Els corrents especialitzats: origen escolá contextual del cine. Escolá nord-americana -
El cinema va neixer a París el 28 de desembre de 1895. 17 anys despres Thomas A. Edison(1912) veu la importancia de les películas per l'ensenyansa.

Amb el cinema es pot aprendre història

-Estoy gastando más de lo que tengo para conseguir un conjunto de 6.000 películas, a fin de enseñar a las 19 millones de alumnos de las escuelas estadounidenses a prescindir completamente de los libros.(Thomas A. EDISON, 1912) -Llegará un momento en el que a los niños en las escuelas se les enseñe prácticamente todo a través de películas. Nunca más se verán obligados a leer libros de Historia. (David W. GRIFFITH, 1915).

Escolá Francesa

Ferrero, primer historiador convencional interesado en la relacio historia i cinema. Años 70 Siglo XX. -Marc Ferrero 1975 historiador francés. Diu que cada film te un valor documental. El cinema sobre todo el de ficción, abre una vía real hacia zonas psicológicas e históricas nunca abordadas por el analissis de los documentos. Investigo sobre la revolución rusa, ve una película que tiene potencial. “Octubre rojo” -Pierre Sorlin 1991 discípulo de Ferrero. Las películas no son la realidad, pero nunca se apartan totalmente de la situación real, como espejo, que enmarcan, limitan, a veces distorsionan, pero eventualmente reflejan lo que esta frente a ellos, los films exiben aspectos de la sociedad que los produce. EJ, Películas de destape durante el franquismo. Los Bingueros, hablavan de la forma de divertirse(ludopatía). Vente a Alemanya Pepe, La imigracion española hacia Alemaña.

Escolá Nord-americana

Robert A. ROSENSTONE, 1995. A muchos historiadores no les gustan los films históricosporque consideran que inventan o distorsionan el pasado. Al esperar que la historia en la pantalla sea idéntica a la historia del libro, estos historiadores ignoran las cualidades intrínsecas y las contribuciones de los films históricos. El cine histórico como un nuevo tipo de historia. Ha llegado el momento en que el historiador debe aceptar el cine histórico como un nuevo tipo de historia, que, como toda historia, tiene sus propios límites. Por ofrecer un relato diferente al de la historia escrita, al cine no se le puede juzgar con los mismos criterios. La Historia que cuenta el Cine se coloca junto a la historia oral y a la historia escrita.

Escolá Española

Josep María Caparrós Lera. Introductor de les relacions historia i cinema a partir meitat anys 80. 1991, crea la revista Filmhistoria. A mitjans dels 80 s'interessa pel cinema. Va fer la seva tesis sobre el cinema de ficcio durant la Segona República.

Quin és el sentit del cinema en la societat actual?

Martín A. JACKSON, 1974. Es imposible comprender la sociedad contemporánea sin referirse a los filmes que se han venido realizando desde hace 70 años. El cine, y no debemos cansarnos de repetirlo, es una parte integrante del mundo moderno. Aquel que se niegue a reconocerle su lugar y su sentido en la vida de la Humanidad, privará a la Historia de una de sus dimensiones, y se arriesgará a malinterpretar por completo los sentimientos y los actos de los hombres y las mujeres de nuestro tiempo.

És el cinema un mitjà d’entretenimient?

Peter BURKE, 2005.Dada la importancia que tienen la mano sujeta a la cámara, y el ojo y el cerebro que la dirigen, convendría hablar del realizador cinematográfico como historiador (…) La capacidad que tiene una película de hacer que el pasado parezca estar presente y de evocar el espíritu de tiempos pretéritos es bastante evidente. En otras palabras, el testimonio acerca del pasado que ofrecen las imágenes es realmente valioso, complementando y corroborando el de los documentos escritos. Muestran ciertos aspectos del pasado a los que otros tipos de fuentes no llegan. -Cineastas contra magnats. Censures. 1913, Es promulgan normes per prohibir películas pornografieques, en el regnat d'Alfons XIII(en un dels palaus es veien films pornografiecs. -El tráiler de Psicosis, es un element historic.

