La escultura del Renacimiento en Italia: Quattrocento, Cinquecento y Miguel Ángel

La escultura del Renacimiento en Italia

Características generales

• El sentimiento clásico aparece antes en la escultura que en la arquitectura, ya en la Europa gótica.
• En el Trecento, en Siena y Pisa, Nicolás y Juan Pisano difunden ya un arte naturalista y moderno.
• Es en Italia donde surge tempranamente, debido a los abundantes restos de escultura romana que allí se conservaban.
• Utiliza materiales nobles como el mármol y el bronce, con los que se alcanza gran perfección.
• Los protagonistas son el hombre y la naturaleza. Se acentúa el naturalismo: se busca la representación de la realidad, aunque a veces esta es idealizada. Se intentan crear modelos ideales que expresen el ideal humano tal y como se concibe en el Renacimiento.
• También es importante la preocupación por la expresividad de las figuras.
• En bulto redondo se realizan bustos, figuras de cuerpo entero, motivos funerarios y estatuas ecuestres. Tampoco se descuida el relieve, utilizándose en la misma obra alto, medio y bajo relieve para dar sensación de profundidad.
• Por último, cabe mencionar que la escultura renacentista se caracteriza por la proporción, la simetría y el canon. Aunque continúa siendo fundamentalmente cristiana, el simbolismo religioso se subordina a la consecución de la belleza, centrando su interés en la belleza formal de las figuras y estudiando asimismo la anatomía a través del desnudo y el retrato.
• También reaparecen los temas mitológicos.

La escultura del Quattrocento (siglo XV)

El Quattrocento es en escultura un siglo florentino, dominando en él todas las técnicas y estilos.

a) Lorenzo Ghiberti

Es el primer gran escultor plenamente renacentista, aunque inicia su estilo con muchas supervivencias formales del mundo del gótico internacional. Destaca sobre todo por la visión pictórica de los relieves.

+ Segundas puertas del Baptisterio de Florencia

En 1401 se convoca un concurso para realizar las puertas que faltaban del Baptisterio de Florencia. Se presentan importantes artistas, entre ellos Brunelleschi, pero el concurso lo gana Ghiberti. Es una puerta con escenas evangélicas fundida en bronce; tanto el marco como la composición conservan rasgos del gótico internacional: curvas en las figuras y paisajes acartonados, pero también innovaciones clásicas, como el volumen.

+ Puerta del Paraíso del Baptisterio de Florencia

Auténtica revelación de la escultura renacentista. Tiene formato cuadrado, distinto al lobulado tradicional. Concepción pictórica del relieve, incluyendo perspectiva, paisaje, arquitecturas clásicas e incluso atmósfera. El relieve se concibe como espacio tridimensional, consiguiendo los efectos de profundidad graduando los volúmenes y la definición de los contornos.

b) Donatello

Es el scultor más importante del siglo XV. Busca siempre representar al hombre vivo y de carne, mostrando su capacidad de captación de los valores humanos en sus figuras.

+ San Marcos

En sus obras iniciales aún son muy estilizadas y curvadas, propias del gótico internacional. Destaca porque la figura definitivamente se hace independiente de su posición arquitectónica.

+ San Jorge

De pie, armado, representa la juventud desafiante y altanera que anuncia la terribilità miguelangelesca.

+ El profeta Abacuc

Crea un nuevo tipo de profeta, alejado de la iconografía medieval, de tremenda expresividad y realismo, transmitiendo la dignidad y nobleza del personaje.

+ David de bronce

Joven pensativo y melancólico, tocado con el sombrero típico toscano. La composición invita a rodearlo y admirarlo desde todos los puntos de vista y es plenamente clásica, apareciendo desnudo, en contrapposto.

+ El Gattamelata, Padua

Magistral retrato ecuestre del condottiero Erasmo de Narni, recordando a los mejores retratos romanos del género. Lleno de vida y personalidad, es un auténtico análisis psicológico del guerrero y el poder.

+ Relieve del Festín de Herodes del Baptisterio de Siena

Relieve realizado en bronce según la técnica de Ghiberti, pero la expresividad de las figuras es donatelliana. Composición audaz, el tema central a un lado, arquitecturas renacentistas al fondo y perspectiva.

