Historia del cine: desde el cine mudo hasta la nouvelle vague

MRP: Modelo de representación primitivo

Películas de Griffith. Películas que se crearon cuando aún no existía el lenguaje cinematográfico. Piezas cortas.

MRI: Modelo de representación institucional

Gira en torno al largometraje, fundamento básico del lenguaje cinematográfico. Variación de planos y escalas. Nuevas angulaciones. Modelo narrativo que gira en torno a los personajes (aporte de Griffith). Utilización intencionada de la luz. Se comienzan a estandarizar los formatos de cine, lo estandariza Edison. Al principio Edison medio desaparece con la creación del cinematógrafo; pero, luego reaparece creando el material y los equipos para el cine.

Materiales particulares del celuloide

En cuanto a fabricación masiva se refiere, pues él tenía poder sobre la industria. Esto es lo que hace que el modelo Norte Americano se cree como un modelo institucional.

La industria cinematográfica en Estados Unidos

Muchos directores se fueron a la costa oeste, porque los impuestos en New York eran muy caros. Los judíos son algunos de los pioneros de la industria cinematográfica. Las mujeres hacían cine, sobre todo los guiones. Los judíos comienzan a potenciarse. Un potencial económico mayor y crean sus propias salas de cine. Son los primeros en crear salas de cine y piensan en la comida. Aparece la comida y las ganancias cinematográficas se comenzaron a disparar. En Los Ángeles estaba un cartel que decía “Hollywoodland” porque era de un anuncio de inmobiliarios. Cuando se cumplió el plazo, nunca lo tumbaron y comenzó a ser un ícono de la ciudad. Tienen una ambición por explotar la vida de las celebridades. Herramientas propias del mercadeo para promocionar el cine y la industria. “Hollywood” es la única industria donde pueden hacer películas con la plata que ganaron de la película anterior.

Introducción del sonido

Fundamental para que Hollywood crezca de la manera en que creció. Comienza a haber fatiga en la audiencia porque ya no había interés, por ende, al cine le toca innovar. Se les ocurre incluir la innovación técnica. Los que se lanzan a esta innovación son los estudios pequeños, porque no tenían nada que perder. Uno de esos estudios era Warner Brothers, al cual se le ocurre convertir el cine en una experiencia visual y sonora. Por su parte, el Phonofilms, creado por Lee De Forest y Theo Case, realizaba pequeños fragmentos donde proyectaban video con audio. Pero eran cortometrajes y no piezas narrativas. Warner compra un Vitaphone, que era un sistema 'sonido-a-disco', desarrollado por Bell Telephone Laboratories y Western Electric. Toma la película “Don Juan” que estaba en grabación y en vez de poner a una orquesta en vivo, la banda se registró aparte y se reproducen ambas cosas a la vez. Sin embargo, NO se considera la primera película sonora porque no tenía diálogo ni nada. Pero como tuvo medio éxito, en su siguiente película “El cantante de Jazz”, interpretado por “Al Jolson”, donde este improvisa líneas de diálogos antes de interpretar una de sus canciones. Esa línea decía: “Esperen, esperen que no han escuchado nada todavía”. Esto hace que nazca OFICIALMENTE la primera película sonora el 6 de Octubre de 1927. Desde entonces, Warner no realizará nunca más alguna película silente. Esto causa un impacto importante. Los estudios pequeños se unen a este tipo de cine y FOX (que era pequeña en esa época) se une a Warner. Warner y FOX llegan a un acuerdo y dijeron que si el sonido era el futuro; ellos permitirían que usaran su sistema. Las empresas y estudios grandes no se pegan a esta idea y fracasan. El cine cobra tanto aumento económico, que los empresarios se dan cuenta y dicen que las mujeres no podían tomar control de esta industria; entonces las mujeres que al principio estuvieron tan presentes, son dejadas de lado. Esto le da aparición directa a la ERA DEL CINE DORADO NORTEAMERICANO. Aproximadamente en 1929 o 1930. No se puede hablar de esta era sin nombrar a los 5 grandes, quienes fueron los protagonistas de esta era: Warner, 20th Century Fox, R.K.O., MGM, Paramount. El éxito de alguno de ellos le valía bien al otro. Por otro lado, también estaban los 3 pequeños: Universal, Columbia, United Artist. CÓDIGO HAYS: Fue un acuerdo al que llegaron todos. Es un código de conducta para el cine y se formaliza en 1930. A los creadores cinematográficos les decían que o se apegaban al código o no se reproduciría en sus salas, pues tenían libertad de salirse pero no se reproduciría. Perdura hasta 1968. Contenido prohibido: Blasfemia, irrespeto a cualquier credo, nación o raza, desnudos, tanto patentes como sugeridos, tráfico de drogas, cualquier tipo de inferencia de perversión sexual, relaciones internacionales, la esclavitud blanca, enfermedades venéreas, tampoco genitales infantiles, partos, ridiculización de la iglesia. Las películas que no eran aprobadas por el código comenzaron a tener cierto éxito comercial. Esto hizo que se sintiera que el código estaba perdiéndose, cayendo en el desuso. En 1968 FINALIZA EL CÓDIGO FORMALMENTE. Con la caída del código, el sistema de estudio se fue debilitando. Con la caída del estudio, FINALIZA LA ERA DE ORO. Surge la comedia física.

