Comentario retrato ecuestre Carlos V tiziano

11.Carlos V NA BATALLA DE MUHLBERG

Localización

CONTEXTO Histórico

Tiziano Vecellio nacíó al norte de Venecia en 1477, donde recibíó una formación Pictórica exquisita de mano de los mejores maestros. Conocido como Tiziano su Fama como pintor de estética veneciana llegó a oídos de los grandes monarcas de La época, siendo llamado por Carlos V a Augsburgo hacia el 1548. Este viaje, el Primero de los dos que el artista realizó a la ciudad del sur de Alemania, es Muy indicativo de la importancia que Tiziano daba a la relación con Carlos V y La corte imperial, ya que son las dos únicas veces que salíó de Italia. Durante Dos años, permanecíó Tiziano en la corte de, Alemania, trabajando para el rey. En dicha corte le fue encargado multitud de retratos, en los que él conseguía Trasmitir la psicología y dignidad del retratado, con cuadros solemnes, y de Excelsa calidad artística. El retrato de Carlos V a caballo en Mühlberg es un Cuadro pintado al óleo sobre lienzo por el pintor Tiziano Vecellio en 1548. El Artista veneciano lo realizó para representar al emperador de Alemania y rey de España, Carlos I, como triunfador en la Batalla de Mühlberg sobre la Liga de Smalkalda (24 de Abril de 1547), acaecida un año antes de que se pintara la obra.
Es un cuadro de extraordinario valor histórico y que ejercíó gran influencia en La época barroca En él, podemos observar al rey montando un caballo de raza Española, cubierto por un bello manto de terciopelo y raso color carmesí, Mientras Carlos porta atuendos propios de la caballería ligera, con media pica Que recuerda a San Jorge, quien según la leyenda mató a un dragón (bestia Asociada a la herejía) y pistola de rueda. A su vez se cubre con una armadura, Que por su precisión y detallismo se puede fechar en modelos de 1545 realizados Por Desiderius Colman. Dicha armadura labrada en oro y plata, es una valiosa Pieza que aun hoy se conserva en la Real Armería del Palacio Real de Madrid. En El centro de la parte delantera del peto, se puede observar la imagen de la Virgen con el Niño, iconografía habitual en las armaduras del emperador a Partir de 1531. En esta obra, Tiziano resume los antiguos ideales caballerescos De Borgoña, que el emperador conocía, junto con abundantes referencias al mundo Clásico. Carlos V solía ser llamado Cesar Cárolus, en un afán por relacionarlo Con los emperadores romanos. Tiziano combina los prototipos de caballero Medieval y de caudillo imperial, y crea de esta manera el mejor resumen de una Imagen pública tan compleja como fue la de Carlos V, quien tenía que gestionar Y mantener unido un Imperio transoceánico con múltiples lenguas y culturas. El Cuadro muestra al emperador a caballo, detenido frente al río Elba; detrás de él, sólo un bosque. La pintura no quiso hacer énfasis en la derrota militar, y El paisaje del fondo es plácido, sin tropas ni representación alguna de los Enemigos derrotados. Tanto la luz como los colores son cálidos, rojos, ocres. El rostro del emperador está serio e impasible. Tiziano fue muy hábil, al suavizar Los rasgos menos agraciados del monarca (el prognatismo). El monarca a través De este tipo de obras, y concretamente con esta conseguía utilizar el arte como Medio de propaganda política. Su fama de guerrero, de político, de buen Cristiano y de excelente monarca debía llegar y ser trasmitida a todas las Partes de su reino. Con estos medios pictóricos, conseguía plasmar sus Cualidades para siempre, dejando un perfecto ejemplo de su persona, útil para Su imagen presente como para su imagen en el futuro. Sin embargo le pidió a Tiziano ser representado antes de la batalla de la que Enrique Valdearcos Guerrero Historia del Arte salíó victorioso, pues no quería ofrecer una imagen Violenta sino de magnánimo y justo. El pintor lo retrata momentos antes de que se Suceda la batalla con los reinos protestantes del norte, con los que el monarca Tampoco pretendía enemistarse y mostrarse de manera poco política, pues Posteriormente debía dirigirlos y gobernarlos con ecuanimidad. Este gesto ajeno A la batalla, cargado de un aire casi divino y de rostro férreo, hace que Muchos historiadores asemejen este retrato a cualquiera del mismismo Julio Cesar. Sobre todo relacionado con la famosa historia del paso de César por el Rubicón, que nunca osó cruzar, y que sin embargo, Carlos V consiguió con éxito. Así mostraría la herencia de tradición romana que corría por las venas del Monarca, y se elevaría como el miles christianus o soldado de Cristo. A su vez Esta relación divina se muestra para presentar al emperador como posible unificador De pueblos, en este caso protestantes. Para estas interpretaciones se han Valido de los atributos que lo acompañan y sus simbologías. Parece que el Cuadro no fue encargado por el monarca, sino por su hermana María de Hungría. Una anécdota repetidamente contada es que el lienzo fue derribado por el viento Mientras se secaba, resultando dañado en la grupa del caballo. La grieta, Cuentan, fue reparada por otro artista. Las radiografías confirman la Existencia de tal daño. Este modelo de retrato ecuestre fue retomado en el Barroco, tanto en el campo pictórico como escultórico, pasando a formar parte Fundamental de la iconografía representativa del poder de los monarcas. Por Otro lado debemos hacer mención a la obra en sí y a su soporte. El lienzo utilizado Por el veneciano para este cuadro fue de finísima manufactura, y gracias a ello Podemos aun observar trazas del dibujo preparatorio dados al comienzo para Fijar las primeras líneas de volúMenes y formas. Tras realizar una radiografía, Para conocer mejor el estado de la obra en la actualidad, se descubríó una Importante modificación realizada por el artista en el emperador, parece que en Vez de presentarse erguido, aparecía inclinado sobre el caballo Conservado en Los diferentes palacios reales que el rey se hizo construir en España, el Cuadro sufríó el incendio del Alcázar de Madrid en 1734. Se atribuye a ese Siniestro el oscurecimiento de la zona inferior, donde los colores de la tierra Y la hierba se ven quemados y reducidos a un ocre oscuro. La obra pasó, con una Parte importante de la colección real española, al Museo del Prado en el siglo XIX, donde en la actualidad se exhibe. Además del incidente de Augsburgo, esta Tela sufríó mucho en el incendio del Real Alcázar, así como en su traslado a Ginebra con motivo de la Guerra Civil Española. La restauración realizada en 2000-2001 ha recuperado en buena medida sus calidades originales, a la vez que Ha permitido estudiar con detalle el proceso de creación de la obra. Como se Puede observar en la radiografía realizada, Tiziano colocó la lanza en un Primer momento por encima del cuello del caballo y fue variando la posición del Rostro del emperador, que fue pensado al inicio esbozando una mirada hacia el Exterior. Al final, el artista optó por una postura más de perfil que acentuara Ese rasgo inexpresivo y ausente: en realidad, Carlos V mira hacia su propio Interior. De igual manera, los estudios técnicos realizados han permitido Observar las reparaciones, muchas veces a base de injertos de otras pinturas, que El lienzo sufríó posiblemente en el Siglo XVIII tras el incendio del Real Alcázar de 1734.

