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Emily Dickinson -501 (Religion-Romanticismo)

Dickinson dramatiza el conflicto entre la fe en la inmortalidad y la duda grave.El poema se puede dividir en dos partes: las primeras doce líneas y las líneas últimas ocho.

Comienza por afirmar enfáticamente que hay un mundo más allá de la muerte, que no podemos ver, pero que todavía podemos entender intuitivamente, como por ejemplo hacemos música.

En los versos  4-8 introduce conflictos. La inmortalidad es atractiva, pero desconcertante. Incluso las personas sabias deben pasar por el enigma de la muerte, sin saber a dónde van. El agramatical "don’t", combinado con la dicción elevada de la "philosophy" y la "sagacity", sugiere la pedantería de una niña.

En los próximos cuatro versos, el narrador se esfuerza por afirmar la fe. Los desconcertados estudiosos son menos admirables que los que han defendido sus creencias y sufrió muertes semejantes a Cristo. El hablante quiere ser como ellos. Su fe aparece ahora en la forma de un pájaro que está buscando razones para creer. Pero la evidencia disponible demuestra tan irrelevante como ramitas y tan indefinido como las direcciones mostradas por una veleta que gira. La desesperación de un ave sin rumbo en busca de su forma es semejante al comportamiento de los predicadores cuyos gestos y aleluyas no puede señalar el camino a la fe.

En las dos últimas líneas indican que el narcótico que los predicadores no pueden ofrecer todavía sus propias dudas, además de las dudas de los demás.

1601: Emily Dickinson

Este poema es un intento de Emily Dickinson para disipar las ideas del Cielo y el Infierno, y ridiculiza la religión organizada. A través de 1601, Dickinson afirma que la religión organizada es una trampa de la mente, en la que lo que se siente bien está mal, y la idea del Cielo y el infierno son ilusiones.

En las líneas 1 a 3, la poeta comienza a insinuar la inutilidad de la práctica de la confesión. En línea de cuatro, explica otro golpe para la confesión, ya que cualquier pecado que alguien vaya a confesar, Dios ya lo sabrá. Introduce la idea de que la gente está perdiendo el tiempo averiguando por qué lo que eles hace feliz está mal.

En las líneas cinco y seis, Dickinson cuestiona también las ideas de la religión. En estos versos nos explica que a lo largo de su vida, la gente está encerrada dentro de una cárcel “mágica”. Dickinson usa la palabra mágica para crear una idea en la mente de los lectores de que esta prisión que la gente se había encerrado es una ilusión. Esta prisión era un "dispositivo engañoso", utilizado por los líderes de la religión organizada para crear una amenaza, con lo que intimidar a la gente para que sigan las doctrinas religiosas de la iglesia.

En la línea 7, Dickinson indica que las personas son responsables de construir su propio cielo mientras están vivos.

Dickinson concluye en la línea 8, que la felicidad que sienten las personas cuando están haciendo algo que les gusta, independientemente de si es o no considerado malo por su religión, puede competir con cualquier oferta de perfección que una religión presenta. Dickinson entiende que las personas son diferentes, y con ese conocimiento sabe, que las promesas del Cielo que ofrece una religión están muy bien para algunas personas, pero para otras no, y estas pueden encontrar  la felicidad en el placer de la vida ordinaria, si no hubiera sido prohibido por su religión.

En total, Dickinson afirma que las pretensiones de la religión organizada en los asuntos del Cielo, el Infierno, y la confesión son engañosos, y que depende de la persona para decidir cuál es su versión del cielos, terrenal o no, y lo que, en todo caso, debe mantenerse como un dios.

The Tiger: William Blake (Colonolialism and Enlightement. Religion)

El poema consta de seis cuartetos y su rima es asonante, la cual sigue el patrón aabb.