Comedia física

:

·BUSTER KEATON: Recordado por sus grandes hazañas de riesgo.

Tenía un rostro bastante serio. Era un actor de comedia que hacia todas las cosas con cara de serio. Le decían “La Parca” por su rostro sombrío.

-Sherlock, Jr (1924)

-The Navigator (1924)

-The General (1926)

·CHARLIE CHAPLIN:

-La emotividad y sentimentalismo era un punto muy importante para las películas de Chaplin. Además, es esto lo que lo diferencia de Buster.

-“THE KID” (1921): Fue la que lo llevó a la fama. Su personaje era el de un vagabundo.

-“The Gold Rush” (1925)

-“City Lights” (1931): Fue una de las obras maestras de Chaplin.

-Modern Times (1936)

-“The Great Dictator” (1940): Primer película de Chaplin con la que dio el paso al cine sonoro. Supo adaptarse y acostumbrarse al cine sonoro.

-Sale de USA por problemas políticos y deja de grabar tantas películas de cine sonoro.

·Con la aparición del sonido, la comedia física pasa a ser una comedia más teatral. Es decir, la comedia viene dada más por lo que la persona decía y no por sus acciones.

EL WESTERN

·Uno de los género que fue cayendo con la era dorada.

·No se diferencia por su tema ni estructura, sino por su entorno, el contexto en el que se desarrollaba.

·El tema que recurre la gran mayoría de los Western, es que el viaje del héroe va a ayudar a terceros. Él no va a resolver su problema, sino el de los demás. El héroe es un personaje catalizador.

FILM NOIR O CINE NEGRO

·No se dieron cuenta que estaban haciendo un género. Creían que hacían melodramas.

-The Maltese Falcon (1941)

-Laura (1944)

-Leave her to heaven (1945)

-The third man (1949)

-The night of the hunter (1955): Los personajes centrales eran niños.

CARACTERÍSTICAS DEL CINE NEGRO:

-Iluminación en clave baja y contrastada.

-Distorsión visual.

-Narrativa en torno al crimen, compleja y a menudo no cronológica.

-Uso de la voz en off en primera persona.

-Antihéroe y antigüedad moral.

-Tono pesimista.

-Literatura negra (HARD-BOILED)

-Pierde popularidad rápido. La época más marcada fue en los años 40 y 50.

-La oleada de cineastas francés, recatan el Cine Noir.

-La mayoría de los personajes malvados de este cine siempre triunfan.