Análisis DE LA OBRA

En la Manufactura plástica, Tiziano se desenvuelve con maestría plasmando sus Conocimientos como dibujante y experto colorista. Como es propio de la pintura Veneciana el color prima en sus obras, por ello Tiziano no prescinde de esta Cualidad a la hora de realizar este retrato, sino que se apodera de sus Posibilidades para remarcar su valía, utilizando unos rojos inimitables y unos Ocres apropiados al conjunto de la obra. Los colores se extienden con maestría Y precisión sobre la manta que cubre al caballo, sobre la bella armadura o Sobre el penacho que remata el casco que le cubre la cabeza. A su vez, dicho Despliegue de color aumenta y enfatiza el contraste, al colocarlo junto a la Piel pálida del rey, donde se acusa cierta presencia de la vejez. Decide, Además, solucionar el fondo con un bello paisaje con bosque y con río, Presumiblemente podría tratarse del Río Elba, pues cerca de éste tuvo lugar la Batalla que aquí se conmemora. Tiziano utilizó la técnica colorista propia de La pintura veneciana y la aplicó con gran sabiduría a los brillos de la Armadura, al rojo y a los reflejos dorados de la gualdrapa del caballo y, sobre Todo, a la iluminación y sentido atmosférico del paisaje en el que ha enmarcado Al personaje. Especial atención hay que prestar a la realización pictórica de La armadura, en la que los brillos y las sombras no están, de ninguna manera, Dados al azar, sino con una gran precisión individualizadora de aquello que Está pintando, aun en sus mínimos detalles. La reciente restauración ha puesto En evidencia el cuidado con que Tiziano realizó no solo la figura, sino también Este paisaje iluminado por las luces del crepúsculo y en el que, en su parte Derecha, se pueden observar las brumas, una pequeña construcción y las ciénagas Y estanques que, aún hoy día, son carácterísticas de la ribera del Elba,. En Esta fecha de 1548, después de su estancia en Roma de 1545-1546, Tiziano está Dando los primeros pasos de lo que será su última etapa, caracterizada por una Acentuación aún mayor de los valores pictóricos y cromáticos sobre los Dibujísticos, es decir, la superior importancia del color a la veneciana, sobre El diseño toscano-romano. Esta carácterística es muy perceptible en algunas de Las pinturas realizadas en esta estancia en Augsburgo.

