Evolución de la Música: Nacionalismo, Folclore, Tango, Jazz, Rock y Vanguardias Artísticas

Nacionalismo Musical

El Romanticismo impulsó sentimientos de carácter nacionalista y liberal. Sin embargo, estos sentimientos tuvieron que esperar hasta alrededor de 1850 para encontrar su traslación en el campo musical.

El empleo del término "nacional" o "nacionalista" conlleva conflictos. El método de composición que utilizaba tipos melódicos y rítmicos extraídos del folclore nacional no siempre evocaba con claridad su lugar de origen, mientras que obras no nacionalistas tomaban prestados aires folclóricos ajenos a su país de origen.

Su ubicación fue preferentemente europea y surgió de la evolución del Romanticismo. El nacionalismo musical evolucionó separándose del dominio que ejercían, en un principio, la música romántica alemana y, después, la italiana. Los compositores de las escuelas nacionalistas buscaron diferenciarse del Romanticismo con la utilización de procedimientos modales (tomados especialmente del canto llano) y giros específicos del folclore local (melodías, ritmos, instrumentación, escalas, etc.). Este ímpetu nacional tuvo en la ópera uno de sus mejores aliados, ya que admitía la reivindicación de la identidad propia a través del uso del idioma del país. Las escuelas nacionales más importantes fueron la rusa, la bohemia, la española y la escandinava.

Los Ecos de Bohemia

Bedrich Smetana quiso componer una música que recordara las tradiciones del país, hacer representar óperas en lengua checa y afirmar la identidad nacional con relación al poder central. Su música estaba inspirada en el folclore y en los paisajes de su Bohemia natal. Por otro lado, Antonín Dvorák guardó un sentido profundo de su tierra natal.

Las Melodías del Norte

Dos compositores dominaron la vida musical de Escandinavia a fines del siglo XIX: Edvard Grieg y Jean Sibelius. El primero se interesó mucho en la música popular noruega, mientras que el segundo utilizó poco los temas folclóricos; estos se inspiraban en la mitología y la historia de su Finlandia natal.

Los Músicos del Sur

En España, la burguesía se apasionó por la ópera italiana, pero el pueblo guardó sus tradiciones. Tres compositores despertaron el sentimiento nacional en música utilizando elementos populares como el flamenco o el zapateado: Albéniz, Granados y de Falla.

Béla Bartók

Pianista dotado (compuso numerosas obras para ese instrumento), fue un artista preocupado por defender la música folclórica de toda Europa central. Reunió cerca de diez mil cantos populares, recorriendo durante años Hungría y sus países vecinos. Bartók integró esas melodías populares a sus propias creaciones. Pero fue también un músico interesado en las búsquedas de vanguardia. Su música, audaz y original, está llena de vida.

La Música Rusa

Mijaíl Glinka despertó el interés de sus colegas más jóvenes por el canto popular autóctono. El Grupo de los Cinco defendió la idea de un arte específicamente ruso. Tchaikovsky supo expresar en música el alma eslava. La obra de Tchaikovsky es a su imagen: atormentada, patética, romántica. Rachmaninov fue uno de los más grandes pianistas de su tiempo y el último romántico. Prokófiev y Shostakóvich abandonaron la influencia romántica para entrar en la creación musical moderna. Rimski-Kórsakov se impregnó desde su infancia de las canciones tradicionales de su región natal. Se lo admira por sus sinfonías poéticas.

Folclore

Definición: Conjunto de tradiciones, costumbres, leyendas, canciones, de un país o de una región.

Aporte Indígena

El indígena de América poseyó la música como medio para exteriorizar la profunda intimidad de su sentimiento y la recia turbulencia de su instinto. Estas características se revelan en sus bailes y cantos, en los que se mezclaban la tristeza del alma y la agresividad del instinto. De un lado, el agresivo danzar y, de otro, el tierno canto festivo. Los purísimos sonidos de la quena hacían trascender la señorial y enigmática música de los incas. El aporte artístico-cultural de esta raza, recibido a través de las principales tomas receptivas del noroeste argentino, robustece el acontecer musical de nuestro país.

