Función y significado de las meninas de velazquez

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Concepto de Barroco y Características Principales:


El termino Barroco significa que es un adjetivo calificativo como recargado. El Barroco es un estilo que se inicia en Roma a finales del Siglo XVI, y se extiende por toda Europa durante el Siglo XVII y y llegando hasta mediados del Siglo XVIII. Representa la máxima exaltación del poder político y religioso de una nueva Europa. Las monarquías absolutas encuentran en el arte un medio de propaganda por el que transmitir a sus súbditos el poder del soberano que se manifiesta, en los palacios. También el catolicismo se sirve del arte para transmitir sus doctrinas(culto a la Virgen y a los santos, exaltación de la eucaristía y de la autoridad del papa...) en oposición a las doctrinas protestantes. Los Papas fomentaron en Roma la creación de edificios donde el lujo y la ostentación se convirtieron en un medio de propaganda religiosa. En el Siglo XVIII nace en Francia, y en relación con la corte, un movimiento artístico denominado rococó. Este estilo es el producto de una sociedad opulenta y se distingue por la construcción de espacios íntimos, de trazado curvilíneo y decorados profusamente recargados con motivos delicados y sensuales. Pero en esa época también se están dando, en los países protestantes, profundos cambios en la ciencia, sociedad... Que se reflejan en el arte. Mientras que en el Renacimiento era equilibrio, sobriedad, Racionalismo, lógica, contención y serenidad; en el Barroco es movimiento, ansia de novedad, búsqueda del contraste, de lo teatral y de lo fastuoso; llama a los sentidos del espectador y quiere fascinarlo.

La Arquitectura Neoclásica:


La pujante burguesía quedara un tanto al margen del gusto rococó por la extravagancia y, la frivolidad. Su afición por la adquisición de conocimientos y por la racionalidad se plasma en una sensibilidad apegada a las formas clásicas de la Antigüedad, potenciando el orden y la severidad, siendo su nueva ideología. Proliferan las nuevas construcciones que contribuyen a mejorar la vida humana, como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques..., pensadas con carácter monumental. La arquitectura del nuevo estilo se caracteriza por; 1) El empleo de los ordenes clásicos. Las fachadas se conciben como las de los templos griegos y romanos. La columna recobra su antigua importancia, y vuelven los frontones poblados de estatuas. 2) El gusto por las plantas rectangulares y centralizadas, tal como las habían usado en la Antigüedad. 3) El uso de enormes cúpulas para cubrir los espacios, siguiendo el modelo del Panteón de Agripa. 4) El abandono del decorativismo y la búsqueda de elementos que provocaran sorpresa en el espectador, propios del Rococó y del Barroco, en favor de la pureza de las formas constructivas. 5) La vuelta de algunas tipologias romanas, como el arco del triunfo, las columnas conmemorativas o las puertas monumentales.

El Postimpresionismo:


Engloban los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo entre finales del Siglo XIX y comienzos del XX. Habían logrado la libertad de poder pintar del modo que ellos consideraban que se representaba objetivamente a la realidad, los postimpresionistas amplían esa libertad y presentan esa visión del mundo mas subjetiva, pintan lo que les parece las cosas. Se creo un tipo de arte, el genio individual que vive de su arte, de la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazado singular, al color personal. Si los impresionistas buscaban captar lo fugaz y la luz, los postimpresionistas buscan captar aspectos mas permanentes como el volumen ``Cezanne´´ o la expresividad ``Van Gogh´´. Al superar la obligación de copiar con precisión las formas y los colores de la naturaleza, los postimpresionistas abrieron un mundo de posibilidades que exploraran, con posterioridad y en profundidas, los cubistas influidos por ``Cezanne´´ para representar los volúmenes, los expresionistas influidos por ``Gaugin y Van Gogh´´ para expresar las emociones, y los fauvistas influidos por ``Gaugin y Van Gogh´´ para hacerlo mediante colores novedosos.

