El impacto del romanticismo en la música del siglo XIX

La música romántica

Según Lewis Rowell, el romanticismo cuenta con unos valores importantes y su impacto sobre la música y el pensamiento musical del siglo XIX.

Lo desordenado

Una reacción contra la claridad formal y el racionalismo anterior. Lo que llevó a la música a un aflojamiento general de la forma con respecto al equilibrio coordinado típico del período clásico.

Lo intenso

Rechazo de la moderación y una afirmación de lo exagerado como impulso artístico de importancia

Lo dinámico

Tendencia hacia el movimiento constante, que alcanzó su cúspide en el preludio de Tristán e Isolda, de Wagner.

Lo íntimo

Tendencia a la introspección y contemplación de esencias. Característica que se ve clara en obras de Schumann.

La emoción

En el XIX se estaba de acuerdo en que la música era el arte que mejor expresaba las profundidades de los sentimientos humanos. El compositor se purgaba a través de sus obras.

Lo continuo

Pudiendo ampliarlo a lo infinito, irracional y lo trascendental. La sinfonía romántica corporizó todos estos valores como “Sinfonía de los Mil” de Mahler.

El color

Como lo opuesto a la forma: un énfasis en el valor sónico de la sonoridad individual, por medio del cromatismo y la expansión de la orquesta en un cuerpo más grande y complejo con mayor variedad de timbres

Lo exótico

Llevado a la pintura de paisajes extraños, empleo de ritmos y danzas nacionales y regionalismo melódico y empleo de textos exóticos en música vocal. Literatura persa, hindú…

Lo ambiguo o ambivalente

Significados oscuros y dobles se valorizan. Enarmonía, modulaciones, 7ª disminuida...

Único

Enfatizar la obra individual más que el tipo. Variedad de títulos nuevos para las composiciones.

Lo primitivo

Evocación al espíritu de lo primigenio, del mundo del bosque y mar. El ejemplo es el preludio orquestal de El oro del Rin de Wagner.

Lo orgánico

Sostiene que las obras de arte son análogas a las cosas vivas en tanto presentan los mismos procesos naturales y se desarrollan conforme a los mismos principios naturales.

Estamos ante uno de los cambios de valores musicales más radicales de la historia de la música.

Relación entre artista y sociedad

Cambió de un modo dramático en el siglo romántico en lo que respecta a las nuevas condiciones y las nuevas actitudes.

1. Era del mecenazgo se estaba terminando, el compositor debía, ahora complacer a la clase media. Surgimiento de conciertos públicos.
2. Los roles del compositor y el ejecutante se hicieron más especializados, llegando a separarse.
3. Muchos artistas se vieron enajenados con respecto a la sociedad, hipersensibilización y víctimas incomprendidas del público inculto.
4. Se comenzó a reproducir arte no para el consumo diario sino para la ocasión especial y para la eternidad.
5. Si se consideraba al artista como a un talento sobrenatural y una personalidad hipersensible.
6. Advertimiento del movimiento del arte por arte tuvo un fuerte impacto sobre las actitudes hacia el arte.

Reflexión teórico musical en el romanticismo

Todos los aspectos anteriores, tuvieron muchísimas consecuencias en el pensamiento musical la teoría y la consideración de la música dentro de las artes.

1. El arte se convirtió en una suerte de sobreexistencia, una categoría superior a la realidad física y más allá a del conocimiento racional.
2. La crítica se hizo más difícil y también más necesaria. Toda la dinámica social se vio sometida a la revisión. El ejecutante fue cada vez más un intermediario entre el compositor el auditorio y su papel.
3. El formalismo era aún una presencia importante, pero su influencia es más evidente en la música que en la literatura. Compositores preferían escribir dentro de las restricciones formales de modelos clásicos aunque su música estuviera infundida de un color armónico. Pero el formalismo como filosofía encontró pocos defensores entre valores formales. Así que los sensuales prevalecieron.
4. La estética estaba cada vez más abierta al debate.
5. En el romanticismo se va a producir una revolución sin precedentes en la historia de la música que puede resumirse en dos puntos finales:

a.Jerarquía de las artes de la música es promovida al rango más elevado, el extremo opuesto de la baja condición a la que la estética racionalista la había confiado.

b.Se invierten los papeles en la jerarquía tradicional de los géneros: música vocal cede su posición secular de primacía a la música instrumental. Tal revolución no se manifiesta en primer lugar en la música sino más bien en la teoría, en particular en la estética. Se puede afirmar que la música romántica es en primer lugar una invención de poetas, filósofos y literarios.