En relación con los campos semánticos, hay palabras relacionadas con las herramientas utilizadas por un herrero como, por ejemplo, martillo (hammer), cadena (chain), horno (furnace) y yunque (anvil), en la cuarta estrofa. Además podemos encontrar un campo semántico relacionado con la naturaleza como, por ejemplo, bosques (forests) línea 2, cielos (skies) línea 5, cordero (lamb) línea 20. Pero, sober todo el poeta utiliza un campo semántico relacionado con la creación, cuando escribe palabras o frases como:

‘What immortal hand and eye

Could frame thy fearful symmetry?’

La estructura simple y el vocabulario ayudan al lector a comprender los principales temas o conceptos, los cuales son el mal el bien y Dios.

La primera impresión que da el poeta es que ve a un tigre en la noche, y como consecuencia de su pánico, el poeta exagera la descripción del animal cuando escribe:

‘Tyger! Tyger! Burning bright

In the forests of the night…’

Sin embargo el autor habla sobre el Mal y el Bien. Estas dos ideas están simbolizadas en el Tigre y el Cordero, respetivamente (las dos palabras están escritas con letras mayúsculas).

Después de ver el Tigre en el bosque, el poeta se pregunta qué deidad podría haberlo creado.

‘What immortal hand and eye,

Could frame thy fearful symmetry?’

La palabra Inmortal le da al lector una pista para saber que el autor se refiere a Dios. En la segunda estrofa el autor se pregunta en qué lugar fue creado el tigre, refiriéndose a que esos lugares no podían ser alcanzados por cualquier mortal. En la tercera estrofa, pregunta de nuevo, donde empezó a latir el corazón del tigre y quien podría haber creado un animal tan aterrador y malvado. En la cuarta estrofa, Blake se pregunta cuáles fueron las herramientas utilizadas por Dios. Se mencionan utensilios utilizados por el herrero por lo que para el poeta Dios es un artesano. En la quinta estrofa el poeta hace dos preguntas importantes:

‘Did he smile his work to see?’

‘Did he who made the Lamb make thee?’

William Blake no entiende por qué o cómo la deida que es responsable del bien y de la inocencia es, al mismo tiempo, la misma que crea la violencia y el mal en el mundo. Sin embargo el poeta no hace ninguna declaración. El solo hace preguntas para que el lector las piense. Finalmente la última estrofa es la misma que la primera lo que puede mostrar que el autor no entiende el mundo en el que vivimos.

The Chimney-Sweeper (1794). William Blake.

En el primer quatrain el speaker se encuentra a un niño de raza negra abandonado en la nieve. El niño está llorando y el speaker le pregunta que donde están sus padres, a lo que el niño le contesta que se han ido a rezar a la iglesia.

En el segundo quatrain el niño explica al speaker que mientras él estaba tan feliz, sus padres le guiaron casi hasta la muerte y le enseñaron a llorar.

En el último quatrain el niño negrito continúa diciéndole al speaker que a pesar de que él se lo pase bien, sus padres nunca han pensado en el daño que le han hecho. Ellos siguen rezando al dios que han hecho de este mundo una miseria y pobreza.

AABB CDCD EFEF.

Assonance: Repetition of the vowel “I”, in second line of first stanza (Crying! Weep! Weep! In notes of woe)

Imagery: “black thing”, para referirse al niño negrito. “Clothed me in the clothes of death”, para referirse a las malas condiciones que sus padres le hacen vivir. “Sing the notes of woe”, para referirse a que debido a las condiciones que vive no para de llorar.

El tema principal es la crítica que hace William Blake (pertenece al romanticismo)a la religión institucionalizada, y contrasta fuertemente con el tono del poema escrito 5 años antes. El tema principal es descrito al final del poema, donde se observa que sus padres creen y adorar a un dios que vive en un cielo lleno de gloria, mientras que en el mundo real, su hijo es tratado en la pobreza y en la sobreexplotación infantil.