12. EL MARTIRIO DE SAN Mauricio

Identificación

Estamos Ante una pbra pictórica, que se llama el Martirio de San Mauricio,se realizo Entre los años 1580- 1582, es una obra de el Greco y se encuentra en el Escorial

CONTEXTO Histórico

San Mauricio es uno de los santos patronos en la lucha contra la herejía. Era el Comandante de la legión tebana y murió martirizado a principios del S. III. La Legión tebana, integrada por cristianos procedentes de Egipto, recibíó la orden De partir hacia la Galia para ayudar al emperador Maximiliano. Allí se les Manda realizar unos sacrificios a los dioses romanos; al negarse, toda la Legión fue ejecutada, sufriendo martirio. San Mauricio es la figura del primer Plano vestido con un coraza azulada y con barba y aparece acompañado por sus Capitanes que deciden si realizan o no el sacrificio. En segundo plano aparece El martirio: los legionarios se sitúan en fila, vestidos con túnicas Transparentes o desnudos y esperan su turno para ser ejecutados; su lado, de Nuevo, San Mauricio les reconforta y el verdugo se encuentra de espaldas. El Hombre degollado, en un fuerte escorzo, refuerza la idea del martirio. En la Obra se mezcla la historia del cristianismo con acontecimientos contemporáneos Ya que parte de los personajes son militares españoles del S. XVI como Alejandro Farnesio que está luchando contra los holandeses en ese momento (al Lado del santo) o Juan de Austria (al fondo), el vencedor de la batalla de Lepanto. Todas las figuras visten uniforme militar del S. XVI, uniendo así Ambos hechos: la lucha de los generales españoles contra la herejía protestante Y el paganismo como lo hizo San Mauricio. En el cielo, formado por nubes y ángeles, Algunos con palmas y coronas esperan a los futuros mártires.

Análisis DE LA OBRA

La Composición se organiza en dos planos divididos por una diagonal: a la Izquierda el cielo y a la derecha la tierra. En la zona celestial hay mucho Movimiento –fuertes escorzos de los ángeles- frente a la quietud de la zona Principal. El tratamiento anatómico muy cuidado, que se deja ver bajo las Corazas, recuerda a Miguel Ángel. La forma de expresión se aleja del Naturalismo: las figuras están desproporcionadas –el busto es mayor que piernas Y cabeza; y parecen flotar sobre un escenario pedregoso que no guarda ninguna Relación con la realidad. Los colores fríos y poco reales reflejan la Influencia veneciana y tienen un carácter simbólico (rojo = martirio; azul=eternidad). La luz blanquecina es utiliza para resaltar más unas partes que otras Produciendo fuertes contrastes. Estilo: el cuadro es un ejemplo de pintura Manierista por la inestabilidad de la figuras, los escorzos, el amontonamiento De los personajes en unos espacios dejando casi libres otros o los colores Irreales,. En esta obra ya aparecen los rasgos que irá adoptando el estilo de El Greco: figuras alargadas que transmiten una fuerte espiritualidad. El Entierro del conde de Orgaz (1603-1605), iglesia de Santo Tomé, Toledo. Es la Obra más conocida del El Greco. Fue encargada por el rector de la parroquia de Santo Tomé de Toledo, Andrés Núñez, para conmemorar una resolución favorable de Un pleito contra los habitantes de Orgaz que se negaban a pagar una suma anual Establecida en el testamento de su señor. La composición de la pintura está Dividida en dos planos: el inferior, más clasicista, representa al mundo Terrenal, predomina la horizontalidad y la paleta es cálida; mientras que el Superior, más irreal, representa al mundo celestial, predomina la Triangularidad y la paleta de colores es más fría. La parte inferior nos Presenta el entierro: San Agustín y San Esteban sostienen al noble vestido con Armadura y un muchacho joven señala el acontecimiento (posiblemente el hijo del Pintor). Tras ellos, un grupo de personajes reconocidos como el propio rector, Seguramente el pintor, etc.; y a representantes del clero regular (dominicos, Franciscanos y jerónimos). En esta parte, deja constancia de su dominio del Retrato físico y psicológico. En la parte superior, representa un ángel que Lleva el alma del difunto, a la Virgen con Cristo y San Juan junto a los Apóstoles y personajes bíblicos que, por falta de espacio parecen flotar a Distintos niveles. El alineamiento de sus cabezas hace de límite entre los dos Espacios. La obra impresiona por el poderoso colorido veneciano, por los Contrastes lumínicos y por el alargamiento de las figuras que produce un efecto De espiritualidad.