Evolución de la Música en el Siglo XX: De las Vanguardias a la Experimentación

Evolución Musical: Del Impresionismo al Expresionismo

El Impresionismo y el Expresionismo pueden considerarse como dos manifestaciones distintas de una misma historia hiperromántica. El primero, a través de la representación sutil de ambientes; el segundo, mediante la expresión interior desgarrada. Musicalmente, ambos movimientos marcan un abandono progresivo de las leyes de la tonalidad y de la armonía funcional, pero más que una ruptura brusca, suponen una evolución necesaria en un lenguaje ya demasiado repetido y agotado.

Impresionismo

El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés relacionado con ambas tendencias y tiene como principales representantes a los compositores Debussy y Ravel.

Características:

• Melodías desdibujadas sin líneas ni cadencias claras, que utilizan escalas modales, pentafónicas, cromáticas o de tonos enteros.
• Armonía libre con acordes que toman valor por su sonoridad y no por su función tonal.
• Nuevo concepto del timbre utilizando los instrumentos de forma individual y no como un conjunto orquestal.
• Creación de una atmósfera sonora basada en impresiones auditivas que tienen como objeto el placer del sonido.

Expresionismo

Se caracteriza por la expresión del alma del ser humano de forma dura y pesimista. El compositor más representativo de esta tendencia es Arnold Schoenberg.

Características:

• Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias que producen una tensión continua, sin momentos de reposo.
• Utilización de un sistema atonal que rompe todas las reglas de organización melódica y armónica.
• Sustitución de la melodía por una especie de canto recitado que tiene como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto.
• Interpretación para pequeñas formaciones de cámara en las que cada instrumento cumple un papel de solista.

Figuras y Movimientos de Vanguardia

Stravinsky

El compositor ruso Stravinsky es uno de los músicos más notables del siglo XX. Su obra, difícilmente clasificable por la variedad de estilos que presenta, marca el inicio de una sonoridad verdaderamente contemporánea que influirá en todos los compositores de la época. La gran obra de Stravinsky que señala este nuevo rumbo para la historia de la música es el ballet La consagración de la primavera, escrito por Diaghilev, director del Ballet Ruso.

Futurismo

Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909 que rechaza el arte del pasado para defender una nueva época moderna caracterizada por las máquinas y el movimiento. Sus precursores son Pratella y Russolo, que abogan por la introducción de los ruidos en la orquesta. El movimiento futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo y anticipará las técnicas de la música concreta. Entre las obras más célebres que podemos adscribir al Futurismo destacan Ionización de Varèse y Pacific 231 de Honegger.

Dadaísmo

Es un movimiento deliberadamente antiestético que se desarrolló principalmente en Alemania, Francia y Estados Unidos entre los años 1916 y 1920. El propio término 'Dada' es una denominación carente de sentido. El dadaísmo exalta el absurdo y la destrucción de los valores establecidos, negando la historia y todas las formas de arte. No es un movimiento creador organizado, sino una ideología de protesta radical que busca el impacto y el escándalo del público. Musicalmente, su importancia radica en la anticipación de las vanguardias posteriores como la música aleatoria.

Dodecafonismo

Es una técnica de composición basada en los doce sonidos de la escala cromática. Este método fue creado por Schoenberg en el año 1923 con la intención de establecer un nuevo sistema organizado que transformara el mundo de la composición tras el agotamiento del Expresionismo atonal. Todas las notas tienen la misma importancia porque no se puede repetir ninguna por encima de las demás. Estos doce sonidos se ordenan formando una serie a partir de la cual se construye la composición. Las series de doce sonidos se pueden presentar en el plano armónico o melódico y en cualquier registro o timbre. Pueden aparecer también de forma retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada invertida. Representantes: Schoenberg, Alban Berg y Webern.

Neoclasicismo

El Neoclasicismo surge en la década de 1920 como reacción frente al Post-romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Supone una vuelta a la claridad formal del Clasicismo y el rechazo a una concepción expresiva de la música cargada de significados profundos y subjetivos.

Características:

• Recuperación de las formas y géneros barrocos y clásicos buscando una nueva sencillez.
• Música tonal de estilo claro y conciso que evita toda emoción personal y abandona la técnica del desarrollo.
• Riqueza tímbrica pero sin utilizar grandes agrupaciones.
• Importancia de la melodía, sencilla y sin cromatismos.
• El objetivo principal es lograr una música agradable y fácil de escuchar.