La censura franquista,

1939-71, programes de ma. Molts directors de Holliwod van declarar el seu suport a la segona república. Actor James Cagney. Es va firmar un manifest a favor de la república i es va donar suport econamic, Un dels firmants va se Chaplin.

Films de no ficcio

Noticiaris (reportatges, que hi ha diario, entrevistes. Hi ha las actialidades setmanal.) -Documentarios (films didácticos, films de montaje). 1943 es va crear el NO-DO.

Films de ficcio

Reconstrucción histórica, son sense voluntat de fer historia, pero que tenen elements que amb el temps serveixen per veura la societat del moment. “Las uvas de la ira, l'accio transcora en els anys del crac del 29, els protagonistes no son reals. “El verdugo, critica la pena de mort. El batxi que es un funcionari que tenia que estar les 24/h disponible per executar. -Ficción histórica, evocan un pasaje de la historia o els personatges son reales, con el objetivo de narrar acontecimientos del pasado, aunque su enfoque histórico no sea riguroso, acercándose mas a la leyenda o al carácter novelado del relato. “Lo que el viento se llevo o Los tres mosqueteros”. -Reconstitución histórica, hay una voluntad directa de fer historia, evocan un periodo o hecho histórico, reconstituyendolo con mas o menos rigor. “Octubre rojo, per conmemora l'arrivada bolxevic al poder.

Senderos de gloria ( Stanley Kubrick)1957 -Primera Guerra Mundial. Tras el éxito de ‘Atraco perfecto’ (‘The Killing’, 1956), Stanley Kubrick lo tuvo relativamente fácil para llevar a cabo su siguiente proyecto, la adaptación de una novela que le había impresionado de joven, ‘Paths of Glory’ de Humphrey Cobb.
Kirk Douglas, una de las estrellas del momento, había quedado impresionado con la última película de Kubrick y mostró su interés por el proyecto, tanto para producirlo como para protagonizarlo. Esto proporciónó a Kubrick la primera oportunidad de contar con actores de primera fila para sus películas, algo que empezó a suceder a partir de su encuentro con Douglas.
-Una obra maestra del cine bélico, aunque mejor sería decir antibelicista.-El primer bloque muestra como los soldados de un regimiento francés en primera fila de batalla reciben la orden de tomar una colina impracticable. Tras esa acción imposible se esconde la avaricia de un general que incluso presenciando una derrota anunciada ordena disparar contra sus propios hombres que se retiran ante la imposibilidad de avanzar, orden que es rechazada por el oficial de artillería por la gravedad de la misma. Enfadado, el general ordena un consejo de guerra contra sus hombres incapaz de aceptar que la culpa fue suya.El segundo bloque narra la elección al azar de tres hombres del ejército francés para ser juzgados por cobardía ante el enemigo, una acusación tan ridícula como inevitable. La mayor parte de este bloque es un juicio que resulta toda una pantomima, los tres hombres son juzgados a muerte y ejecutados ante la mirada impasiva de sus compañeros y cómo no, del espectador, que a estas alturas tiene un nudo en la garganta que tardará en deshacerse.El último bloque corresponde a una escena que estuvo a punto de no realizarse y que supone la principal diferencia con el libro. Un tramo en el que a modo de falsa esperanza el general recibe su merecido y una estremecedora secuencia, probablemente uno de los mejores finales de la historia del cine se centra en las miradas de unos hombres cansados de luchar a las órdenes de dictadores que dan órdenes desde sus cómodos despachos o desde trincheras protegidas.