De toda esta música, tienen aún vigencia muchas expresiones típicas de la cultura incásica, que se conservan puras, junto a otras mestizadas por la influencia de los elementos europeos y a las genuinas manifestaciones de lo criollo, volcadas en la danza y la canción.

El mensaje de esta raza se constituye en purísima esencia, la cual es el alma de nuestra música nacional.

Aporte Hispánico

El primer antecedente fue Juan Gabriel Lezcano, quien reunió a los indígenas del lugar y les enseñó cantares contra sus vicios y fundó en Asunción del Paraguay la primera escuela de música y canto que existió en estas regiones. Los primeros instrumentos musicales introducidos por los conquistadores fueron: las trompetas, pífanos (flautines), atabales (tamboriles) y vihuelas (guitarras).

En el siglo XVIII se amplía cada vez más la variedad de instrumentos puestos al servicio de las nuevas vocaciones musicales. Se intensifica el aporte europeo a través de calificados músicos que llegan a tierras indígenas y la importación de nuevos instrumentos, partituras y libros de música.

Cabe destacar la extraordinaria difusión que en este siglo alcanza la guitarra. Se convierte en el instrumento popular por antonomasia, y su uso se extiende a todas las clases sociales.

1790: El comienzo de la última década del siglo XVIII sorprende a las poblaciones, hispana e indígena, elaborando con todo entusiasmo su propia cultura musical. Se supera la calidad artística de todas las manifestaciones musicales.

Esquematizando el desenvolvimiento musical del país durante el siglo XIX se destacan:

• El himno nacional en 1812
• El advenimiento del género lírico y su amplia resonancia entre los afectos a la música.
• La creación de centros de difusión y el Teatro Colón de Buenos Aires.

Folclore Argentino

Aporte Autóctono

Su pureza y su condición de bien mantienen su integridad y, entre ellos, la expresión sonora de una raza inolvidada se distinguen la quena y la orquesta ciudadana.

Lo Herencial Folclórico

El pueblo (folk) tiene su copla y también tiene su baile. Solo aspira a que lo dejen cantar lo que quiere y lo que sabe (lore). Su naturaleza les sugiere cantares y designan lo nuestro, por ser aporte herencial de la tierra y de la sangre. La supervivencia de aportes lejanos provocaron las reacciones necesarias para ser elaborados, asimilados e incorporados a la vida común, proyectándose desde entonces hacia la eternidad por la tradición.

Definición del Hecho Folclórico

El hecho folclórico es reconocido como tal cuando el análisis revela que ha ido adquiriendo los rasgos que lo caracterizan como:

• Colectivo: porque fue compartido por todos los miembros de la comunidad.
• Popular: porque ha sido adoptado por el pueblo colectivamente.
• Empírico: porque es de la experiencia adquirida espontánea y directamente.
• Oral: porque se transmite oralmente de persona a persona.
• Funcional: porque solo es aceptado si satisface alguna necesidad colectiva del pueblo.
• Anónimo: porque al pueblo no le importaba el autor.
• Regional: porque es en el ambiente natural del país.

Las Proyecciones del Folclore Musical

Se la denomina proyección cuando el hecho folclórico se ha proyectado en una nueva obra, cuyo autor conocemos y que contiene alguno de los elementos que singularizan a las obras auténticamente folclóricas. De la música folclórica argentina han surgido numerosas proyecciones de valor, sobre todo en especies como la zamba, chacarera, bailecito, vidala, etc. Además, la rítmica, el modo, la forma coreográfica de muchas danzas y canciones folclóricas han servido como modelo para que músicos cultos argentinos realizaran obras en las que se advierte la presencia de proyecciones de ellas.

Tango

Orígenes del Tango

El tango es un fenómeno cultural que incluye distintos factores influyentes como: baile, música, canción y poesía.

