Cubismo y Escultura del Siglo XX: Pioneros de la Vanguardia Artística y la Visión de Henry Moore
El Cubismo: Ruptura y Vanguardia en el Arte del Siglo XX
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues dio pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras). En el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX: la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano.
La representación del mundo dejaba de tener compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, para centrarse en lo que se sabía de ellas. Por eso, aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, un rostro humano podía representarse con la nariz de perfil y el ojo de frente; una botella, con su corte vertical y horizontal simultáneamente. Ya no existe un punto de vista único ni sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces el objeto se representa por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados solo por la presencia de su cola.
La Escultura del Siglo XX
Generalidades de la Escultura Moderna
Las tendencias pictóricas de esta centuria fueron, en parte, las mismas que siguieron los escultores. A principios de siglo, hubo una reacción contra el impresionismo. Dando importancia a la armonía de los volúmenes, los escultores cuidaron la proporción y la simetría, desarrollando formas constructivas estables y equilibradas. Algunos artistas mostraron una tendencia hacia la simplicidad de las líneas y la estilización geométrica.
Henry Moore: El Humanismo en la Escultura Moderna (1898-1986)
La obra de Henry Moore mostró originalidad desde sus inicios, aunque siempre fue un escultor aislado, un artista que no dependía de ninguna escuela. Su inspiración debe buscarse en las artes primitivas de América; sus formas, a veces figurativas y otras no figurativas, poseen elementos de constructivismo y surrealismo. Y aunque se hizo abstracto, utilizando maderas y metales, siempre mantuvo un espíritu humanista.
Por otra parte, prefería las esculturas reclinadas, y en su obra se perciben drama, angustia y sencillez. En contra de lo académico, Moore concibió sus obras para ser admiradas al aire libre y no confinadas en las «cárceles de arte» que, en parte, son los museos.
Entre sus obras más célebres se pueden mencionar Madre e hijo, donde las figuras y las expresiones, en verdaderos contrastes de luces y sombras, nos recuerdan el arte de los olmecas. Posteriormente, produjo obras como Maternidad, Grupo familiar y Figura reclinada vestida, que evocan un canto épico sobre el contacto entre la mujer madre y el sol que la envuelve.