De todos es sabida la manía de perfeccionista que tenía Stanley Kubrick, quien era capaz de repetir más de 60 veces una toma hasta quedar contento, lo cual provocaba el enfado de muchos de sus actores. Pero de independientemente de que esta forma de trabajo sea mejor o peor realmente nos importan los resultados, si de toda su obra tenemos que anotar aquella película en la que el uso de la cámara está muy presente, no sólo como recurso meramente estético, sino como elemento narrativo y dramático, creo que ‘Senderos de gloria’ es el ejemplo máximo de esta cualidad. Y son varios los momentos en los que podemos verlo. Baste citar los impresionantes travellings que recorren el paseo del general por las trincheras infundiendo un valor de mentira a sus hombres, y más tarde a Dax (Kirk Douglas) antes de salir a una muerte segura. La posterior batalla haría las delicias del Spielberg de ‘Salvar al soldado Ryan’, cámara al hombro y uso del zoom para enfocar las reacciones de Dax, todo ello enlazado con uno de los travellings laterales más impresionantes que se hayan visto. La masacre de los hombres del ejército francés que avanzan ante un enemigo que jamás vemos porque no es necesario, de forma realista y contundente. Pocas películas han retratado el horror del combate con tanta precisión como ésta. En la escena del juicio Kubrick se vale de un gran salón filmado de forma imponente, aumentando la amenaza que se cierne sobre los tres infelices que son juzgados por cobardía para dar ejemplo al ejército. Un gran tablero de ajedrez en la que se juega sin compasión, y por motivos absolutamente ridículos, con la vida de los tres acusados, meros peones dentro de la dictadura militar. En el momento del discurso del abogado defensor, papel que toma Dax, Kubrick sitúa la cámara detrás de los acusados y con un cuidado barrido de cámara enfoca a Douglas quien recita su inútil discurso teniendo en mente únicamente a sus tres protegidos. Para el fiscal y los jueces la vida de aquéllos no tiene importancia, sólo el honor y la dignidad mal entendidos del ejército francés. La ya comentada escena final, la del canto de la joven muchacha alemana interpretada por Christiane Harlan que se convertiría en esposa de Kubrick, es un prodigio de montaje. A través de primeros y medios planos vemos como un grupo de soldados franceses se divierten en un bar tal vez por última vez antes de salir de nuevo a combatir. El dueño del local presenta a una asustada joven para que interprete una canción. Los soldados como locos silban y gritan alterados por la presencia de una mujer guapa mientras ésta comienza muy débilmente una cancioncilla alemana que poco a poco va convirtiéndose en la principal protagonista. Los soldados se van callando y uno a uno van uníéndose a la muchacha en el canto. Es el dolor de un pueblo hundido y herido que ve el mismo dolor en el enemigo. Primeros planos de algunos de ellos llorando no pueden ser más descriptivos. Dax observa la escena desde afuera, y antes de irse esboza una sonrisa comprendiendo que en el ejército hay espacio para la humanidad, muy pequeño, muy breve.
‘Senderos de gloria’ es abiertamente antimilitar y esto no gustó a demasiada gente. En Francia se sintieron ofendidos por la imagen que se daba del ejército francés y el estreno de la película no tuvo lugar hasta 1975. En países como el nuestro, amante de la democracia y enemigo de la censura, un señor bajito y de bigote prohibíó el estreno del film, y éste no se produjo hasta once años después de su muerte.