WALT DISNEY

·“Blanca nieves y los 7 enanitos” (1937)

-Al principio, el cine animado eran puros cortos; pero Walt Disney hace el primer largometraje animado de la historia y a color.

·El primero corto donde sale Mickey es realmente el 2do, porque el primero era sin sonido y cuando se iba a estrenar, salió el sonido y prefirió no estrenarla ya hacerle color.

·Nadie se atrevió a hacer algo tan grande como Disney, la competencia no le llega a los talones.

·Ayuda a popularizar el color.

EL COLOR

·El color no se hace verdaderamente popular sino hasta 1939 con “El mago de Oz” y “Lo que el viento se llevó”.

·TRICOMÍA: Era el proceso en el que se capturaba el color. Era la unión del Rojo, Verde y Azul.

·TECHNICOLOR: Procedimiento usado en cinematografía que permite reproducir en la pantalla el color de las cosas. Solo una película realmente buena lo podía usar.

·Para el momento, valía la pena invertir en el color porque solo lo podían ver en el cine y no en su casa.

ORSON WELLES

·Agregó y aportó muchísimo a las tomas de grabación.

-Citizen Kane (1941)

-The magnificent Ambersons (1942)

-The Lady from Shanghai (1947)

-Touch of evil (1958

EL CINE DE LA POSTGUERRA

ITALIA:

·Italia está bajo el control del Facismo y el cine de Mussolini es diferente, porque en lugar de aproximarse a la propaganda, Mussolini prefirió que el cine se convirtiese en un mecanismo de distracción de la audiencia para olvidar las penurias.

·PEPLUM volvió a recuperar la fama.

·La comedia tenía mucho parecido a la comedia de Hollywood.

-La comedia italiana iba a la misma fuente que Hollywood, la mayoría adaptadas de autores húngaros.

-Estas comedias recibieron el nombre de “TELEFONI BIANCHI” (Teléfono Blanco). Se convirtió en el estilo cinematográfico de la era de Mussolini (-43).

-Diálogo muy rápido y mu teatral.

-Se rueda en ser como la comedia de Hollywood.

-Entorno próspero: Personajes de clase alta. La gente rica tenía teléfono blanco.

-ESTO NO SE PARECÍA A NADIE EN ITALIA DESPUÉS DE LA 2DA GUERRA: Fantasía, paraíso; pero la realidad seguía afuera.

-Las personas iban a las salas. Nadie los forzaba.

-El público deseaba escapar de la realidad y por eso iban al cine.

NEOREALISMO ITALIANO (1943 – 1952)

·Entra en el mismo año que cae Mussolini.

·Surge como una respuesta de cine “tipo americano” que se estaba haciendo en Italia, porque no reflejaba la realidad.

·NO es una escuela formal.

·Hay que mostrar la realidad de Italia: NO la de otros lugares: IDENTIDAD.

·El hijo de Mussolini es el jefe de la organización cinematográfica en Italia.

·Al público no le gustaba el neo-realismo: “Trapos sucios fuera, NO”.

·Internacionalmente, esta tendencia fue muy bien recibida.

CARACTERÍSTICAS DEL NEO-REALISMO:

·Actores no profesionales: Gente de pueblo interpretándose a ellos mismos o a realidades que conocen.

·Localizaciones pre-existentes y sin intervenir: Reales. Captura tal cual la realidad, lo feo, lo duro es lo real.

·Personajes de las clases sociales bajas: Al neorrealismo le interesa capturar las historias de esta gente, no del ideal.

·Estructura dramática rutinaria: Narrativas del día a día del pueblo.

·La obra (y luego la audiencia) como testigo de la realidad. Quieren que la audiencia se involucre.

·Para los autores neo-realistas, este género era un grito de ayuda: Los trapos sucios se muestran afuera para esto.

LUCHINO VISCONTI:

·Primer autor neo-realista. Otros dicen que le falta mucho. Aristócrata que empezó a interesarse por el pueblo.