El iniciador de esta corriente es Stravinsky. En los principales compositores neoclásicos figuran: Satie y el Grupo de los Seis. Otros compositores neoclásicos son Hindemith y Weill. Carl Orff con sus Carmina Burana y Prokofiev con su orquesta Pedro y el lobo.

Nuevas Corrientes de Vanguardia

Los compositores buscan una revolución en el lenguaje mostrando un gran interés por la novedad, por la amplificación del concepto de música y por la utilización en sus obras de los avances tecnológicos del momento.

• Serialismo: Denominado con mayor rigor como 'Serialismo integral', consiste en la aplicación del concepto de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros del sonido y no solo a la altura de las notas. Messiaen (Modos de valor y de intensidad) y Boulez (El martillo sin dueño).
• Música Concreta: Corriente relacionada con el Futurismo que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de la realidad. Estos sonidos de objetos concretos se graban en cintas magnetofónicas y posteriormente se manipulan en un laboratorio. Schaeffer y Henry (Variaciones para una puerta y un suspiro).
• Música Electrónica: Es una música producida completamente en laboratorio en la que los sonidos se crean, procesan y graban electrónicamente. Igual que en la música concreta, se suprimen los intérpretes y las partituras tradicionales. Stockhausen.
• Música Electroacústica: Es la unión de la música concreta con la música electrónica, combinando en una sola obra ambos procedimientos: los sonidos naturales grabados y manipulados de la música concreta con los sonidos puramente electrónicos.
• Música estocástica: Es una fase más en el desarrollo de la música electrónica que consiste en la introducción del ordenador en el campo de la composición que, debidamente programado, puede calcular combinaciones de sonido o piezas enteras. Utiliza la composición algorítmica, con cálculos estadísticos y matemáticos, para generar todos los detalles de la obra a partir de unas determinadas instrucciones. El creador es Xenakis.
• Electrónica en vivo: Nace de la necesidad de recuperar el espacio de la interpretación musical en directo, perdido con la electrónica. Son obras que reúnen la interpretación en vivo de voces o instrumentos convencionales con la música grabada compuesta en laboratorio.
• Música Aleatoria: Es una corriente opuesta a las anteriores que ofrece una música indeterminada en función del azar y de la libertad de quien la interpreta. El compositor no escribe una obra cerrada, sino que confía en la creación e independencia del músico para hacer de cada audición una obra única e irrepetible. El principal precursor fue John Cage, que en 1938 inventó el piano preparado, transformando su sonido al introducir entre las cuerdas diversos objetos que no solo modificaron el timbre, sino que componen un resultado sonoro imprevisible. Otra de las aportaciones es la incorporación del silencio como material musical en las composiciones.

Reflexión sobre el mito de Novecento

En uno de esos viajes, uno de los tripulantes (Dany Boodman) encuentra a un niño abandonado dentro de una caja en el piano del barco; el nombre del niño es una mezcla entre el nombre del que lo encuentra, la inscripción en la caja (T.D. Limoni) y el año en que fue encontrado (Novecento). Un hecho que parecería insignificante es en el que se sustenta la historia: el niño no posee papeles, por lo que no podrá descender a puerto, nunca. Luego este impedimento se convertirá en una razón de ser del protagonista. En un momento inesperado se descubre que Dany es un pianista prodigio, completamente autodidacta. Es capaz de inventar música sin ninguna partitura, aprende con sólo escuchar a alguien tocando. Se empieza a ganar la simpatía de todo el público, desde la primera clase hasta la tercera, donde tocaba junto con los emigrantes. El mito se va expandiendo hasta que llega a oídos de Jelly Roll Morton, según él mismo el inventor del Jazz, quien deberá viajar en el barco para poder desafiarlo.

La Segunda Guerra Mundial estalla y el barco sigue navegando, pero ya no para transportar emigrantes entre los dos continentes, sino para transformarse en un buque hospital; a pesar de todo, Dany decide no bajar del barco, le resulta imposible. Hay un punto que resulta crucial en la historia: el momento en el que Dany intenta bajar del barco. Estaba todo listo, tenía la ropa apropiada para la ocasión, el narrador imagina cómo sería la vida de un espléndido pianista en los teatros de Nueva York y del mundo; sin embargo, no lo logra. A un solo paso de tocar tierra firme da media vuelta y regresa al barco; nadie es capaz de entenderlo, ni siquiera el lector. Son los pequeños pasos que nos llevan hacia adelante y justamente en el libro está representado como tal. Era sólo un escalón más para reescribir la historia, no del libro solamente, sino del Jazz, de la Música, pero no se atrevió.