The poem reflects the cultural realities that took place and are real depictions of young children from the working class during the time of the Industrial Revolution. In “The Chimney Sweeper,” Blake protests against the working conditions, living conditions, and overall treatment of young chimney sweeps through the eyes of a youth; using radiant imagery and symbolism, Blake successfully emphasizes the innocence of a child who does not comprehend the injustice that he is experiencing.  In conclusion, William Blake’s “The Chimney Sweeper” is a profound poem that communicates the humanitarian concerns that existed during the time of the Industrial Revolution in England. The poem highlighted the life of a chimney sweep and his dream of breaking free from his imprisoned life that was not his own.  Blake expresses the horrors of the children’s lives though strong imagery, voice, and mood. His use of literary devices helps to strengthen and illustrate his disapproval of the mistreatment of the young children.

William Wordsworth – The Daffodils (1807-Principios del Romanticismo, Lakista)

Las cuatro estrofas de este poema siguen la estructura ABABCC.

El narrador dice que se encuentra vagando por valles y colinas, como si estuviese sobre una nube. Cuando se encontro con un campo de narcisos al lado de un lago. Debido a esas flores, expresa que un poeta no puede dejar de ser feliz, con esa compañía. El poeta dice que miró y miró sin darse cuenta de la riqueza que ese escenario le traería. Dado que ahora, cada vez que se siente libre o pensativo, su memoria parpadea en ese ojo interior en el que ve el campo de narcisos y su corazón se llena de placer y baila con los narcisos.

La trama es muy simple, representa el vagar del poeta y su descubrimiento de un campo de narcisos junto a un lago, el recuerdo le gusta y le consuela cuando esta solo, aburrido o inquieto. La caracterización de la aparición repentina en su memoria es psicológicamente aguda, pero la brillantez del poema reside en el reverso a la personificación realizada en los primeros versos.

El narrador se compara metafóricamente con un objeto natural, una nube. Y los narcisos aparecen personificados como seres humanos, “bailan y sacuden sus cabezas, en una multitud”. Esta técnica implica una inherente unidad entre el hombre y la naturaleza, lo que es uno de los métodos más básicos y efectivos de Wordsworth para inculcar en el lector la sensación de que el poeta tan a menudo se describe como experimentando. 

Dover beach: Matthew Arnold

El poeta utiliza la primera, la segunda y la tercera persona del punto de vista en el poema. En general, el poema presenta las observaciones del autor en tercera persona, pero se desplaza a otra persona cuando se dirige a su amada, al igual que en la línea 6 (Ven), línea 9 (¡Escucha! te), y la línea 29 (vamos). Luego se pasa a la primera persona cuando incluye a su amada y el lector como observadores, como en la línea  29 (nosotros). También utiliza la primera persona para declarar una observación que es sólo suya. Esta instancia se produce en la línea 24.

La persona destinataria del poema - Líneas 6, 9 y 29 - es la esposa de Matthew Arnold. Sin embargo, puesto que el poema expresa un mensaje universal, se puede decir que puede ser cualquier mujer escuchando las observaciones de cualquier hombre.

El mensaje central de Arnold es: los desafíos para mostrar la validez de antiguos preceptos teológicos y morales han sacudido la fe de la gente en Dios y la religión. En el mundo de Arnold de los años a mediados de 1800, el pilar de la sociedad que se apoya en la  fe se desmorona por el peso de los postulados científicos, como la teoría de la evolución de Darwin. Por consiguiente, la existencia de Dios fue puesto en duda. Arnold, que era profundamente religioso, lamentó la muerte de la luz de la fe, simbolizada por la luz que ve en "Dover Beach" en las costas de Francia. Él seguía siendo un creyente de Dios y la religión, a pesar de que estaba abierto a una reforma del pensamiento religioso tradicional.

"Dover Beach" es un poema con el tono lúgubre de una elegía y la intensidad personal de un monólogo dramático. Debido a que la métrica y la rima varían de una línea a otra, el poema se dice que es en verso libre.