·Visconti dejó el Neo-realismo de lado. De hecho, su película más importante “El Lado Pardo” no es Neo-realista.

-Obsessione (1943): Primera película neo-realista. Fue mal vista por el fascismo y la iglesia.

-La Terra Trema (1948): Adulterío de una mujer casada y un trabajador soltero (Mecodrama). Complot para asesinar al marido.

-Bellisima (1951): Hay muchos elementos del teléfono blanco (Sets, actores). Todavía Mussolini estaba en el poder. Inusual, contemporánea y satírica: Inusual en el neo-realismo.

VICTORIO DE SICA:

·Representante más importante del neorrealismo.

·El realismo es una trampa. Es una mentira.

·LADRI DI BICICLETTE (1948): El ladrón de la bicicleta

-Le interesa el ciudadano de a pie: Niño persiguiendo a un extra.

-Indiferencia por parte de la autoridad: Prevalece en el Neo-realismo.

-Énfasis en el niño: Su sufrimiento.

-Ya solo por la música extradiegética.

-Mucha poesía.

·UMBERTO D (1952)Le regala una frecuencia completa.

-Dicen que mató el neo-realismo: No había nada que decir. Acciones cotidianas. Ej: Anciano que pierde a su perro.

ROBERTO ROSELLINI:

·Trilogía de la guerra de Rosellini (cómo vive el pueblo la realidad de la guerra)

·ROMA, CITTÁ APERTA:

-Excepción de la regla bien recibida por la audiencia italiana.

-“Ciudad abierta: Una ciudad que después de la guerra es prestada para la ocupación: Roma lo fue.

·PAISÁ (1946): Es la segunda película de la trilogía.

·GERMANIA, Annozero (1948): Alemania, año cero

-Después de que Alemania pierde la guerra, 1946 es el año cero de Alemania.

-La destrucción es total.

POST NEOREALISMO

FEDERICO FELLINI:

·Trabajó con varios autores neorrealistas, pero va a tender más al discurso subreal, de los sueños, de lo grotesco (“Telinesco”)

·Muy autobiográfico: Circo espectáculo.

·Todavía se acerca al neorrealismo con estas películas:

-La Strada (1954)

-Le Notti Di Cabiria (1957)

·Se alejan por completo del neorrealismo:

-La Dolce Vitta (1960)

-8 ½ (1963): El personaje central es Fellini. De esta película viene la palabra paparazzi: Fotógrafo de espectáculo.

MICHELANGELO ANTONIONI:

·Sus películas no resuelven sus conflictos: Insatisfacción en la audiencia.

·TRILOGÍA: Los personajes están hartos de su vida

-La Avventura (1960)

-La Notte (1961)

-L’ Eclisse (1962)

·También están:

-Blow – up (1966)

-The Passenger (1975): Sale Jack Nicholson. Financiada por USA.

·Bastante radicales: Años 60, años de rebeldía. Precursores de la idea de revelarnos a lo clásico.

CINE BRITÁNICO DE POSTGUERRA

·Bastante diferentes a las películas italianas.

·Mentalidad: “La vida sigue y el show debe continuar”.

·Constituyó una explosión creativa.

·No nos queda mucho pero tenemos cerebro, por tanto hay mucho que dar.

·Cine de calidad: ÉPOCA DORADA.

DAVID LEAN:

·Cineasta más influyente de todos los tiempos.

·Producciones de corte épico.

·Uso brillante del lenguaje cinematográfico: Casi al nivel de Orson Wells.

·Ideas variadas.

-Brief Encounter (1945): Mujer que viaja en tren y siempre se encuentra con un hombre: terminan amándose. Casi del adulterío.

-The Great expectations (1946) (Basada en libro)

-Oliver Twist (1948) (Basada en libro)

-The bridge on the river Kwai (1957)

-Lawrence of Arabia

-Doctor Zhivaso

MICHAEL POWELL & EMERIC PRESSBURGER

·Dejan en entredicho la concepción de que el director debe ser uno solo.