La Muerte de la Virgen, de Caravaggio:


+Presentación; Este cuadro, es de un tema religioso, la muerte de la Virgen.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre el lienzo. Destaca el tenebrismo. Caravaggio ilumina bruscamente lo que desea resaltar y sume en la oscuridad lo que considera menos importante. La luz determina una clara diagonal que viene de la parte superior izquierda y termina en el respaldo de la silla de la parte inferior izquierda. Las tres diagonales contribuyen a dar perspectiva y profundidad al cuadro. La diagonal de la luz y la del cuerpo de la Virgen se cruzan en el rostro de la Virgen, con lo que resulta lo mas importante del cuadro y que atrae hacia el la atención de los espectadores. Los tonos de los colores son oscuros y son adecuados para un ambiente fúnebre y pobre. Las figuras de los apóstoles están representadas con gran Realismo. La escena refleja dramatismo. Este Realismo se convierte en Naturalismo al tratar la figura de la Virgen demasiado humana, de aspecto pobre, con los pies descalzos y el cuerpo hinchado. Parece realmente muerta, ya no es una mujer idealizada como aparecía en el Renacimiento. El Realismo con tendencias naturalistas contrasta con el gran telón rojo recogido que cae del techo. Es un recurso muy usual dotarlo de teatralidad y se busca incrementar el dramatismo del cuadro.

Las Tres Gracias, de Rubens:


+Presentación; Es un cuadro, de tema mitológico. Eran las diosas del encanto, la alegría y la belleza. Solían acompañar a las divinidades del amor y residían en los banquetes, las danzas y el resto de los actos sociales placenteros.

+Características Técnicas y Artísticas; Es una pintura al oleo sobre tabla. La composición es equilibrada, simétrica y adaptada a los modelos clásicos. Escena que busca refeljar lo agradable de la vida. Se logra dar mas unidad al grupo y un movimiento contenido. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, se obtiene el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. Lo que destaca en el cuadro son los desnudos femeninos con cuerpos rotundo que recuerdan a los de Miguel Ángel pero que se ven suavizados por las lineas sinuosas en las siluetas, y el predominio de los colores suaves entre los que destacan los tonos perlas de las carnes blandas. Mantiene su canon de belleza femenina con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas y elegantes. Los colores que utiliza son suaves y cálidos, contribuyen a lograr un cuadro agradable. La luz incide, pero de forma suave, sobre el grupo de mujeres. Las tres gracias están dentro de un paisaje representado de forma muy delicada, con una pincelada muy libre en la que el color esta por encima del dibujo.

La Ronda de Noche, de Rembrandt:


+Presentación; El nombre del cuadro, La Ronda Nocturna, data del Siglo XIX, no es el adecuado, puesto que la escena se desarrollaba, a pleno sol. El origen de este titulo surge de una interpretación equivocada, debida a que, como en esa época el cuadro parecía una escena nocturna ya que esta deteriorado, oscurecido, y cuyas figuras eran casi indistinguibles. Después de su restauración, se descubrió que el titulo no se ajustaba a la realidad, ya que la acción no se desarrola de noche sino de dia, en el interior de un portalón en penumbra al que llega un potente rayo de luz que ilumina intensamente a los personajes que intervienen en la composición. Se trata de un retrato corporativo, típico de la tradición pictórica holandesa. Fue un encargo de la Milicia Cívica de Amsterdam para decorar la sala principal de su sede.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre lienzo. Rembrandt rompe, con la forma tradicional de hacer los cuadros de retratos colectivos holandeses que era un espacio en sombra, un desarrollo horizontal de la composición y una luz que hacia destacar el rostro iluminado por los amplios cuellos blancos. La pretensión del artista es registrar el instante concreto de la puesta en marcha de la milicia, de forma que su objetivo es captar ese movimiento previo que nos ofrece detenido, congelado, como si se tratase de una fotografía. La composición es dinámica y desordenada, aunque esta realidad construida de un modo racional que busca realzar las figuras de los dos oficiales. Las diagonales que forman la larga lanza y el asta de la bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena, encuadrando los tres grupos de personas con una línea imaginaria, quedando los dos mandos de la compañia en la posición preponderante de la escena. El dibujo, apenas es esbozado, queda disminuido por la importancia del  color y la luz, siendo poco nítido los contornos de las figuras. La iluminación es la gran protagonista de este cuadro. Influido por Caravaggio, Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz. La luz proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas. Esta luz, a pesar de su Concepción realista, no actúa uniformemente, sino que crea una atmósfera de penumbras doradas, sombras envolventes y fuertes luces. El color es muy rico, lleno de contrastes y matices. Usa tonalidades opuestas para contrastar. Con el contraste de luces y colores consigue resaltar el volumen de las figuras y crear diversos planos, es la perspectiva aérea con la que consigue dar profundidad al cuadro.

