Danza de ronda francesa en ritmo binario y rapido que a veces se incluye en la suite

1. Evolución de los instrumentos barrocos.
Durante los siglos XVI y XVII se produce un importante desarrollo de los instrumentos: aumenta su potencia sonora y aparecen nuevos instrumentos. Los instrumentos se agrupan por familias y el clave (también llamado clavecín o claviceémbalo) adquiere una gran importancia, así como el laúd.
A finales del XVII ya se desarrolla la idea de las agrupaciones instrumentales y aparecen las orquestas de cámara.

2. Caract. musical instrumental barroca.
La música instrumental es interpretada sobre todo en los palacios de los príncipes y en las casas de los nobles.
También acompaña a las voces en el teatro y en la iglesia, lugares donde es posible escuchar también solos instrumentales. La música instrumental rivalizará con la música vocal, que hasta este momento había mantenido una hegemonía absoluta.
A finales del siglo XVII ocurre un hecho nuevo: el concierto en una sala a la que puede accederse mediante el abono de una entrada. De esta manera, la burguesía, y no sólo la nobleza, va a participar en la conformación de la vida musical.
Música instrumental es ahora tan importante como la música vocal.
Se practican nuevas formas instrumentales (sonata a sólo, sonata a trío, concierto a sólo, concerti Grossi, fuga). El barroco retiene algunas formas de la época precedente como la variación.
En el barroco la elección de los timbres no se confía al capricho o disponibilidad de los intérpretes como sucedía en el renacimiento. A partir ya de la escuela veneciana el músico buscará suscitar en el ánimo del oyente sentimientos y emociones distintos a través del uso contrastante de los diversos grupos instrumentales.
En el conjunto instrumental adquiere mucha importancia la voz baja que es doblada por varios instrumentos (bajo continuo).

3. Sonata en trio de camara.
En el siglo XVII es típica la sonata a trío -sonata a tre-, compuesta para dos violines y bajo continuo (viola de gamba o cello) que era doblado a veces por un instrumento de teclado. Esta sonata se basaba al igual que la suite en un solo tema. La mayor parte de sonatas a trío constan de cuatro tiempos, siguiendo el esquema lento-rápido-lento-rápido, si bien el primer tiempo lento se fue suprimiendo.
Una sonata da camera (en idioma italiano, significa sonata de cámara) es una forma musical que se empleaba como acompañamiento en la música secular. Es una obra del período Barroco, en tres o más movimientos estilizados de danza (a veces con un movimiento en forma de prólogo), compuesto para uno o más instrumentos melódicos más un bajo continuo

4. Sonata en trio de iglesia.
Sonata da chiesa (en italiano, significa sonata de iglesia), es una forma musical que se utilizaba como acompañamiento del servicio religioso. En general, consta de cuatro movimientos. lento-rápido-lento-rápido.

5. Concerto grosso.
El concerto grosso (plural concerti grossi) (italiano para gran concierto) era una forma instrumental barroca de origen italiano basada en la contraposición entre un pequeño grupo de solistas (un concertino) y una orquesta completa (el tutti). El concerto grosso data aproximadamente de 1680 y puede atribuirse a Alessandro Stradella, quien parece haber escrito la primera obra musical en la cual un "concertino" y un ripieno se enfrentan de forma característica, a pesar de no usar el término concerto grosso. El primer compositor mayor del llamado concerto grosso fue Arcangelo Corelli, amigo de Stradello.

6. Concerto solista.
en el que un instrumento solista (o varios) se alterna con la orquesta (tutti), aumentando así la importancia del contraste. El Concierto solista está estructurado externamente habitualmente en tres movimientos (rápido-lento-rápido). Presenta una estructura externa derivada de la obertura italiana.
Los movimientos rápidos presentan suelen tener la forma interna conocida como rítornello (pequeño retorno). Esta consiste en un tema principal que reaparece en su totalidad o abreviado a lo largo del movimiento. En la primera y última repetición está en la tonalidad original. Las reapariciones del ritornello están separadas por episodios solistas

7. Concerto para cuerdas (da groppo).
8. Suite.
Una suite es una obra musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen son distintos tipos de danza barroca.
La suite está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno. Para que se mantuviera unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad, o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo.

9. Obertura francesa.

La obertura francesa es una pieza instrumental que se sitúa al comienzo de una obra más extensa a modo de introducción estructurada en tres tiempos según la secuencia lento-rápido-lento. Tal esquema de obertura es el antagonista de la denominada obertura italiana (rápido-lento-rápido). La obertura francesa puede preludiar tanto obras vocales (óperas, oratorios) como suites y ballets instrumentales. Este tipo de obertura fue empleada con profusión durante todo el período barroco. Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel la emplearon habitualmente. La obertura francesa reviste de gran solemnidad sus primeros compases a tiempo lento. Repentinamente, el rápido tiempo central (generalmente de tipo fuguístico) rompe esta solemnidad y permite mostrar al oyente la potencia de la orquesta y el talento del compositor, a modo de degustación inicial de la música que se podrá disfrutar a lo largo de la obra que la obertura preludia. El tercer tiempo de la obertura acostumbra a ser una repetición del primer movimiento, nuevamente revestido de una pomposa solemnidad.

10. Obertura italiana.
La obertura italiana, también denominada obertura napolitana, es una pieza instrumental que se sitúa al comienzo de una obra más extensa a modo de introducción estructurada en tres tiempos según la secuencia rápido-lento-rápido. Tal esquema de obertura es el antagonista de la denominada obertura francesa (lento-rápido-lento). Este tipo de obertura fue empleada con profusión durante el período barroco, sobre todo en Italia, de ahí su nombre. Entre otros muchos, Antonio Vivaldi, Alessandro Scarlatti y Domenico Scarlatti fueron los compositores que más la usaron. Su origen se remonta a los primeros tiempos de barroco italiano. Ya en el oratorio San Alessio de Stefano Landi (1632) aparecen pequeñas sinfonías a modo de entreactos que siguen el esquema allegro-adagio-allegro. Su estructura, por tanto, es idéntica a la del concerto. De hecho, estas oberturas equivalen a pequeños concerti situados a comienzos de las obras que preludian. En el mundo operístico del barroco italiano, este tipo de oberturas eran denominadas sinfonie avanti l'opera.