Interpretación:

Párrafo 1 y 2:

luz... pasado : Esta cláusula establece un sentido del ritmo en que la luz parpadea encendido y apagado. En adición, la cláusula anuncia el mensaje de las líneas más tarde - que la luz de la fe en Dios y la religión, una vez firmes, ahora parpadea.

rejilla: Aquí, rejilla (que significa raspar, moler, o raspado) presenta conflictos entre el mar y la La primera estrofa comienza cuando arnold habla de la belleza del paisaje, está en su luna de miel y comparte su amor por el mundo, porque los países están representados como belleza. La segunda estrofa interpreta el mismo asunto hasta la tercera línea cuando se produce un cambio repentino del pensamiento, que muestra el afecto de resentimiento. tierra y, simbólicamente, entre antiguas creencias religiosas

Párrafo 3:

Hubo un tiempo en que la fe en Dios era fuerte y reconfortante. Esta fe se envolvió alrededor de nosotros, que nos protege de la duda y la desesperación, ya que el mar se envuelve alrededor de los continentes e islas del mundo.

Ahora, sin embargo, el mar de la fe se ha convertido en un mar de dudas. La ciencia desafía los preceptos de la teología y la religión, la miseria humana hace que la gente se siente abandonada y solitaria. La gente pone su fe en las cosas materiales.

Párrafo 4:

Vamos a por lo menos ser fieles el uno al otro en nuestro matrimonio, en nuestras normas morales, en la forma en que pensamos, porque el mundo no va a ser verdad para nosotros. A pesar de que se nos presenta como un país de los sueños, es una farsa. Cuenta con nada para aliviar nuestro viaje por la vida.

John Keats – La Belle Dame Sans Merci (1819-Romanticismo inglés)

Pretende golpear a los lectores con un horror que estos ya conocen y anticipan.

Resumenà Un narrador no identificado le pregunta a un caballero qué le aflije, el caballero le responde que conoció una bella dama, una hada, que le había mirado como si le amase.

Cuando él se sentó en su caballo, ella lo llevó a su cueva. Allí ella le cantó hasta que se durmió. En su sueño, tenía una pesadilla, diferentes personajes le dijeron que había sido esclavizado por una mujer hermosa pero cruel. Al despetarse la señora se había ido, y él estaba acostado en una ladera fría.

Análisis à El poema es una balada, un género medioval revivido por los poetas románticos. Keats utiliza varias características de la balada como la sencillez del lenguaje, la repetición y la ausencia de detalles. También el tema, como algunas de las antiguas baladas, trata un tema sobrenatural.

Keats pone su historia de amor y muerte en un asolado paisaje invernal. La repetición del 3º y 4º verso al final del poema (con pequeñas variaciones), hace hincapié en la mala suerte del caballero y encierra el poema en un marco, al volverlo a traer de vuelta al principio.

De acuerdo con la tradición de las baladas, Keats no identifica a ninguno de sus personajes. Las omisión de información que Keats hace a lo largo del poema, contribuye a que el lector desarrolle su imaginación

First Fight. Then Fiddle: Gwendolyn Brooks

Es un ejemplo que sigue las reglas tradicionales, al mismo tiempo que añade un toque moderno. El poema sigue la forma del soneto petrarquista (una forma muy estructurada de escribir un poema). El soneto petrarquista emplea un esquema general de romper el poema en dos secciones de una octava y un sexteto. Este poema utiliza exactamente este esquema.

En las primeras ocho líneas no se menciona nada violento o cruel. Aparecen imágenes de cosas dulces como la miel para mostrar al lector que en estas primeras ochos líneas se explican cosas buenas.

En las ultimas 6 líneas es donde Brooks dice algo importante.

En la línea 11 se explica que la música se convierte en algo que no es música. En estas últimas líneas se trata de comunicar la fealdad de la guerra.

Entre las líneas 12-14, aparece que la violencia puede ser utilizada en casos necesarios. El poema trata acerca de la violencia hablado con belleza. lo interesante del ritmo de este poema es que se refiere al masculino. En algunas palabras al rimar solo la última silaba, es lo que hace que tenga un ritmo masculino. Esto da un impacto de violencia. Las terminaciones de las cuatro primeras líneas son palabras relacionadas con la música profundizando en el tema. El tema y el tono del poema se unen con la forma externa del soneto creando una forma eficaz.

Analysis: Lear (). William Carlos William (modernismo).

