Composición en amarillo, rojo, azul y negro

Paisaje en L'estaque: Autor:

Georges Braque Año:
1908 Estilo:
Cubista Técnica:
Óleo sobre tela Tema:
Paisaje Lugar:
Kunstmuseum (Berna). Georges Braque fue con Picasso, el artista cubisma más destacado. Después de unos inicios cercanos al Fauvismo, en 1907 su obra derivó hacia la geometrización, debido a la impresión que le causó la exposición de Cezanne en París y de relación con Picasso. Juntos experimentaron con la técnica del collage con obras muy similar desde un punto de vista temático y formal. Después de la 1era Guerra Mundial se alejó de Picasso y mostró un estilo más personal caracterizado por el uso de colores brillantes y de la línea curva por encima de la recta.

Análisis Formal:

El verde de unas pequeñas plantas introduce el espectador en una naturaleza extraña en la que se mezclan de manera escalonada diferentes casas y árboles. El pintor ha optado por la simplificación de la figura a través de la reducción geométrica de los diferentes planes a simples formas poliédricas como cuadrados, rectángulos, trapecios o triángulos. El artista rechaza las normas de la perspectiva renacentista, y se presenta un espacio dominado por la multiplicidad de puntos de vista y de focos lumínicos. El artista recurre al sombreado para dar la sensación de volumen, de manera que los objextes representados tengan una apariencia plana y tridimensional a la vez. Desde un punto de vista cromático, Braque mezcla colores cálidos (castaños, beiges y ocres) y tonalidades frías como las azuladas y las grises. La obra es la adopción de la idea defendida por Cézanne.

Análisis significativo:

En la obra, Braque muestra una vista particular del pueblo, en la que hace un ejercicio compositivo a partir de las formas geométricas, es por eso que las casas no son más que un amasijo de cubos encajados en el frondoso espacio natural lleno de árboles y plantas. Tiene influencias de Cezanne.

Composición IV: Autor:

W. Kandinsky Año:
1911 Estilo:
Abstracto Técnica:
Óleo sobre tela Tema:
lucha entre caballeros. Kandinsky es considerado el pionero en la creación del arte abstracto. Después de abandonar una carrera de abogado, a la edad de 30 años comenzar una trayectoria artística de éxito. En 1911 llegó a la abstracción con la creación de la primera acuarela abstracta.

Análisis Formal:

Es una de las pinturas no objetivas más representativas de Kandinsky en la década de 1910. La tela mantiene aún elementos que remiten, pero sus formas, a objetos de la naturaleza. En el lado izquierdo, dos jinetes parecen estar luchando sobre el arco iris, mientras en el centro lo que parece ser un castillo corona una montaña azul, ante la que tres caballeros sujetan dos lanzas muy largas. La escena central divide en dos mitades el cuadro. A la izquierda dominan los planes irregulares y las líneas inacabadas superposadas, mientras que en el lado derecho las figuras representadas muestran un acabado más definido. Azul, amarillo, rojo y verde dominan una explosión cromática de gran vistosidad, a la que contribuye el aplicación combinada de una pincelada nerviosa y vital y una de más sosegada. Kandinsky creó un juego rítmico lleno de contrastes emocionales, sobre el cual el ojo del espectador no consigue detenerse ni siquiera un instante.

Análisis Significativo:

La intencionada eliminación del elemento figurativo hace que sea incoherente la búsqueda de cualquiera significado iconográfico. Kandinsky quiere que el espectador se limite a la contemplación de las dos líneas y los colores dispuestos sobre la tela, con el objetivo de incidir directamente en su sensibilidad.

Tableau II:

Autor: Piet Mondrian Año:
1921-1925 Estilo:
neoplasticista Técnica:
Óleo sobre tela Tema:
Abstracto. Piet Mondrian fue una de las figuras más importantes en el desarrollo del arte abstracto. Partiendo de un estilo esencialmente naturalista y simbolista, Mondrian se interésó por el valor estructural y la síntesis formal de las composiciones cubistas descubiertas durante su viaje a París en 1911. A partir de aquí su pintura desarrolló un camino evidente hacia la abstracción.

Análisis Formal:

Mondrian presenta una composición sumamente esquemática, en la que elimina todo lo que considera superfluo. Así, el pintor holandés se vale sólo de aquello elemental, y deberá las formas hasta llegar a sus componentes básicos: la línea y el plano. Los colores son primarios (azul, amarillo y rojo) y el blanco y el negro. Mondrian sabe manejar las soluciones plásticas que le ofrecen. Un ejemplo es la presencia de las líneas negras que separan los diferentes cuadros pintados, la función compositiva de las cuales es la de impedir la mezcla visual de los colores, que rompería la pureza a que aspira el conjunto. El pintor juega con las carácterísticas de los colores (El amarillo sube, el azul expande y el rojo detiene. Mondrian añade una hábil diversidad geométrica basada en el cuadrado y el rectángulo que le ayuda a crear una estructura dinámica que impide una mayor movilidad en el conjunto.

Análisis Significativo:

Es uno de los cuadros más representativos del neoplasticismo. Estas composiciones sirven de las leyes plásticas de la misma pintura para expresar una idea. El pintor holandés, con su propuesta geométrica radical alejada de toda figuración, cierra el camino iniciado por Cezanne. Sus composiciones resumen su ideología artística centrada en el valor de las formas geométricas por sí mismas, no supeditadas a la formación de figuras concretas y reconocibles. Mondrian consideró su pintura como una expresión metafórica de la armónía univer encaminada a conseguir ideales de belleza perfecta.