Historia del Art Nouveau, Art Decó y Surrealismo en el siglo XX

ART NOUVEAU Y ART DECÓ

A finales del siglo XIX y en las primeras décadas del sXX, comenzaron dos movimientos artísticos llenos de contradicciones y aproximaciones: el Modernismo o Art Nouveau (F.sXIX-1814) y el Art Decó (1918-1929)

Art Nouveau

El Art Nouveau nace con un espíritu de renovación, de creación de un arte joven, libre y moderno, que rompiera los estilos dominantes de la época, presento una idea de ornamentación distinta, su pretensión de unir lo útil con el arte se concretó de una forma más intuitiva que ordenada.

Tenía una estética refinada y decorativa, definida por la elegancia y la belleza plástica. Buscó elementos relacionados con la técnica compositiva y se influenció del arte oriental. Se caracterizó por el uso de líneas curvas y onduladas basadas en formas vegetales y con frecuentes elementos fantásticos.

La imagen de la mujer fue un tema importante y omnipresente (naturaleza humana), se creaba una fusión entre el erotismo seductor y la nobleza del alma.

Art Déco

El Art Déco se inspiró en las primeras vanguardias, las influencias provenían del constructivismo, del cubismo, del futurismo y del propio art nouveau, además del estilo racionalista de la escuela bauhaus. Su significado gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Las formas más usadas fueron el cuadrado, el círculo y el triángulo combinadas con las líneas rectas, onduladas o en zig-zag, crean formas fantásticas e híbridas, como imágenes abstractas, geométricas o figurativas, retoma la figura femenina, con cambios (corte de pelo bob, sombrero encasquetado, vestido suelto y portadora de erotismo e intencionalmente provocativa y seductora), así como las bailarinas estilizadas y descalzas.

Fue un avance elegante, funcional y moderno, la geometría bidimensional es el tema principal y protagonista, el color se nutrió de las experiencias del fovismo y se dio el uso de materiales como el aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón y piel de cebra.

Ambos fueron estilos de corta duración, intensos y complejos, con contradicciones propias o heredadas, capaces de captar los cambios de su entorno e insertarse en ellos generando múltiples alternativas, ambos desaparecen con las guerras.

Piet Mondrian

Evolucionó desde el realismo y el simbolismo, pasando por el Expresionismo hasta la Abstracción. Simplificó la retícula cubista en trazos horizontales y verticales con grandes planos de color buscando reducir la pintura a lo esencial y despojando a ésta de toda referencia a la realidad y rechaza la idea de profundidad. Brodway 1940: Representa el ritmo y movimiento de la ciudad de Nueva York, usando tres colores básicos. Composición en amarillo, rojo, azul y negro. 1921: Al dividir la superficie mediante las coordenadas verticales y horizontales, resuelve en una 'proporción' métrica todo lo que, en la naturaleza, se da como anchura y altura. Sólo queda lo que se da en la tercera dimensión y que son las infinitas sensaciones que varían según el color local, la distancia y la luz.

Theo van Doesburg

Fue el primer artista abstracto que contribuiría a modificar la visión de la Bauhaus.

Arte simplificado y geométrico en el que la pintura, la arquitectura y el diseño estuvieran perfectamente integrados. La visión personal de van Doesburg fue llamada Elementarismo y permitía que las líneas horizontales y verticales fueran coloreadas, desconectadas y diferenciadas en su longitud lo que daba más variedad movimiento y energía. Logra el cambio de un método de enseñanza y una actitud basada en el artesanado al de la estética de la máquina y la producción en masa, que tendría lugar en 1923-25.

Gerrit Rietveld

Arquitecto y diseñador holandés influenciado por el movimiento neoplasticista. Como arquitecto su obra más conocida es la Casa Schröder, es una casa amplia, muy abierta, 'sin paredes' en la que puso énfasis en adecuar forma, construcción y función. Las habitaciones están configuradas con paredes móviles. Presenta los colores característicos del estilo. Este edificio es un claro precedente de la arquitectura Bauhaus.

Su mobiliario se caracteriza por sus diseños desornamentados, geométricos y tendentes a las formas abstractas.

La silla azul y roja es su diseño más conocido. Construida en madera de haya fue diseñada en 1917-23 y realizada en 1930. Las piezas que forman el mueble se entrecruzan en sentido vertical y horizontal lo que lo convierte en una estructura dinámica.

Surrealismo: características

Es un movimiento artístico y literario que surge en Francia en el S.XX, dirigido por Aragon, Elmand y Breton. Una de las principales características del surrealismo es que los sentimientos y las ideas propias son la respuesta a todo, expresa que la imaginación debería ser la musa que todos los artistas utilizaran. Se basa en el erotismo. El surrealismo maneja un humor negro y burla en especial hacia aquellas personas que tienen el poder, sea el gobierno, la iglesia o las clases altas. Se divide en dos corrientes: El surrealismo figurativo por medio de líneas y curvas exageradas (Dalí), mientras que utiliza colores moderados, y el surrealismo abstracto (Miró), ser espontáneo, mucho más liberal y fuera de sentido, utiliza colores muy brillantes, en mayor cantidad rojo, azul y amarillo. Usaban collage, frottage, objetos tridimensionales… El surrealismo busca que todo lo diferente sea considerado 'bello', que la rareza y los elementos que sigan un patrón se acepten a pesar de lo poco convencionales que resulten. De esta manera el surrealismo también busca romper con los estándares de belleza tradicionales.