El tango nace a finales del siglo XIX a orillas del Río de la Plata, particularmente en Buenos Aires. La sociedad donde nace el tango escuchaba y bailaba habaneras, polkas, mazurcas y algún vals, por lo que respecta a los blancos, mientras que los negros se movían al ritmo del candombe. Inicialmente, el tango debió ser un modo de interpretar melodías ya existentes, modo sobre el que fueron creándose otras nuevas que en un inicio ni siquiera contaban con una transcripción musical, ya que sus intérpretes no sabían escribir o leer música. Algunos de los primeros tangos eran firmados por personajes ajenos a la creación del tango pero que sí sabían componer música, como Julián Aguirre y Carlos Vega.

Estilos y Épocas Aproximadas

La época del tango comenzó en la primera década del siglo XX, en los conventillos y demás lugares de clase baja. Surgió de parte de inmigrantes europeos de la época y al principio era muy mal visto por la clase alta debido a la sensualidad y erotismo de su estilo. Pero más tarde comenzó a ser aceptado, ya que había sido tomado por algunos otros países, como Estados Unidos y Francia, entre otros países de Europa, y se utilizaba en cabarets lujosos y otros ambientes de la alta sociedad.

Hoy en día, existen varios estilos de tango además del argentino; algunos de ellos son: el tango uruguayo, chino y finlandés. También hay una variación de los estilos de baile en cada caso.

Formación e Instrumentos

En los orígenes del tango, la guitarra es la que participa de sus pasos iniciales. Fue el principal medio, en tanto se adaptaba a las primeras letrillas. El piano desplazó a la guitarra, pero ésta vuelve como acompañamiento de los cantares, cuando se impone la letra. El violín también recogió y difundió el tango en mano de músicos ambulantes. Más tarde se incorporarán instrumentos de viento como la flauta y el clarinete, y la armónica y el acordeón. En cuanto a las formaciones musicales, fueron fortuitas, dúos y tríos compuestos por guitarra, arpa y flauta, a veces acordeón. El bandoneón terminará siendo el instrumento más característico del tango, el que le determinará su lentitud, su gravedad. Su sonido incidió en la forma nostálgica, sentimental, que terminó siendo dominante. La orquesta moderna, normalmente en sextetos, es un compuesto de piano, bandoneones, violines y contrabajo. Entre los músicos que integraban estas primeras agrupaciones estaban Genaro Spósito, Ángel Villoldo, Juan Maglio, Roberto Firpo y Francisco Canaro.

Su Influencia en la Cultura Local e Internacional

En cuanto a la influencia en la cultura local, esta la hizo evolucionar debido a la aparición de músicos de mejor preparación como Juan Carlos Cobián, Enrique Delfino y Osvaldo Fresedo. Otro avance fue que los compositores fueron encontrando cada vez más formas y estilos para componer. Un factor que les dio la posibilidad de hacerse más conocidos fue la posibilidad de cantar en radio y teatros; ejemplo: Carlos Gardel. En cuanto a las influencias internacionales, había comenzado a venir al país gran cantidad de extranjeros a presenciar los bailes y cantos de tango. Esto sucedió cuando el tango comenzó a ser permitido en la clase alta.

Cronología

• Década del 20: Carlos Gardel
• 30: Julio de Caro, Enrique Santos Discépolo
• 40: Francisco Canaro
• 45: Aníbal Troilo
• 50 (década de oro): Horacio Salgán, Mariano Mores, Osvaldo Pugliese, Julio Sosa, Tita Merello
• 60: Astor Piazzolla
• 70: Crisis
• 80: Resurrección

Instrumentos

Bandoneón, clarinete, flauta, guitarra criolla, violín, contrabajo, piano, quinteto eléctrico.

Temáticas

Nostalgia, duelo, penas, fracasos de amor, vida nocturna, la vieja, el barrio, juego/timba.

Otros Cantantes

Roberto Goyeneche, Edmundo Rivero, Alberto Castillo, Hugo del Carril, Libertad Lamarque, María Graña, Amelita Baltar, Susana Rinaldi, Enrique Cadícamo.