Para entender este poema es importante conocer quién era Lear. King Lear es una de las tragedias más famosas de William Shakespeare, su protagonista es el rey Lear. La obra trata sobre el drama de la senectud, relacionado con el desprendimiento del poder. Lear precipita su tragedia cuando decide repartir su reino entre sus tres hijas. Por ser un orgulloso malinterpreta el comportamiento de su hija menor, Cordelia, y la deshereda, ofreciendo su reino a sus otras dos malvadas hijas. El momento álgido de la obra tiene lugar cuando Lear tiene un desencuentro con una de sus hijas y acaba desamparado y solo, por la noche, en medio de una tormenta. Durante la noche se da cuenta de su propia tormenta interior, reconoce sus errores, pero acaba volviéndose loco. La verdad es demasiado dura para él. El bufón (the fool) es el único que le es fiel y le acompaña en esos duros momentos, pidiéndole al rey que no sea un tonto (fool) y se resguarde de la lluvia. Shakespeare crea varios diálogos donde se contrapone la sabiduría del "fool" con la ignorancia del rey. William Carlos Williams hace suyo y de todos nosotros este drama de Lear. Sería necesario comentar el uso que hace de la palabra "wife", la contraposición entre mujeres y hombres. La tormenta puede simbolizar también, como tú comentas, la barbarie de la guerra, que en el contexto histórico de Williams puede ser lo que detona su tormenta interior, que es el enfrentamiento que todos debemos tarde o temprano que asumir, nuestra propia muerte.

Williams Carlos Williams – Landscape With The Fall Of Icarus (1960-Modernismo)

El poema, como lo indica el título, roza la tragedia griega de Ícaro, el relato en el que Ícaro, hijo de Dédalo, llevó luz de Creta, donde él y su padre quedaron atrapados en el exilio, con alas hechas de plumas y cera . Ícaro, sin tener en cuenta los deseos de su padre que él no volar demasiado cerca del sol, fue lo que hizo y fundió su camino a una caída de plumas, ahogándose en el mar.

Es un poema narrativo ya que cuenta la historia de la caída de Icarus y podemos encontrar muchos detalles contextuales.

Tema: Cada ser humano vive para sí mismo. Por lo que a veces, el dolor y la tragedia al que una persona se enfrenta pasa desapercibido para el resto.

Rasgos importantes:

Título: La muerte de Ícaro pasa casi desapercibido y no llama la atención tanto como el paisaje de alrededor. Williams escribe que el mundo en el que Icarus cae es "concerned with itself".

Imagen: Williams crea una imagen vívida del paisaje de alrededor. Esto lleva aparentemente desde la trágica muerte de Icarus y lo reemplaza con el paisaje.

Ironía: Describe el paisaje y la comunidad de alrededor como "awake tingling", por lo que es irónico dado que el poema se supone que trata sobre la muerte. A lo largo de todo el poema, Williams es pintar un cuadro para el lector e ilumina el mundo de la naturaleza. Curiosamente, en la última línea, el lector podría pensar que sigue tratando sobre el paisaje, pero también cabe la posibilidad que sean las palabras más poderas sobre Icarus.

Tono: Utiliza un tono alegre, que parece ser irónico teniendo en cuenta el giro de los acontecimientos hacía el final del poema. El poema es sobre la muerte. Sin embargo, el tono no es deprimente o triste.

Ritmo y rima: Tiene esquema libre y no tiene ninguna rima específica.

Símbolo: “A splash quite unnoticed” se refiere a que la muerte pasa desapercibida.

Otros aspectos a destacar es que no usa mayúsculas, no utiliza signos de puntuación, crea estrofas cortas, incluyendo encabalgamientos. El poema parece una larga frase con la que rompe con los poemas tradicionales y su esquema.

This be the Verse – Philip Larkin (1974-Postmodernist)

Trata de captar la atención del lector. El uso de la palabra “fuck” causa un impacto inmediato.

1º Estrofa à Los padres transmiten sus propias faltas a sus hijos, sin la intención de “add some extra just for you”. Ellos crean las condiciones por las que se desarrollarán las demás faltas. Larkin habla al lector directamente con el uso de “you”. El poema pretende ser aplicable a todo el mundo y tiene la intencion de indicar que todos somos parte de un ciclo.

