Composición de Imágenes y Tratamiento del Color en Cine y Fotografía: Encuadre, Enfoque y Etalonaje

Composición de imágenes

El control artificial es aquel que se ejerce sobre los elementos estéticos de una composición.

El control primario es el que se establece sobre las relaciones de poder entre los personajes en la composición.

La composición en negativo nos permite dejar al personaje en inferioridad con respecto al espacio. Esto aísla al personaje y lo hace parecer pequeño, aportando significado y subtexto.

Relación figura‑fondo: este principio nos indica que, cuando se focaliza la atención en un elemento, se separa conceptualmente entre un fondo y una figura. El elemento a destacar puede ser un objeto, una persona o incluso una parte de la persona.

Leyes de direccionalidad

En relación con las leyes de direccionalidad, si un personaje se sitúa a la izquierda de un encuadre y queda mucho espacio negativo hacia la derecha, esto puede significar que el personaje aún tiene un camino por recorrer.

La situación de ese personaje en relación con ese recorrido puede variar según lo cercano que esté a la meta.

Enfoque

El enfoque es uno de los elementos principales en la composición y se puede dividir en dos posibilidades:

• Enfoque selectivo: la figura se encuentra enfocada, mientras que el resto de elementos están fuera de foco. Esto permite centrar la atención en una parte específica de la imagen.
• Enfoque total: todos los elementos aparecen enfocados en la imagen. Esto no centra la atención sobre un elemento en concreto, pero permite mostrar todo el rango de la imagen con total nitidez; por ejemplo, para composiciones generales de paisajes.

Encuadre

Varios elementos influyen en la forma en que se compone el cuadro. Destacamos el relleno del cuadro, el cuadro dentro de cuadro (frame in a frame) y las líneas de guía.

• Relleno del encuadre: la opción más evidente para dar protagonismo a un elemento es aportarle la presencia necesaria dentro del cuadro. Cuanto más espacio del cuadro rellena el elemento en cuestión, más atención se le cede. Esto se hace para evitar que otros elementos distraigan o resten protagonismo al principal.
• Cuadro dentro de cuadro: esta técnica se usa para acentuar elementos importantes situándolos dentro de espacios que los enmarcan dentro de la composición. También sirve para aumentar la sensación de profundidad de la imagen.
• Líneas de guía: para evitar que las imágenes, sobre todo las estáticas, den una sensación plana o bidimensional, y para incrementar la sensación de profundidad, utilizamos las líneas de guía.

Staging (puesta en escena)

El mayor recurso de composición cinematográfica es la puesta en escena de los objetos dentro del cuadro. Lo analizaremos a partir de las siguientes características:

• Ley de la mirada: hace referencia al modo en que la direccionalidad de la mirada del personaje genera más o menos interés sobre el resto del cuadro. Si la mirada del personaje abarca una mayor área del cuadro, se da más peso atencional a un rango mayor de la composición. Por el contrario, cuando la mirada se proyecta hacia una porción menor del cuadro respecto a la situación del personaje, se resta importancia a la parte fuera de esa cobertura. La ley de la mirada nos dice que, en función de a dónde apunta la mirada del personaje, 1/3 de la imagen debe quedar por detrás de éste y 2/3 por delante (o en la misma dirección de la mirada).
• Regla de los tercios: esta regla de división en tercios de la pantalla nos sirve para componer en muchos sentidos. El ejemplo de la imagen anterior es representativo en relación con el posicionamiento de la mirada. También la relación de aspecto de la cabeza y los ojos respecto del cuadro se rige por los tercios, situándose por defecto los ojos en la línea del tercio superior de la pantalla (en horizontal).
• Simetría dinámica: es un criterio de composición que organiza la pantalla mediante diagonales trazadas desde las esquinas del cuadro, en conjunción con líneas perpendiculares desde esquinas opuestas.
• Proporción áurea: se basa en la composición clásica de Fibonacci. Las proporciones que crea son muy similares a las de la regla de tercios; en cierto modo, ésta última es una simplificación de la proporción áurea.
• Regla de los impares: cuando la composición está formada por un solo elemento, puede denotar soledad o aislamiento. Dos elementos generalmente tienden a crear una uniformidad, sobre todo si se presentan en una misma relación de tamaño.
• Principio de simetría: según la Gestalt, la mente humana percibe una imagen más balanceada cuando es simétrica, lo que se potencia si los motivos situados a ambos lados del eje tienen el mismo peso visual.
• Peso y fuerza: en el caso de que un elemento quede pequeño dentro de la composición y ésta dé la impresión de estar vacía, podemos rellenar el espacio con elementos que ayuden a equilibrar el peso general.

Color

Discordancia: cuando introducimos un elemento en la imagen que rompe el esquema cromático, estamos creando discordancia. A veces se puede conseguir simplemente saturando un color.

El contraste de un color específico se puede utilizar para crear contexto sobre la narrativa.

El uso asociativo es aquel que utilizamos para asociar un color a un personaje, de tal manera que si a lo largo de la película vemos ese color aparecer, significará que la escena tiene que ver con ese personaje.

El uso transicional hace referencia a cuando utilizamos un color para denotar algo y ese color cambia con el transcurso de la historia. Esto implica que hay un cambio, una transición de estados en el personaje, que puede significar un cambio de estado sentimental o un tránsito entre distintas realidades del personaje.

Tratamiento de color

De forma clásica, los procesos de etalonaje refieren al trabajo fotoquímico enfocado al equilibrio de color en cuanto a tono, saturación y luminosidad entre todos los planos de una producción.

Herramientas de edición de color

Dentro del workflow de trabajo existen tres pasos diferenciados:

1. Correcciones primarias: basadas en el balance general de los elementos lumínicos de la imagen: luminosidad, contrastes y rangos tonales. En este proceso buscamos la mayor neutralidad posible sobre la luminosidad general de la imagen.
2. Correcciones secundarias: correcciones específicas sobre áreas concretas de la imagen, tratamiento de colores particulares y uso de máscaras para corregir áreas en particular.
3. Efectos, filtros y looks: en la tercera fase se establece lo que llamamos un determinado look sobre la imagen. Esta fase está vinculada a cuestiones de carácter narrativo y es la que implica un tratamiento más subjetivo; no está tan ligada a la idea de corrección, sino a la aplicación de un estilo específico.

Controles generales

Las curvas de niveles permiten ajustes más específicos de la luminosidad y del contraste de la imagen. Disponemos de una curva general y una por cada color primario de luz.

Scopes: los scopes representan gráficas e histogramas que permiten controlar diferentes parámetros de la imagen. Permiten profundizar en los tonos de piel, buscar el balance de blancos, etc. Las principales en un software como DaVinci Resolve son, por ejemplo, las waveform scopes, el Luma y los RGB Scopes, los vectoscopios o el histograma. En la mayoría de software de etalonaje encontramos reproducciones de estas tipologías de gráfico.

Un look fílmico es un estilo visual aplicado sobre una imagen para denotar determinados significados que tienden hacia una concepción narrativa de los elementos visuales. Aunque un film look también depende de elementos propios de la producción —como el trabajo del cámara, la profundidad de campo, el grano, etc.—, se considera un trabajo de postproducción digital y tratamiento de imagen.