Explorando el Arte Renacentista: Pintura, Manierismo y Arquitectura

La Pintura Renacentista

Se rinde culto a la belleza, desapareciendo lo anecdótico. Los marcos arquitectónicos se reducen al mínimo. En las composiciones se usan esquemas geométricos sencillos.

Leonardo Da Vinci

Marca el tránsito al siglo XVI. Representa el arquetipo de hombre renacentista, pues su afán de saber destaca especialmente en la pintura. Le interesa conocer el cuerpo humano en sus aspectos internos y externos. Los dos principales problemas son el movimiento, que resuelve a base de triángulos, y la luz. Hace presidir los contornos precisos, optando por difuminarlos por medio del esfumato, que crea un volumen enigmático.

• Virgen de las Rocas: De composición piramidal, la virgen domina el centro del cuadro. La oscura superficie de las rocas contrasta con el esplendor radiante de la virgen.
• La Santa Cena: Obra cumbre del Renacimiento. Perfecta armonía compositiva. Cristo ocupa el centro y los apóstoles, agrupados de tres en tres, rompen con el antiguo esquema. Los personajes reaccionan y manifiestan sentimientos. Las actitudes y gestos están perfectamente encadenados y las ventanas del fondo son marcos para que destaquen las figuras. (Es una técnica nueva, por eso se conserva tan mal).
• La Gioconda: Es una pintura fascinante y misteriosa, una de las imágenes más difíciles de entender y más ambiguas, con una acentuada imprecisión en la expresión y en el sentimiento.

Rafael

Domina la proporción, la belleza y la elegancia. Tiene tres etapas:

1. Primera época: Composiciones geométricas, amplias perspectivas, movimientos femeninos. Destacan los Desposorios de la Virgen.
2. Segunda época: Se modifica por influencia de Leonardo. Abunda el claroscuro. Destacan las Madonas.
3. Tercera época: Transcurre en Roma, donde entra en contacto con Miguel Ángel, lo que modificará su estilo, dotándolo de grandiosidad y dinamismo. Decora con frescos las estancias vaticanas con alegorías a la religión y a la filosofía.

Miguel Ángel

En su pintura muestra un interés especial por el dibujo, el volumen y la composición. Estaba totalmente preocupado por el color. En sus obras suelen prescindir del paisaje y centrar su atención en la figura, dominadas por el movimiento y los escorzos violentos. Son de enormes proporciones y fuerza titánicas. Las fuerzas físicas y la moral están equilibradas.

• La Capilla Sixtina: Imagina la bóveda sostenida por varios arcos transversales apoyados en pilastras sobre las que se disponen pedestales en los que se sientan jóvenes desnudos en variadas y violentas posturas. Se representan escenas del Génesis y el Antiguo Testamento.
• Juicio Final: La perfección clásica y el equilibrio ceden el paso al desbordamiento dramático y a la violencia pesimista. Las figuras se inclinan, buscan la diagonal, se retuercen sobre sí mismas y los músculos se hinchan.

Manierismo

Se rompe con el optimismo y la confianza en el humanismo. No pretende copiar esa realidad que se observa como confusa y desagradable, sino que se va a deformar de manera caprichosa. El espacio con grandes perspectivas, la luz de forma irreal, buscando efectos de luz fría o cálida. Se olvida de la belleza, serenidad y equilibrio. Los ritmos son curvos y ondulantes.

Pintura Veneciana

Tiziano

Características:

• Gusto por el lujo y la fastuosidad: los burgueses se interesan por las obras.
• Color sobre el dibujo: el color veneciano es cálido, con tonalidades rojas, ocres...
• El dibujo es secundario. Las manchas de color son las que organizan la composición del cuadro.
• Exaltación de la naturaleza.
• Desarrollo del retrato.
• Representación al desnudo.

Giorgione

Técnica suelta, esfumato. La Tempestad y Venus dormida.

Tiziano

Cultivó tanto el cuadro religioso con un sentido monumental, lujoso y colorista, como la mitología, en la que crea obras de sensualidad. También creador del retrato, donde se une el análisis psicológico del personaje con la importancia al escenario y a la indumentaria como símbolo del retratado: Carlos V, Isabel de Portugal, Felipe II. Obra: Carlos V en la batalla de Mühlberg, modelo de retrato ecuestre muy repetido en el que el caballo y el jinete están en paralelo al espectador.

Arquitectura: Plateresco y El Escorial (Siglo XVI)

Plateresco (Primer tercio del siglo)

Llegada del arte italiano a España, llega con retraso. Características: carácter ornamental, la decoración se desborda. Se utilizan elementos clásicos, pero sin auténtica asimilación de las formas italianas. Decorativos: medallones, grutescos, hornacinas con estatuas. Esta decoración se traza con arreglo a un eje de simetría y se encaja en calles y frisos. Se usa bajorrelieve. La arquitectura civil: Salamanca es el foco más importante del plateresco. Destacan edificios rosáceos con piedra salmantina. Obras: Fachada de la Universidad de Salamanca y Ayuntamiento de Sevilla.

Purismo (Segundo tercio del siglo)

Evolución hacia formas más simplificadas, puras y sobrias. El adorno retrocede y se pliega a las líneas arquitectónicas. Autores:

• Diego de Siloé: Catedral de Granada
• P. Machuca: Palacio de Carlos V
• Gil de Hontañón: Universidad de Alcalá de Henares

Herreriano (Tercer tercio del siglo)

Recargamiento excesivo de la ornamentación plateresca, resultando una arquitectura suave, fría y monumental. Obra: El Escorial, que fue encargado por J. Bautista. Es un edificio rectangular, situando la iglesia en el eje longitudinal. En cada uno de los ángulos del recinto se sitúa una torre coronada por chapitel. Contribuyó a integrar la fachada del edificio y un patio. La fachada principal fue más baja que la de la iglesia, pero esta no se realizó. A los cuatro años Bautista muere y sigue Herrera, que renuncia a las fachadas, decoración y lo transforma en un edificio rectangular y macizo con ventanas exentas de ornamentación. En medio de la fachada hay un cuerpo rematado por frontón sobre pilastras (único elemento que interrumpe la monotonía general). En el interior del recinto hay patios con severas arcadas de medio punto y pilastras. La ornamentación geométrica se reduce a pirámides y bolas.