2º Estrofa à Larkin sigue con la idea de que los padres “fuck you up”, en esta estrofa introduce la idea de que tampoco es culpa de las padres porque a ellos les paso lo mismo. La palabra “but” al principio de la estrofa sera un tipo de excusa. El segundo verso quiere decir que cada generación ve a sus mayores de la misma manera, como fuera de contacto de las inquietudes de los hijos. Con la referencia a “soppy-stern” quiere decir que los padres se debaten entre ser demasiado cariñosos o demasiado estrictos, el resto del tiempo. El último verso, quiere indicar la contradicción que se produce que es la que “jode” a los hijos.

3º Estrofa à Se amplia el argumento, y se indica que el hombre es la causa de la miseria de sus semejantes y la imagen de  “a coastal shelf” indica las profundidades de la desesperación a la que la humanidad puede verse arrastrada si el ciclo continua. Finaliza el poema con una suplica para poner fin a está miseria, escapar cuanto antes de las garras de nuestros padres para limitar el daño. El mensaje del último verso, es la única vía para que termine el ciclo.

Days: Philip Larkin

"Days" es un poema curioso. En la primera lectura, parece ser un diálogo simple, casi infantil. Sin embargo, en una segunda mirada, el poema plantea varias preguntas inquietantes sobre su tema constante de la mortalidad y de la brevedad de la vida sin sentido.

El poema "Días" se compone de dos estrofas cortas. La primera estrofa es de seis líneas de largo y plantea dos cuestiones distintas. "¿Para qué son los días?" y "¿Dónde podemos vivir que no sean los días?" Entre las dos preguntas es una respuesta de cuatro líneas a la primera pregunta. La estrofa dos, consta solo de cuatro líneas y proporciona una respuesta a la segunda pregunta. La respuesta es enigmática.

Se pueden distinguir dos voces diferentes, una es la que hace las preguntas y otra la que responde. La primera voz podría ser la de un niño, ya que las preguntas son simples. La segunda voz es diferente y cambia a lo largo del poema. La respuesta a la primera pregunta tiene un tono simple. En un primer momento, la voz la voz parece ser amable. Sin embargo, en la segunda respuesta, la voz es cruel, ya que dice que el único lugar donde se puede vivir, a parte de los días, es la muerte.

El lenguaje es simple, tiene un tono informal y coloquial. La mayoría de las palabras en el poema  son monosilábicas. La palabra “days” se repite tres veces, lo que obliga al lector a reflexionar sobre el sentido de la palabra. En este poema la palabra días es tratada como un lugar, ya que cuando no te quedan días para vivir el único lugar donde lo puedes hacer es en la tumba, la muerte.

El tema principal en el poema es la existencia. Larkin examina la verdad de que toda vida debe acabar en la muerte. La imagen del sacerdote y el médico que vienen corriendo, implica que una persona se está muriendo.

El único detalle en el poema es la línea que describe las "manos largas" del sacerdote y médico. Esto hace que aparezcan individuos siniestros, corriendo a través de los campos hacia el paciente que se está muriendo. Su prisa parece indecente, como si ellos estuvieran a salvo de muerte y no la intención a la curación.

Este poema obliga al lector a considerar verdades dolorosas y quizás a ver la vida de manera diferente. 