+ Relieves de la cantoria de Florencia

Abandona en ellos el interés pictórico de Ghiberti. Narra la alegría infantil, predominando el equilibrio compositivo marcado por las columnas, que contrasta con la tensión y movimiento de las figuras.

La escultura del Cinquecento (siglo XVI)

En contraposición al siglo XV, y del mismo modo que en arquitectura, el XVI va a ser de predominio romano frente a lo florentino. En lo estrictamente formal, las delicadezas cuatrocentistas y el amor al detalle menudo van a ceder el paso a la grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las obras de Jacopo della Quercia.

a) Miguel Ángel Buonarroti

Es uno de los máximos genios de la historia: fue poeta, pintor, arquitecto y, sobre todo, escultor. Su calidad excepcional y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu hacen de Miguel Ángel el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, aunque sea el más complejo. Sus figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos modelos fervorosamente estudiados.

De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la búsqueda de la idea de belleza; sus figuras no son reales, sino ideales.

Sus primeras obras son aún clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras conocer la obra de Jacopo della Quercia, su monumentalidad imprimirá un giro definitivo a su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio del Quattrocento, lo rompe en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el manierismo y el barroco.

+ Piedad del Vaticano

Reflejo de sus estudios de obras clásicas al llegar a Roma. Soberbia obra de perfecto equilibrio entre una concepción monumental, de volúmenes puros y cerrados, y un acabado refinadísimo y delicado; de belleza neoplatónica y composición racional, triangular. Sorprende la extremada juventud de la Virgen, en la que quiso, sin duda, expresar no la virgen real, madre dolorida y madura, sino la virginidad eterna y sin edad.

+ David

Desnudo heroico, de tamaño mayor que el natural, impresionante en su grandiosidad, rompiendo la iconografía tradicional que lo representaba como adolescente. Realizado sobre un enorme bloque de mármol de forma alargada y estrecha, lo que le obliga a acabar la obra casi plana.

En él apreciamos los rasgos de su arte: la terribilità, el carácter terrible y amenazador de sus figuras; la tensión de la anatomía, el movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro; la falta de simetría en la postura; la pasión del rostro y el perfecto estudio anatómico, dando la sensación de que la figura está viva.

La postura es clásica, pero las manos, el gesto terrible y la disposición en zigzag del cuerpo comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del manierismo.

+ El sepulcro del papa Julio II: el Moisés y los esclavos

Concebido primero como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la cúpula de San Pedro, con más de 40 figuras de tamaño colosal, hubo de irse reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas, familiares). Cuando muchos años más tarde se instaló en la iglesia de San Pietro in Vincoli, solo figuran en él, de su mano, el famoso Moisés y las estatuas de Lía y Raquel.

• El Moisés: motivo central de la tumba, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible, pensativo y severo, reflexivo y prudente, el ideal del Renacimiento; pero en la fiereza de su mirada despunta la terribilità miguelangelesca.
• Los esclavos: debían ir también en el mausoleo de Julio II, pero quedaron inacabados. Ondeantemente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas. Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este momento la expresión en sus figuras se hace más intensa, las actitudes más violentas y un aire de dramático pesimismo velará los rostros.

+ Sacristía Nueva de San Lorenzo: capilla funeraria de los Médici

Integra arquitectura y escultura en los sepulcros de Giuliano y Lorenzo de Médici. Uno sentado, desafiante; el otro pensativo: no solo dominio de la anatomía, sino, más importante, el sentimiento que transmiten. A sus pies, recostadas sobre los sarcófagos, otras cuatro figuras, dos y dos: la Aurora y el Crepúsculo, el Día y la Noche, entendidas como robustos cuerpos desnudos, desde la juventud espléndida de la Aurora a la poderosa vejez del Crepúsculo.

+ Piedad Rondanini

En los últimos años de su vida siente la fuerte religiosidad, por lo que se sentirá atraído por el tema de la piedad. Las últimas que realiza son dramáticas, cada vez muestran mayor dolor y desesperación, sobre todo esta, que no llegó a terminar. En ella la expresividad llega a deformar las proporciones y la técnica empleada es sumaria y sugestiva (como en los escultores impresionistas del siglo XX).