La Evolución del Sonido y la Música en el Cine: Un Viaje Histórico

Oficialmente, el cine nace el 28 de diciembre de 1895, día en el que los hermanos Lumière mostraron una sesión pública en París. Estas pequeñas grabaciones se basaban en momentos cotidianos, como la salida de los trabajadores de la fábrica. En un principio, el cine se presentó como una curiosidad científica, una ampliación de la fotografía, pero pronto se convirtió tanto en un medio de expresión como en una distracción para el público.

En los comienzos de este nuevo arte, las imágenes se filmaban sin sonido, y los diálogos aparecían escritos en rótulos que se intercalaban en las escenas. Sin embargo, la música ya estaba presente en el cine mudo: las proyecciones se acompañaban en directo, ya fuera con un pianista en las salas más modestas o con una orquesta en las más grandes. En las salas que solo contaban con un pianista, este tenía que tocar arreglos de melodías conocidas que se adecuasen al carácter de las escenas de la película que se estaba proyectando, o bien utilizar alguno de los repertorios de fragmentos musicales que circulaban, recopilados y catalogados como "música de persecución", "temas de amor", "batalla", etc. Pocas veces se interpretaban partituras originales. Poco tiempo después, se empezó a pedir a los compositores que crearan partituras originales específicamente para las películas.

El Cine Sonoro: Un Hito en la Historia Cinematográfica

Pasaron algunos años hasta que se consiguió grabar los sonidos directamente en la propia película. De esa forma, la música ya no variaría según la sala o los medios disponibles, sino que permanecería ligada intrínsecamente a la obra. El primer largometraje sonoro de la historia fue El cantor de jazz de 1927, cuyo éxito decidió la continuidad y el futuro del género. Esta película alternaba elementos del cine mudo (diálogos resumidos en rótulos y música de fondo) con algunos cantos integrados en la acción y presentaba una sola secuencia sonora.

Los Años 30: La Consolidación de la Música en el Cine

La Warner Bros. fue la primera productora que apostó firmemente por el cine sonoro. En esta década, la música se utilizó para enriquecer la película de manera más completa: describir ambientes, perfilar personajes y enlazar secuencias. Se concibió como una sinfonía que estaba presente durante todas las escenas, con un tema principal destacado y diferentes leitmotivs para cada uno de los protagonistas. Es en esta época cuando se crearon algunas de las mejores bandas sonoras de la historia, como la de Lo que el viento se llevó (1939), compuesta por Max Steiner.

¿Qué es un Leitmotiv?

Un leitmotiv es una composición breve (a veces de solo 3 o 4 notas) que se identifica con un personaje, un objeto, una idea o una situación concreta de la película, repitiéndose a lo largo de la obra para evocar dicho elemento.

Los Años 40: La Época Dorada de Hollywood y la Banda Sonora

En la década de los 40, muchos de los problemas técnicos del arte cinematográfico se habían solucionado, consolidando la creación de bandas sonoras. Esta fue la época dorada de Hollywood. La pista de sonido tenía ahora tres bandas diferenciadas: una para el ruido ambiental, otra para la música y una tercera para el diálogo. Los compositores creaban la partitura, y después eran los montadores quienes se encargaban de los ajustes finales. Destaca en este periodo Alfred Newman con la partitura para Cumbres Borrascosas.