The Explosion: Philip Larkin

Normalmente, cuando Philip Larkin escribe acerca de la religión y de la muerte, él habla de la erosión de la religión y la soledad de la muerte, pero en esta elegía él ofrece consuelo a las viudas y esperanza para el futuro. Philip Larkin pidieron que escribiera este poema para el servicio conmemorativo de los mineros que murieron en un desastre minero en 1969. Larkin se separa de este evento, ya que personalmente no lo experimenta. Su separación es evidente en la forma en que habla de una manera casual sobre la explosión, él no escribe con una intensa sensación de miedo o tristeza, en cambio, se limitó pasa por alto el evento sin describir cualquier parte de la violencia que siguió. Los tres temas principales de este poema son la muerte, el destino y el amor. Larkin reflexiona sobre el destino humano,  ofrece muchas pistas durante todo el comienzo del poema que algo malo iba a suceder, pero no había nada que alguien pudiera haber hecho para evitarlo. El amor nunca muere, el amor vive en nuestros corazones mucho después de que nuestros seres queridos han fallecido. En este poema, la muerte no es el final, los mineros vuelven envuelto en una bruma de oro, con el fin de consolar a sus esposas en el funeral. La última línea del poema ofrece una esperanza y demuestra que la vida sigue.

Este poema es una elegía y consta de ocho estrofas, que constan de tres líneas cada uno. La elegía se concluye con una sola línea separada del resto del poema que sirve para enfatizar la sensación de optimismo para el futuro. El lenguaje de este poema es conversacional e informal, y está destinado a ser leído en voz alta. Las cinco primeras estrofas terminan todas con un punto y cada una se centra en un solo pensamiento. No existe un patrón de rima en este poema, porque la explosión interrumpe el dia; la rima se utiliza para mostrar un flujo de acontecimientos o palabras, pero la explosión interrumpe ese flujo. 

At grass (1951). Philip Larkin

En la primera stanza, el speaker mira a dos caballos al atardecer. Al autor le resulta difícil distinguir la silueta de los caballos en la oscuridad, pero el viento que mueve la cola y la crin de los caballos, hace que se puedan distinguir mejor. Uno de los caballos está pastando y moviéndose, mientras que el segundo caballo se queda allí inmóvil, como si estuviera observando al otro caballo. Entonces, primer caballo se detiene como el otro y no hay manera de distinguirlos en la penumbra. Las palabras “Cold shade" y "distress" crean una atmósfera inquietante. Estas palabras pueden significar la muerte que luego les espera a los caballos viejos, jubilados.

En la segunda stanza, Larkin introduce un flashback. El poeta piensa que esos viejos caballos eran famosos hace quince años como caballos de carreras. Se imagina que ganaron varias copas, varias apuestas y carreras de hándicap. Los recuerdos de estas tardes de carreras y de gloria se han desvanecido con el paso del tiempo.

En la tercera stanza, el flashback continúa. Larkin se está imaginando los trajes de los jinetes, las sombrillas de los corredores de apuestasFotos de Larkin imaginación los trajes de seda de colores de los jinetes, las tablas numéricas y las sombrillas corredores de apuestas, etc. La escena fuera de la pista, en un día caluroso es un poco inquietante. Se imagina a los aparcamientos llenos de coches. Su mente jumps inside de la escena, como la gente está alocada, gritando por ver ganar a esos caballos que hoy pastan solitarios.

En la cuarta stanza, Larkin se pregunta si los propios caballos tienen recuerdos de aquellos maravillosos días e intenta observar si los caballos le responden pero la oscuridad dificulta su visión. Larkin piensa que las carreras eran una forma de abuso para los caballos, ya que ahora viven tranquilamente pese a no tener fama.

En la quinta stanza, el speaker proclama que los caballos se sienten cómodos con su anonimato, su vida privada. Se imagina que están contentos de haber dejado sus días como caballos entrenados. Ahora, se supone, que galopan alegremente proclamando su libertad. A Larkin le gusta el hecho de que los caballos sean libres. Los únicos seres humanos que tienen que relacionarse con ellos son sus cuidadores. Los caballos están a gusto sobre el césped. La referencia anterior a "sombra fría" es una imagen clásica de la muerte que viene. Por lo tanto, la imagen final de los cuidadores atentos puede ser un signo de amabilidad a la muerte que les espera a los caballos.

The poem is a lyric written in five stanzas of six lines each.

La muerte, la naturaleza y los recuerdos, son los temas principales.

Como dos caballos después de haber tenido una vida de gloria pero a la vez de sufrimiento por haber sido sobreexplotados han conseguido llegar a una muerte digna y tranquila.

