Ficha técnica de la piedad de Miguel Ángel

20. LA PIEDAD- Miguel Ángel

Identificación

1) TÍTULO: David. 2) AUTOR:Miguel Ángel. 3) CRONOLOGÍA: 1502-1504. 4) LOCALIZACIÓN: La Academia de Florencia. 5) ESTILO:
Renacimiento “Cinqueccento”. 6) MATERIAL: Mármol MEDIDAS: 4,10 m de alto.

CONTEXTO Histórico

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio, Jean Bilhères de Lagraulas o De Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, Al que el autor conocíó en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se Firmó el 26 de Agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, Dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, Cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer Emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual En la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

Análisis DE LA OBRA

El material en Que está realizado es mármol blanco . Se puede apreciar que se ha trabajado con Cinceles dentados ( su huella es visible en la base) y trépano, en los Cabellos. Las dificultades que este material presenta para una composición Exigente han sido resueltas con maestría y virtuosismo técnico

Las superficies ofrecen Un acabado exquisito – además de limas se han utilizado y piedra pómez y puntas De paja y yeso- con calidades casi de esmalte y textura tersa, que contrastan Con la base de áspera tierra.

Su sentido Del volumen se corresponde con le propio de una escultura Independiente, con plena expresión tridimensional , sin embargo, está concebida Para ser contemplada desde un punto de vista frontal

La composición tiene Una gran compacidad y monumentalidad. Sigue un esquema piramidal y resalta la Unidad armoniosa de las dos figuras. Para conseguir el perfil triangular Requerido se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras, Ajustando así mejor el cuerpo masculino, según un hipotético eje quebrado .

Comunica Estabilidad y reposo

La Luz incide de manera homogénea y suave, dando lugar a un claroscuro Moderado que juega con la belleza del inmaculado color del material: este grupo Nunca fue policromado.

La expresión Es figurativa, naturalista pero idealizada

La primera Impresión es que responde a proporciones canónicas de unos arquetipos De belleza serena y majestuosa, y estos principios son totalmente aplicables a La figura masculina, cuya desnudez permite , además, un alarde de virtuosismo En la representación de la anatomía humana: robusto, sin exageración, y Perfecto es la quintaesencia del hombre.

La mujer, sin Embargo, pese a tener la cabeza de tamaño igual al de la otra figura es mucho Más grande y sus proporciones resultan disparatadas, pero, en el conjunto, son Convincentes.

Hay un gran Dramatismo , que se manifiesta de forma muy contenida, sin ademanes aparatosos, Y que se resume, principalmente, en el gesto de la mano extendida de la mujer, De modelado delicadísimo.

Los ropajes, Amplios y mórbidos, tiene pliegues de cavidades profundas . Su inquieto Drapeado crea un vínculo entre las dos figuras, aislando en el espacio el Cuerpo desnudo y sus contornos. Hay en ellos un patetismo intenso.

21.PIEDAD RONDANINI

Identificación

1) TÍTULO: La Piedad Rondanini. 2) AUTOR: Miguel Ángel. 3) CRONOLOGÍA: 1552-64. 4) LOCALIZACIÓN: Castillo Sforza (Milán-Italia).5) ESTILO: Renacimiento “Cinqueccento”.6) MATERIAL: Mármol.

CONTEXTO Histórico

Es en Florencia, A principios del Siglo XV, donde primero se produce una transformación de la Concepción y de la función del arte hasta entonces vigente. Los primeros Protagonistas fueron Brunelleschi (arquitecto), Donatello (escultor) y Masaccio (pintor).

En la creación y Difusión de las nuevas formas artísticas desempeñaron un papel decisivo los Mecenas Que no sólo protegen a los artistas sino que recopilan importantes colecciones. Todo con cierto carácter interesado, ya que les alcanzaba la gloria de la fama, Acrecentando su prestigio social, su poder político etc.

Las obras dejan De ser anónimas y el artista adquiere una consideración, pasando a ocupar un Puesto destacado dentro de la sociedad. Se valora su trabajo y su persona y Ellos firman sus obras.

El arte deja de ser una Actividad manual o mecánica y pasa a ser una actividad intelectual o liberal.

1) Vuelta a la antigüedad grecorromana

2) Nuevo concepto de belleza

3) Importancia de la perspectiva

4) Estudio de la anatomía

5) Temática : mitos clásicos, paisajes, desnudos y Retratos

Arquitecto, Poeta, pintor, M. Ángel Buonarroti se consideró siempre un escultor y Aunque alcanzó la fama, ya en vida, por la Capilla Sixtina él la consideró Siempre como una obra secundaria.

Estudió los Frescos de Giotho y de Masaccio pero su pintura estará influenciada por su Talante de escultor, acentuando su aspecto plástico y el relieve. Al igual que Leonardo, investiga la anatomía humana.

1) Actitudes, posiciones, movimiento del cuerpo humano Que domina por completo

2) Figuras desproporcionadas, titánicas, hercúleas, Aunque también maneja formulas clásicas

3) Preferencia por las formas cerradas y rígidas, pero Compensándolas con otras abiertas y móviles, líneas rectas, compensadas con Otras convexas y salientes, etc.

4) Predomina el dibujo sobre el color, le gusta Representar volúMenes netos, bien definidos y de gran monumentalidad.

5) El tema central será la figura humana, con gran Fuerza tanto física como espiritual

-Su interés por la anatomía Le lleva a representar figuras colosales con grandes músculos.

-Sus desnudos se inspiran En los clásicos griegos.

-Gran variedad de Actitudes, gestos dramáticos, posturas guardando un equilibrio dinámico y en Violentos escorzos.

6) Elimina casi totalmente el paisaje y los objetos, y Cuando los representa se fija sólo en lo esencial sin detallismo ninguno.

La Piedad Rondanini es la más original y personal de todas ellas, Auténtico anticipo del expresionismo del Siglo XX.

Análisis DE LA OBRA

Es un grupo Escultórico en mármol compuesto por las dos figuras, la madre y el hijo Las Figuras se representan de pie rompiendo todos los convencionalismos que regían La iconografía de la Piedad, siempre con la Virgen sentada y Cristo muerto en Su regazo.

Aquí, María se Empeña a sostener a su Hijo en pie, como negándose a aceptar la realidad de su Muerte. Los miembros alargados, el ritmo en zigzag y la forma serpentinata, son Ya plenamente manieristas.

La composición es Desequilibrada, ya que las figuras están escurríéndose. Es una culminación del Manierismo, con el alargamiento extremo de las figuras, que parecen Prácticamente flotar, totalmente alejadas de la “terribilitá” de otras de sus Obras anteriores.

No importa la Belleza formal sino la búsqueda decidida de la expresión, reflejo de un Miguel Ángel anciano atormentado por la idea de la muerte y presa de una crisis Religiosa. Es la última obra de Miguel Ángel, inacabada y voluntariamente Mutilada, en la que trabajó prácticamente hasta el momento de su muerte.