·Pressburger: Ideas narrativas/Producir/Montaje

·Powell: Mejor director/ Mejor guion.

·En 3 décadas realizaron 25 películas.

·Productores: “Los Arqueros”.

·Gasto increíble de recursos.

-The life and death of Colon el Blimp (1943).

-A metter of life and death (1946): Color: Mundo real. B/N: Cielo.

-Black Narcissus (1947): Ballet + Cisne negro.

-The red shoes.

LAURENCE OLIVER:

·Películas basadas en Shakespeare.

·Cine teatral: Actores del cine británico: más importantes.

-Henry V (1944)

-Hamlet (1948)

-Richard III (1955)

RETOMAMOS HOLLYWOOD

ALFRED HITCHCOCK:

·A pesar de ser británico, su trabajo más exitoso lo realizó en Hollywood.

·A veces se le conoce como el padre del suspenso.

-The Lady Vanishes (1938): Última de sus películas en Inglaterra.

-Rebeca (1940): Primera película norteamericana y fue reconocida por la academia.

-Shadow of a Doubt (1943)

-Lifeboat (1944)

-Spellbound (1945)

-Notorious (1946)

-Rope (1948)

-Strangers on a train (1951)

-Dial M for murder (1954): Realizada en 3D.

-Rear Window (1959)

-To Catch a thief (1955)

-Vertigo (1958): Considerada una de las mejores películas en la historia.

-North by Northwest (1959)

-Psycho (1960)

-The birds (1963)

Características de Hitchcock:

·El hombre inocente: Personas inocentes que están en el momento y lugar equivocado.

·Fascinación por el crimen.

·Tensión y suspenso.

·La cámara como ojo humano: Principal criterio de puesta en escena. Hace sentir al espectador que está espiando la vida de los extraños.

·Mac Guffin: Algo que impulsa la trama, porque uno o más personajes lo buscan.

·Twist: La narrativa gira.

·Uso extenso de la simbología: Lleno de montaje intelectual.

·Humor: Por lo general, negro y lleno de ironías; PERO NO ES CINE NEGRO, es bastante diferente.

FRANK CAPRA

·Puesta en escena muy simple.

·Se centra más en el tema, los personajes.

·Planos muy largos, a veces fijos, a veces muy abiertos.

·Era optimista, solo tenía cosas buenas que decir.

-It happened one night (1934): Ganó un Óscar.

-Mr. Smith goes to Washington (1939)

-Arsenic and old lace (1944): Dos viejitas que se dedican a matar gente por compasión.

-It’s a wonderful life (1946)

BILLY WILDER:

·Filmografía más extensa.

·Casi todas sus películas son grandes clásicos.

·Tiene dos etapas:

1)Cineasta ecléctico que prueba muchas cosas

-Double Indemnity (Pacto de sangre) (1944): Película de cine negro y más importante del género.

-The lost weeknd (1945): Película sobre la adicción mejor lograda.

-Sunset boulevard (1950) (El ocaso de una estrella)

-Ace in the hole (1951) (Cadenas de roca)

-Stalag 17 (1953) (Infierno 17)

2)Se va más hacia el humor

-The Seven years itch (1955) (La comezón del 7mo año): Marilyn en la alcantarilla con la falta levantada.

-Witness for the prosecution (1957) (Testigo de cargo)

-Some like it hot (1959) (Una Eva y dos AdanesyAlgunos prefieren quemarse): Atacó al código; pero tuvo tanto éxito que el código se dio cuenta que no servía.

-The Apartment  (1960) (Piso de soltero): Le presta su apartamento a su jefe para que tuviera su adulterio.

CINE ÉPICO

-Gone with the wind (1939)

-The ten commandments (1956)

-Ben – Hur (1959)

-Spartacus (1960): Más criticada pero con más auge.