Lugares Temáticos

Caminito (La Boca), Café Tortoni (Av. de Mayo), Bar Homero Manzi (San Juan y Boedo), San Telmo.

Lunfardo

Afanar, apoliyar, batir, cucuza, pelandrón, polenta, chicato, chirusa, chirulo, faso, urso, yapa, grela, junar, morfar, napia, yeta.

Siglo XX

Mahler, un Romántico Tardío

En el cambio de siglo, el austriaco Gustav Mahler (1860-1911) todavía estaba marcado por la influencia del Romanticismo y de Wagner. Para él, la música constituía un medio de expresar las emociones. Mahler fue conocido como conductor de orquesta. Compuso sinfonías amplias, que necesitan una orquesta inmensa. Mahler también hacía intervenir a menudo la voz humana en sus sinfonías. Buscando ampliar las formas tradicionales, Mahler abrió la vía al Expresionismo.

Debussy, el Innovador

Claude Debussy (1862-1918) es considerado como uno de los padres de la música contemporánea. Sus obras para piano, generalmente muy suaves, reposan sobre matices muy sutiles. Su música para orquesta está apegada a la calidad del timbre, a efectos de ritmos y de intensidades sonoras que dan una impresión sorprendente de limpidez y naturalidad. Debussy forjó un lenguaje musical ignorando las reglas clásicas.

Ravel, la Exigencia y la Fantasía

También pianista, Maurice Ravel (1875-1937) primero escribía sus obras para piano y luego las transcribía para la orquesta. Se destacó en la orquestación, con una armonía muy rica. A veces se encuentran en su música influencias españolas. Su obra más famosa es el Bolero (1928): está construido alrededor de dos temas repetidos indefinidamente en un crescendo de 15 minutos, pero la armonía del ritmo está compensada por la entrada de los instrumentos de la orquesta.

Stravinsky y los Ballets Rusos

De origen ruso, naturalizado francés y luego norteamericano, Igor Stravinsky (1882-1971) marcó la época por la diversidad de su estilo y su lenguaje musical. En una de sus obras incluyó un pasodoble español, un tango argentino, un vals vienés y un ragtime norteamericano.

En el Escenario de la Ópera

A comienzos del siglo XX también ocurrió un florecimiento de óperas. El compositor alemán Richard Strauss (1864-1949) mostró en sus óperas una inspiración muy diversa. Estaban cargadas de grandeza y de violencia, de comedia y emoción.

La música y los temas de las óperas del austriaco Alban Berg traslucen una visión desgarrada dentro de formas innovadoras.

Otros compositores fueron: Kurt Weill (1900-1950) y Benjamin Britten (1913-1976).

El Jazz

El jazz es una forma de música que nació en EE.UU. a finales del siglo XIX.

En 1865, en Nueva Orleans, las marchas militares sudistas sonaban junto a la música antillana de los criollos y el gospel, música evangélica, y los cantos espirituales de la población negra, originaria de África oriental. De esta mezcla surgiría a finales de siglo un nuevo estilo musical: el ragtime, género musical tocado en piano nacido en EE.UU. hacia 1870 que le dio un ritmo de jazz a las músicas de salón y de danzas europeas. Hacia 1900, este sonido había evolucionado hasta llegar a constituir lo que hoy conocemos como jazz. Además, hay que añadir la gran influencia que tuvo el blues, género heredero de la tradición gospel y de los cantos espirituales de los que también bebió el jazz. Tantas influencias iniciales han hecho de este estilo una música extraordinariamente abierta.