Estética romántica de la música

Aquella época la estética era una disciplina muy seria porque el Arte parecía tener mayor importancia que nunca hasta entonces. En Alemania, el arte alcanzó tanta importancia que se llegó a convertir en una especie de religión de carácter profano. Se consideraba que proporcionaba acceso a un nivel de realidad que trascendía de la existencia de una persona corriente.

ETA HOFFMANN

La música pasó a un lugar central que debe iniciarse y comprenderse a través de esta figura. Hoffmann destacó por su ampuloso lenguaje romántico y por su afán de mitificación de compositores, sobre todo Beethoven. Es padre de una especie de historiografía mítica de la música en la que a cada gran personaje se le sitúa en una constelación. Otro aspecto importante es su concepto de romanticismo, ya que lo considera una categoría meta temporal y universal que ha existido, desde el punto de vista musical. A menudo insiste en sus escritos sobre el poder que tiene la música o para evadirnos de las penas y de miserias del mundo terrenal. Los tres grandes artífices románticos son Haydn, Mozart y Beethoven.

WACHENRODER

No fue ni músico ni crítico ni poeta. Solo vivió de 1773 a 1798. Por tanto su obra publicada en 1799 “Fantasías de un monje amante del arte”. Debe analizarse con todas las premisas. Domina la visión religiosa y nos da a entender que la función principal de la música es la expresión de sentimientos. Es imprescindible el abandono, la actitud puramente contemplativa, propia del simple amante del arte, del entusiasta.

Por otro lado la reacción ante el arte no es un sentimiento concreto, sino una forma evidente de acceso al conocimiento divino de Dios. La música reviste, por tanto, carácter sagrado, sin embargo al mismo tiempo, reviste carácter humano ya que es capaz de conciliar y armonizar lo humano y divino. Además la música es el sentimiento en sí y en consecuencia nada se puede decir acerca de la esencia de la música llegando a reflexionar sobre el sentimiento.

Wachenroder es un claro precursor de ideas y tesis que serán las más defendidas en la estética romántica resultando, una postura antitética contraria a todo el filón racional y matemático, iniciado con los pitagóricos que derrumba con su estética de la música basada en lo contemplativo y pasivo y rechazo a cualquier acercamiento analítico. Aunque este siente gran admiración por lo matemático de la música, concibiéndolo como sagrado y misterioso.

SCHOPENHAUER

Expresó su ideal similar al postulado de Hoffman. Creía que el mundo poseía varios niveles de realidad, como todos los filósofos platónicos. Los objetos como los percibimos por los sentidos y la fuerza elemental, ciega y poderosa llamada Voluntad. Lo que no es voluntad es representación. Para él, el Arte es lo que no se puede liberar en un momento del yugo de voluntad que consiste en la contemplación de cosas. La finalidad del arte es convertir lo sensible en voluntad.

La música de Schopenhauer no está considerada dentro de la jerarquía de las artes ya que para él la música es la voluntad misma, estando muy por encima del resto de artes. Como buen romántico consideraba que la música instrumental era preferible y que no debería subordinarse a otras formas de expresión que no le fueran propias. Si estuviéramos ante música vocal con acompañamiento instrumental es obvio que la música debería prevalecer.

SCHELLING

Los filósofos románticos asignan a la música una posición y aún cuando no siempre la pongan en la cima jerárquica, no por ello dejan de atribuirle privilegios singulares.

Schelling en Filosofía Del Arte dice que la finalidad del arte es la captación de lo infinito. Tendríamos dos tipos de artes: uno real y otro ideal, según se manifieste en las artes el aspecto real, objetivo, y físico o el aspecto ideal subjetivo y espiritual: Por un lado artes figurativas y por otro artes de la palabra. Las figurativas son música pintura y plástica. Figurativo no se entiende como representar objetos, sino referencia a la materia, a cuanto es imaginable y puede inventarse.