Las Meninas, de Velazquez:


+Presentación; Las Meninas o La Familia de Felipe IV representa al pintor Velazquez realizando un retrato de los reyes, mientras se desarrolla una escena cortesana. En la estancia donde se realiza el retrato se encuentran, ademas del pintor y de los retratados, la infanta Margarita, acompañada de dos de sus meninas, dos enanos y dos nobles. Al fondo, aparece la figura del aposentador de la Corte, y a su izquierda se ve un espejo en el que se reflejan los bustos de los reyes. El nombre del cuadro viene de las dos meninas que acompañan a la infanta. Aunque el tema aparezca como un retrato colectivo no es un retrato convencional. ``El cuadro dentro del cuadro´´, un artificio muy querido por el Barroco.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre lienzo de grandes dimensiones. La composición, tal como ocurre en Las hilanderas, es un poco desconcertante. El cuadro tiene una extraordinaria profundidad lograda gracias al uso de distintas lineas, entre las que destacan las de perspectiva que convergen en el punto de fuga situado en la puerta del fondo, y sobre todo, por el tratamiento de la luz. Velazquez define cuatro planos lumínicos. Un primer plano que abarca a las seis personas y el perro, están iluminadas directamente por una ventana lateral. Un segundo plano en penumbra, el espejo y la puerta que forman el tercer plano. Un cuarto, plano corresponde a la silueta del aposentador, recortada por la fuente de luz del fondo. Las imágenes reflejadas en el espejo hacen alusión a un quinto plano, exterior y anterior al cuadro, que ocuparían las figuras que probablemente esta pintando Velazquez ``los Monarcas´´ y donde se sitúa el espectador. El aire, que, se interpone entre los personajes, funde estos planos creando esa visión en profundidad tan característica de la perspectiva aérea. Y eso hasta tal punto de que no todos los autores se ponen de acuerdo a la hora de delimitar los distintos planos. Velazquez ha reforzado la tradicional perspectiva lineal con la aérea. Consigue reflejar de modo realista, una escena de movimiento paralizado. Todos los retratos aparecen con igual dignidad ya sean miembros de la familia real o los enanos que les entretienen. Emplea una gama de colores fría y sencilla, que aplica con una pincelada rápida, suelta y deshecha.

La Familia de Carlos IV, de Goya:


+Presentación; Es un retrato colectivo de la familia real española. El poderoso contraste lumínico se centra sobre los tres personajes mas importantes de la Corte, el rey Carlos IV, la reina y el infante heredero Fernando ``Fernando VII´´. Goya se autorretrata en el personaje del fondo, lo que se interpreta como un homenaje a Velazquez, que había hecho lo mismo en Las Meninas.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre lienzo de grandes dimensiones. No busca la perspectiva de Las Meninas, sino que coloca a los personajes casi en línea recta y en el orden exigido por la etiqueta real. Las figuras se disponen alineadas, y sin movimiento, es una composición Neoclásica. Evita una perspectiva profunda. Tampoco aparece aquí el carácter narrativo ni el Barroco juego de espejos del cuadro de Velazquez. Las figuras forman a ambos lados dos grupos compactos para dejar en el centro un espacio mas amplio donde aparecen los reyes ``los personajes principales, que son así resaltados´´ con su hijo menor. La luz crea el espacio, resaltando los personajes principales y dejando las áreas anterior y posterior de la izquierda en penumbra. El colorido es brillante y variado. Destaca el colorido de las vestiduras, sobre todo, el lujoso color dorado de la vestimenta de la reina y el rojo intenso de la del pequeño infante del centro. La pincelada es vigorosa, resuelta, relega el dibujo a un nivel secundario. En este cuadro, por encima del carácter cortesano y de la riqueza de ropaje, destaca el tratamiento de los personajes. Los rostros y las actitudes plasman sus caracteres psicológicos. Aunque pinta a los personajes con gran Realismo y, por tanto, poco agraciados. No parece que quisiera caricaturizar a los reyes, que le habían hecho el encargo. 