Hans (Jean) ART

(1887-1966) enlaza con las corrientes principales de principios del siglo XX: dadaísmo, surrealismo y las tendencias incipientes del arte abstracto Su obra gira en torno a dos temas: el mundo vegetal-orgánico y la figura humana. Se produce una transformación desde una figuración surrealista a otra antropomórfica. Combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra creando la escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

Joan Miró

(1893-1983) Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas. La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924). Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son simples, con pocos trazos. Rechaza la perspectiva, el modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples, que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son extraídos de lo irracional. 'Personajes de noche', 'El bello pájaro' descifran lo desconocido a una pareja de enamorados, Mujeres y pájaros en claro de luna. La temática de sus obras gira en torno a los sueños, la luna y las estrellas, la mujer y el hombre, plantas y montañas. Experimentó siempre con técnicas diversas: esculturas, cerámica, tejidos, litografía, escenografía… En su última fase pictórica, sintetiza las formas y pone los títulos más largos, la obra se reduce a juego de colores intensos o contorneados por vigorosos trazos negros. Se aproxima al Surrealismo abstracto como se observa en las obras:

Giorgio de Chirico

(1888-1978) La pintura metafísica de Chirico es el principal antecedente del surrealismo. Crea un mundo enigmático e inquietante, reflejo de la desolación provocada por la guerra. Su pintura se basa en composiciones oníricas, en grandes y misteriosos escenarios arquitectónicos con maniquíes y esculturas vinculadas al mundo clásico. Su obra se caracteriza por: Arquitecturas renacentistas y profundas perspectivas lineales. Perfecto dibujo, recupera las formas. Utilización de luces de atardecer y sombras alargadas. Creación de un mundo misterioso e inquietante donde sólo hay maniquís desnudos en grandes plazas, calles solitarias, casas vacías. Enfatiza la soledad y la búsqueda de la tranquilidad perdida. El hombre, si aparece, es minúsculo. Sus obras representativas son: Héctor y Andrómeda (maniquís abrazados), Melancolía, El enigma de la hora, etc.

JOYAS:

El Art Déco revolucionó el mundo de la joyería, destaca de Luis Cartier, con su modernidad, ponía de manifiesto en su forma de entender la joyería como un complemento más de la moda.

La joyería art déco está caracterizada por la geometrización, combinación de colores y motivos abstractos. Una de las mayores influencias vino por parte del futurismo. Cartier creó el primer reloj de pulsera en 1901, abundaban la versatilidad en las piezas como el broche, brazalete, tiaras…

En comparación con el art nouveau, este utilizó todo tipo de materiales y piedras semipreciosas. La joyería modernista estaba plagada de formas naturalistas inspiradas en la naturaleza y mujeres idealizadas como en los carteles de Mucha.

La riqueza de una pieza modernista en joyería es de un alto valor porque radica, no solo el valor económico, sino la habilidad y creatividad de saber crear una joya, con materiales no nobles y materiales que hasta ese momento no se asociaban a la alta joyería.

Los rasgos más exóticos estaban inspirados en la joyería india, el arte oriental y la iconografía egipcia. Una densa concentración de piedras preciosas engarzadas en oro blanco o platino en líneas claras o piedras preciosas de grandes dimensiones y vivos colores, repulidas a cabujón y engarzadas una al lado de la otra estilizadamente combinando líneas curvas y rectas.

COCO CHANEL

Gabrielle Bonheur, nació en 1883 Francia, Fue una creadora de vanguardia moderna, elegante, sofisticada y libre, que favoreció la independencia de la mujer a través de la indumentaria.

Sus diseños de inspiración masculina tienen feminidad al mismo tiempo. Chanel fomentó el corte de pelo Bob y se arriesgó en sus diseños: acortando la falda, eliminando el corsé, liberando la cintura y favoreciendo la libertad de movimientos.

En 1926 creó su diseño más icónico y revolucionario, un vestido negro de cóctel conocido como, la Petite Robe Noir o Little Black Dress. Destacó por el valor del negro como elegancia y no como un color de luto y servidumbre, fue un diseño clásico que se podía imitar fácilmente.

Le encantaban los pantalones y le horrorizaban las minifaldas y que los hombres y las mujeres vistieran igual por eso creó el largo Chanel, la medida de la falda tenía que ser justo por debajo de la rodilla.

Chanel puso de moda broncearse la piel y se dedicó también a crear perfumes, para ella era tan importante el aroma como la indumentaria. Fue la primera modista diseñadora de joyas con diamantes. En los años treinta empezó a diseñar para Hollywood. Al estallar la II Guerra Mundial cerró su casa de modas, en los años cincuenta reapareció en el mundo de la alta costura con gran éxito. Sus diseños más emblemáticos, aparte del Little Black Dress, son: Las camelias (flores blancas) Los zapatos bicolores (beige y negro) El bolso 2.55 (acolchado) El sastre Chanel en tweed (traje en dos piezas) El perfume Chanel nº 5 Los collares de perlas El rouge Chanel (pintalabios).

Luchó por la igualdad entre hombres y mujeres y fue la personificación de la elegancia, abarcaba la moda, la joyería y el maquillaje.

Creó un estilo imitado por las mujeres de distintas clases sociales. Dejó un legado que hoy sigue estando vigente y es la marca de más éxito de todos los tiempos.