-Cleopatra

GUERRA FRÍA Y CIENCIA FICCIÓN

·Los recursos eran muy elevados por eso las películas eran de baja calidad.

·Este auge se da por la guerra fría.

·El espionaje creció muchísimo en esta época y por eso se va acabando la ciencia ficción.

LA NOUVELLE VANGUE (Francia)

·La nueva ola.

·Le abre las puertas a muchos cineastas.

·Todavía a finales de los años 50 están en época de recuperación por la guerra.

·Debido a la guerra, los grandes clásicos llegaron más tarde a Francia.

·Se crean cine club para reunirse y hacer análisis serios sobre el cine. Estos son creados por jóvenes franceses.

·Algunos lograron constituirse en revistas cinematográficas. Sus discusiones se convertían en publicaciones.

·CÁMARA – STYLO: Alexandre Astruc, 1948. En este artículo escuche algunos postulados:

-La vanguardia se aproxima.

-Medio de expresión como las otras arte, particularmente la literatura.

-El cine se apartará de la tiranía de lo visual.

-Pronto no habrá UN cine, sino cines.

-Desaparición del guionista.

-El cine no solo está ahí para narrar la historia, sino para hablar de cualquier cosa.

·Revista “Cahiers du cinema” (cuadernos de cine)

-La revista más importante de los cine club.

-Fundada por André Bazin, Jacques Doniol-Valcroze y Joseph-Marie lo Duca en 1951.

-El más importante fue André Bazin, quien no fue cineasta sino crítico.

FRANCOIS TRUFFAUT:

·De los articulistas de Cahiers, él fue el más importante.

·Habla de la importancia del autor.

·Cine de vanguardia.

·Al principio era muy radical con el cine que él quería que hicieran; pero de viejo deja de ser TAN radial.

-Les Quatre Cents Coups (1959): Los 400 golpes. Primera película de la nueva ola francesa. Luego de criticar cine, decide implementar todo aquello que criticó.

-Jules et Jim (1962)

-Fahrenheit 451 (1966)

·Habla de la política de los autores (1954):

-Estilo único e individual.

-Puesta en escena.

-Obra netamente personal.

-Toda la obra debe ser considerada.

-La película es de un individuo, no de un estudio.

-El director hace la película, NO porque el guionista lo escribió ni porque un productor lo pidió, sino que la hace porque es SU pieza.

-No creen en obras menores. TODOS los autores deben tener la misma línea y el mismo sello.

·Bazin dice que esta política es radical y encierra peligros. Ya que:

-Toda película que haga un autor es buena y NO necesariamente es así.

-Grave que subestimemos películas porque no tiene el sello de un autor.

·Fue una política muy radical, pero útil en su momento. Por ejemplo: Se comenzó a tomar en cuenta el cine negro, otra vez.

JEAN – LUC GODARD:

·De vanguardia.

·Estilo único individual.

·Es la transversión  de todo lo clásico.

·Trasverse cada una de sus películas cada vez más, porque lo que hizo antes se vuelve clásico.

·Inicios del cine guerrilla prácticamente.

·Nace el Jumpcut: Tipo de montaje elíptico, donde en lugar de pasar de un plano a otro, simplemente se suprimen algunos de los fotogramas intermedios en una misma toma.

-A Bout de soufflé (1960): Primera película. “Al final de la escapada”.

-Le Mépris (1963) (El desprecio)

-Bande A Part (1964) (Banda aparte)

*El cine clásico es aquel que sigue las convenciones cinematográficas clásicas. El cine moderno son películas de vanguardia, que no siguen lo clásico*

ALAIN RESNAIS:

·Le importa más el recuerdo.

·Gira en torno a cómo la memoria nos engaña.

·Fue una de las principales figuras de la nueva ola del cine francés, que revolucionó el concepto del montaje y la fotografía.

-Hiroshima mon Amour (1959)

-L’ Année Derniere Á Marienbad (1961) (El año pasado en Marienbad).