Los Fusilamientos del Tres de Mayo/ o de la Moncloa, de Goya:


+Presentación; El tema es histórico, los fusilamientos de patriotas españoles por los franceses el 3 de Mayo de 1808, como represalia por la rebelión que en la Puerta del Sol de Madrid, acontecimiento que el mismo recoge en El dos de Mayo y que supuso el comienzo de la Guerra de la Independencia. En primer termino, un hombre que se destaca por su camisa blanca y pantalón amarillo de sus compañeros. El protagonista, en contra de lo que era tradicional, no es un héroe famoso, sino el colectivo anónimo de gentes que han llegado al extremo de la violencia mas brutal.

+Características Técnicas y Artísticas; La composición y la luz establecen un fuerte contraste entre el grupo de los españoles iluminados por el gran farol y el pelotón de fusilamiento francés. Los españoles aparecen como un conjunto de personas, cada uno tiene un gesto distinto, mientras que en el pelotón de fusilamiento los individuos no existen. Entre los españoles destaca el que alza en cruz los brazos y viste de radiante blanco y amarillo. En el color destaca el contraste de los colores brillantes ``amarillo y blanco del personaje principal, rojo de la sangre´´ y el fondo oscuro que culmina en el negro del cielo. Trabaja con pinceladas sueltas independientes del dibujo, y con manchas de color, lo que facilita la creación de una atmósfera tétrica a través de las luces, los colores y los humos.

Saturno devorando sus hijos, de Goya:


+Presentacíon; Es un tema mitológico que representa al Dios Saturno que devoraba a sus hijos recién nacidos para impedir que se cumpliese la profecía de que uno de ellos lo destronaría. Goya utiliza el mito pero cambia algo ``no devora niños sino cuerpos adultos´´ y lo plasma de forma brutal, es una interpretación violenta y negativa del mundo clásico que tan ensalzado había sido por el Neoclasicismo.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre el revoco de yeso de la pared de la casa que luego paso a un lienzo. Todos los aspectos del cuadro ``composición, tratamiento del cuerpo, luz, colorido´´ están hechos para transmitir brutalidad, angustia y violencia. Destaca la economía de recursos con la que logra transmitir todo esto. En la composición Goya prescinde de cualquier cosa que pueda distraer del asunto principal, la crueldad de Saturno. Aparece como un monstruo. Utiliza el claroscuro. Igual que en el resto de las Pinturas negras predomina una paleta de colores muy oscura, aplicada en manchas de color gruesas, donde apenas hay dibujo.

Impresión, Sol Naciente, de Monet:


+Presentación; El cuadro muestra el amanecer en un puerto. Es un paisaje tomado directamente del natural.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre lienzo. La obra parece un esbozo debido a que su pincelada suelta no define lo que representa. A Monet no le interesa pintar una representación detallada del puerto, sino captar la impresión, como el propio titulo indica, causada por el amanecer. La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre y el deseo de los pintores impresionistas de captar un momento fugaz. Con pinceladas sueltas, cortas, pastosas y de manchas yuxtapuestas ``unas al lado de otras sin mezclarse´´, el pintor prescinde del dibujo centrándose en los efectos que la luz del amanecer ejerce sobre los objetos.

La noche estrellada, de Van Gogh:


+Presentación; Se trata, de un tema nocturno puro, hay que preguntarse que ocurriría en la atormentada alma del artista para que sintiera la necesidad de refugiarse en la infinita negrura de la noche. El cielo es el autentico protagonista y ocupa casi todo el lienzo.

+Características Técnicas y Artísticas; Es un oleo sobre lienzo. Lo mas destacado de su composición es el predominio ``en el campo, cielo, e incluso en los agitados cipreses´´ de las curvas que generan agitación, y la existencia de contrastes. Van Gogh no pinta un cielo negro, sino que lo embellece y le da un color azul donde destacan las estrellas y la luna blanca y amarilla. El cielo esta pintado con pinceladas gruesas y agitadas, que contrastan con la serenidad y quietud que realmente habría. Las estrellas y la luna son presa de una intensa agitación, se diría que sus remolinos violentos anuncian un inminente cataclismo cósmico. Los cipreses, en primer plano, se elevan al cielo como si se tratase de las llamas oscuras de una tierra en la que ya ha comenzado el fuego de un desastre apocalíptico. 

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