Rápidamente el estilo se interracializó y causó sensación en EE.UU. En los años veinte apareció el trompetista Louis Armstrong y el saxofonista Sydney Bechet, y en la década de los años veinte empezaron a surgir las big bands. Estas se caracterizaron por su sonido alegre, brillante y desenfadado, que se llamó swing. Hacia la década de 1940, una serie de jóvenes músicos negros decidieron encaminarse hacia un estilo en el que primara la libertad rítmica y armónica: el bebop. No obstante, en los años cincuenta surgió una relación contra el estandarizado bebop, que recibió el nombre de cool jazz, un estilo más melódico, menos febril y más purista. Como reflejo del espíritu revolucionario que agitaba a las comunidades afroamericanas de los años sesenta, surgió el free jazz, un estilo en que la improvisación es la base de todo el desarrollo musical, al margen de cualquier esquema armónico. Surgió la síntesis de estilos que ha recibido el nombre de jazz fusión. El rock fue uno de los principales géneros con los que se fusionó el jazz.

El Rock & Roll

Alan Freed, un disc-jockey, fue quien inició este nuevo estilo de música, que supuso el inicio de una verdadera generación revolucionaria, un nuevo estilo de vida con clara vocación rebelde. El inicio fue marcado por Bill Haley y sus Comets, pero en 1954 fue Elvis Presley quien consagró el género, junto a Chuck Berry y Little Richard.

Surgió otro tipo de música, el folk, como canción de protesta. A mediados de los sesenta, Joan Baez, Bob Dylan y Leonard Cohen lideran este tipo de música.

Su epicentro: Liverpool. En 1962, Los Beatles lanzaron al mercado su primer disco.

Rolling Stones, The Who, The Moody Blues fueron los iniciadores del rock sinfónico que cultivaron grupos como Emerson, Lake and Palmer, Genesis o Pink Floyd.

De finales de la década de los sesenta y principios de los setenta son el hard rock y el heavy metal: Led Zeppelin o Deep Purple y AC/DC, formados en el año 1968, son solo algunos de los exponentes de esta línea musical agresiva y electrizante. En el polo opuesto surge el glamour rock, cuyas características principales fueron más parafernalia que de partitura.

A mediados de los setenta, en 1975, el testigo de la agresividad lo toman los punks, modelo de irreverencia y espíritu iconoclasta que tiene su paradigma en Sex Pistols y en su líder Sid Vicious. Al unísono surgían grupos como Boney M, Bee Gees y Village People. En sus notas se percibía cada vez más el predominio de los instrumentos electrónicos, se acercaba el techno de los años ochenta.

Expresionismo Abstracto

Características

• Su preferencia por grandes formatos.
• Trabajaban con óleo sobre lienzo.
• Eliminan la figuración.
• Ocurren expresiones en las cuales aparecen figuras reconocibles como la obra Mujeres de William de Kooning.
• Las telas tienen un aspecto geométrico.
• El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo, cian.

Orígenes

En primer lugar, los elementos formales provinieron tanto del cubismo como del surrealismo, pero los expresionistas abstractos los rechazaron, aunque fueron influidos por el último de estos movimientos (surrealismo). En segundo lugar, es un momento que surge en situaciones difíciles de EE.UU. como: el crack de 1929 (crisis = caída del mercado de la bolsa de valores en EE.UU.), la Gran Depresión (grave crisis económica que comenzó en 1929 y se extendió hasta finales de la década de los años 30 y principios de las 40) y después la Segunda Guerra Mundial (conflicto armado más grande y más sangriento de la historia mundial). Estas circunstancias explican en parte el contenido comercial de los expresionistas abstractos.

Action Painting

Pintura gestual. Gesto o movimiento de pintar. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Pollock extendía la tela sobre el suelo y corría sobre ella, derramando la pintura de manera uniforme. En efecto, no trabajaba la tela con pincel o espátula, sino mediante la técnica del dripping (consiste en dejar gotear pintura desde un recipiente con el fondo agujereado).

Él plasmaba un hecho o una acción en vez de una imagen.

William de Kooning

Su obra se centró en representar la figura femenina, se identificaba gracias a unos senos de enorme tamaño. Recurría a colores primarios, sirviéndole el blanco y negro para dar toques a las figuras.