  • Comparison Larkin compares the activities of both horses in the field at the start of the poem. One grazes while the other stands.
  • Imagery The imagery focuses on two horses in a meadow at dusk and the typical scene of their racing careers. The images appeal to a number of our senses.
  • Metaphor  Larkin compares the organised layout of cars in a car park to squadrons, as if the horses were controlled in a military situation.
  • Simile Larkin wonders if memories of their racing days bother the horses like the way flies torment their ears.
  • Personification In referring to the meadows as ‘unmolesting’ the poet personifies the meadows as good influences on the horses in contrast to the racetrack.
  • Contrast [difference] The poem is based on a contrast between the racing phase and the retired phase of racehorses’ lives. He contrasts the present, at dusk, with ‘fifteen years ago’.
  • Mood/Atmosphere The words ‘ cold shade’ and ‘distressed’ create a disturbing atmosphere in the first stanza. The various descriptions of the racetrack activities create an exciting and dramatic atmosphere in the second and third stanzas. The finals stanza, second line, creates a mood of joyous freedom.
  • Paradox [apparent contradiction]  The successful days which ‘sufficed to fable the horses’ were a type of molesting,
  • Repetition  Words like ‘summer’ and ‘groom’ add to the poem’s music. The following sound effects show a large amount of repetition
  • Assonance [similar vowel sound repetition] Notice the long ‘a’/ ‘ey’ sound of the second and third line of the poem. This creates a sad music that provides a gloomy atmosphere to accompany the dusk. The same effect is created in line nineteen and twenty with ‘plague their…they shake their heads’.
  • Alliteration [repetition of consonant sounds at the start of nearby words] ‘dozen distances’,
  • Sibilance [repetition of ‘s’ sound] Note how the ‘sh’ sounds in the second line captures the quietness of the horses environment. In ‘summer by summer all stole away’ the repeating ‘s’ reinforces the passing of time, which is shown negatively in the word ‘stole’. Line twenty-five is a good example of sibilance, all built around the word ‘ease’. Likewise lines thirteen and fourteen contain ten ‘s’ sounds, all of which add to the music of the poem.

Cut grass – Philip Larkin (Postmodernismo)

Philip Larkin utiliza la onomatopeya, el color y el simbolismo de flores, y la puntuacion para mostrar que la muerte es inevitable, y no se da cuenta de las circunstancias específicas. Al comparar la hierba cortada con el típicamente vibrante y animado mes de Junio, Larkin muestra la dureza de la muerte, y su desprecio hacia sus alrededores, proporcionando al mismo tiempo una sensación de esperanza una vez que la muerte llega.

En la primera estrofa, Larkin utiliza la onomatopeya para crear una imagen viva de la hierba cortada. Los sonidos agudos de "cut grass" implican fiereza, mientras que la frase siguiente "lies grail-se encuentra frágil", es un recueerdo de impotencia y debilidad. Él continúa con sonidos paralelos usando frases como "brief is the breath" y "exhale", cuyos sonidos se parecen a sus respectivas acciones. A través de su uso de la onomatopeya, Larkin conecta al lector con la hierba, y por lo tanto provoca simpatía. Mientras que el lector es sensible hacia la muerte, sin embargo, continúa, independientemente de lo animado de”young-leafed June”.

Larkin también contrasta el "brief breath" con "long death" para mostrar que la vida es relativamente breve en comparación con la eternidad de la muerte. Él hace que la mayor parte del poema, en la descripción de la muerte, una frase, de "long long, ..." hasta el final, con el fin de ilustrar la muerte prolongada y lenta. Él describe la muerte como "at summer’s pace" un movimiento perezoso y holgazán que no tiene en cuenta el entorno florolido. El autor muestra que la muerte es inevitable y ocurre continuamente, incluso en los momentos alegres. Sin embargo, Larkin también termina mostrando que la muerte aunque inevitable, no es necesariamente definitiva, y que existe la posibilidad de una vida futura.

La reiterada mención a “white” también sirve para mostrar las dos caras de la muerte, mientras que es pura e inocente, también es melancólico.

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