto con los girasoles, es quizá la obra más conocida de Van Gogh.

EL FINAL DE SU VIDA

Vincent seguía teniendo alucinaciones, y un día decidíó salir al campo y se disparó en el pecho.

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC

> Destacó en la representación de la vistosa atmósfera de la vida nocturna, artificial, sórdida y densa.

> Insistíó mucho en las expresiones de las caras, y exageró los rasgos hasta caricaturizar los rostros.
Rechazando el claroscuro y el sentido plástico de la forma, se sirvió de una perspectiva descendente, cortante que recuerda tanto las estampas japonesas como el arte fotográfico de su tiempo. Su cromatismo es teatral y fantasioso, hecho de rojos oscuros y verdes.

> Toulouse-
Lautrec se muestra siempre Franco, ingenio y desinteresado; lo mordaz de su ironía queda suavizado con su aguda sensibilidad, el elemento erótico no está nunca exagerado ni escondido.

BOHEMIA EN MONTMARTRE

> Fuente de inspiración en los lugares públicos de diversión. Este estilo se fundamenta en la línea y en el dibujo con zonas de color amortiguado muy conformes con las estampas japonesas.

INFLUENCIA DE DEGAS

El artista pretende dar a sus trabajos el aspecto sencillo y espontáneo del esbozo y, en realidad, a menudo sus formas se reducen a lo esencial hasta tal punto que parecen casi estilizadas.
Realizadas con amplias pinceladas, sus pinturas y grabados son, en esencia, dibujos lineales. En las figuras, la cabeza aparece más acabada que el resto del cuerpo como si el ojo del pintor fuese el de una máquina fotográfica enfocada hacia un punto concreto de tal modo que el resto quedase Bailarina desenfocado.

SUS ULTIMAS OBRAS

Había empezado a beber más de lo debido y en 1899 tuvo que ser internado en una clínica. Ese mismo año, ilustró las historias naturales de Jules Renard y ejecutó una serie de pinturas sobre la vida circense.