Robert Motherwell

• Blanco y negro (colores predominantes).
• A veces realiza obras en forma de collage.
• Punto intermedio entre el gesto abstracto y la fragmentación figurativa.

Informalismo

Surge en Europa como un movimiento de posguerra (creó un ambiente de duda, por lo que los artistas no tenían causas por las que luchar). Desarrollaron una estética informal para traducir sus emociones.

Características de la Pintura

• Espontaneidad del gesto.
• El empleo expresivo de la materia.

Principales Representantes

Jean Dubuffet y Jean Fautrier: existe entre ellos un cuestionamiento hacia el concepto accidental de la belleza. Se utiliza arena, arcilla, etc. El color no es tan importante; lo que vale es la expresividad de la materia y el trazo gestual.

Pop Art

Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales mundanos.

Buscaba utilizar imágenes populares en opción a lo estilista existente en las bellas artes.

Resalta el aspecto banal a través del uso de la ironía.

El concepto del arte pop no hace tanto énfasis al arte, sino a las actitudes que la conducen.

Pop 1950: Gran Bretaña

Orígenes: Independent Group, 1952.

Incorporan imágenes de la cultura de masas, pero no por valorar la cultura popular como elemento artístico ni pretendían introducirla como elemento de arte. Proponían que fuese considerada por sus valores propios.

Galloway: realiza un análisis sociológico contra lo estético tradicional, modernista, que definía el valor artístico como trascendente y establecía jerarquías de calidad entre productos de la cultura popular. También se analiza y discute cómo la tecnología había transformado los modos de presentación.

3 Etapas del Pop Británico

A) 1952-1956: actividad underground de Independent Group (artistas Hamilton/Paolozzi).

B) 1957-1959: se incorpora la obra de Blake y Smith.

C) Década del 60: el pop es un movimiento ya consolidado, atrae a la prensa y a la crítica, utiliza el collage y el manejo manual de la pintura.

Pop Americano

Técnicas y temas tomados del arte comercial, tiene dos sentidos posibles:

Sentido amplio: incluye el arte de los 60 que interpreta sujetos y objetos comunes producidos masivamente. Tomó como referente los objetos comerciales, sin técnica. Los artistas trabajaban con la cultura popular.

Sentido estrecho: imágenes tomadas del arte comercial, signos de signos, utiliza técnicas mecánicas impersonales (técnicas del ámbito publicitario). Los objetos representados en el pop son signos. Las imágenes solo se transforman de tamaño. Los artistas son: Warhol, Lichtenstein, Rosenquist, Wesselmann.

Contexto Histórico

1930: Gran Depresión, crisis económica mundial. Alemania: nazismo, se inicia el Holocausto. En España comenzó la Guerra Civil Española. En la India, Gandhi inicia sus primeras manifestaciones pacifistas. Segunda Guerra Mundial. Gran Depresión en EE.UU., industrializado por sustitución de importaciones (Argentina, Brasil, México).

1940: Aparece la teoría del Big Bang, se inventan los reactores nucleares, los hornos microondas y los discos de vinilo. Finaliza la Segunda Guerra Mundial con los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki. Plan Marshall, creación de la ONU y la OTAN y la Declaración de Derechos del Hombre. Revolución en China. Independencia en la India y Pakistán. EE.UU. queda como centro artístico (desplaza a Europa). Crecimiento de los medios masivos de comunicación. Aparece el expresionismo abstracto en EE.UU. y el informalismo en Europa. En este continente, producto de la Segunda Guerra Mundial, aparece el existencialismo condicional.

1950: Primeros viajes espaciales, creación de la tarjeta de crédito, el microchip, TV en color, cinta para video. Descolonización de África, Guerra de Corea. Creación de la Comunidad Económica Europea.

1960: Revolución en Cuba, avión supersónico, casete, televisión satelital, sintonización musical, primera computadora científica, construcción del Muro de Berlín, primera cadena de supermercados, sistema de impresión sofisticado. EE.UU. genera íconos y modelos de vida basados en el consumo y modalidad.