Aurora de esperanza

1937 de Antonio Sau. La Guerra Civil espanyola. No volia ser un discurs anarquista, fa insis en els problemes de la gent i sobre tot dels treballadors. Va ser protagonitzada per un actor conegut, de constitucio atlética, havia participat en competicions d'esgrima (Pómez). Gran part del rodatge es va fer a Barcelona. Foto, Joan Mariner, tenia 16 años, Va comentar el incident de la carregar policial, els camares es van espantar i van fugir. Quan hia ha la escena de la cua per demanar menjar, el menjar sobrant de les casernas es donava. Escena molt semblant a la pelicua Tiempos modernos quan el protagonista Juan va a un restaurant a menjar sense pagar. Escenas de Pl universitat, Pl españa, Colon. Escena on pasen la nit la marxa de treballador, es el Poblé Montjuic. No hi ha actes violents per part dels manifestants, es Justicia social. Antonio Sau, per fer el film, es va tenir que militar en la CNT. Durant el franqusime va patir un judici, pero es va salvar de la pena de mort, ja que la coincidía amb el tema dels treballadors. Va estar un temps empresonat, va patir un buit per part dels seus antics amics cineastes. No va ser fins el 1949 que va tornar a fer una altre peli. Antonio Sau (1910-1987), que filmó para el anarquista Sindicato de la Industria del Espectáculo (SIE), que se había incautado de los estudios Orphea de Barcelona, la película Aurora de esperanza(1937), un melodrama social sobre un obrero que pierde su empleo y debe separarse de su mujer para sobrevivir de la caridad, hasta que se une a una “marcha del hambre” que se dirige a la capital de la nacíón, en una innominada “revolución” que la película no relaciona con los hechos acaecidos en la zona republicana tras el estallido de la guerra. Llama la atención esa calculada asepsia, que parece apuntar a que determinadas instancias anarcosindicalistas preferían no vincular su particular revolución con las circunstancias concretas de la guerra, y sí con las condiciones sociales imperantes en la sociedades capitalistas de entonces; por más que, curiosamente, la película tampoco hace el menor esfuerzo por contextualizar la situación de desempleo generalizado que afecta a los obreros protagonistas con la Depresión originada por la crisis bursátil de 1929, cuyos efectos se habían hecho sentir en España en los años previos a la guerra.  -Este es el metraje que más exteriores contiene de las películas expuestas tras “Carne de fieras”. Por lo que también contiene de fondo mucha de la realidad infiltrada en el relato de ficción, lo cual, vuelvo a decir, era una de las carácterísticas del neorrealismo inicial. Donde más patente está esa realidad es en una escena donde el protagonista se despide de su familia en una estación de tren, donde, si uno se fija en los pasajeros que se despiden desde la ventana de sus familiares, se ve algún puño en alto cuando se supone que el relato es aún en tiempos de paz, y no de guerra ni de revolución. Tal vez esas personas iban al exilio, no lo sabemos, sólo sabemos que se quedó integrado en la ficción.

A continuación de esa escena aparece un mitin obrero espontáneo cuando el protagonista estalla en rabia al vivir tantas injusticias a causa del desempleo. -El mitin es disuelto por la guardia de asalto republicana que interrumpe sus palabras entrando en tromba sin mediar palabras golpeando con sus porras a todos los presentes mientras se escuchan gritos de horror y donde se oye gritar: “¡la policía!”. El hecho es parte del argumento, sin embargo originalmente sólo se iba a rodar el mitin iracundo del protagonista pidiendo derechos laborales y trabajo, sin carga policial. Lo que ocurríó, es que siendo rodada en mitad de la guerra, un vecino de la vida real se asustó al ver el mitin no anunciado oficialmente, que creía auténtico, y llamó a la guardia de asalto. Esta, que no estaba avisada del rodaje de un largometraje, fue a disolver la “manifestación”, y lo hace con toda la crudeza que se ve en el metraje.
Antonio Sau decidíó dejar esa escena real dentro de la ficción pues consideró que realmente eso es lo que había ocurrido, a pesar de que el mitin era una mera interpretación de un actor y quienes lo oían eran figurantes. En realidad trata del tema de la necesidad de una revolución. “Aurora de esperanza”hace referencia en parte a mucho del cine revolucionario soviético, a pesar de ser anarquista. De hecho el título contiene en sí mucho del lenguaje revolucionario propio de la época. Un hombre, que tiene una vida a ritmo de clase media con su mujer e hijos siendo obrero, es despedido de su trabajo. El desempleo se alarga más tiempo del que creía ya que las fábricas necesitan menos trabajadores gracias al trabajo de las máquinas. Por diversas circunstancias que le ocurren a él y a su familia, a causa del paro y la falta de dinero, el hombre se va concienciando poco a poco de las injusticias que provoca el sistema social basado en la diferencia de clases trabajadoras. Poco a poco se transforma en una especie de líder sindical sin sindicato, un revolucionario. En este contexto estalla la Guerra Civil, a la que no nombran como tal sino como revolución. Quizá si es verdad que alguna escena no está bien explicada a costa de faltar metraje, pero en conjunto, esto no tiene excesiva transcendencia para entender el mensaje final. Posiblemente este metraje recoge muchas de las ideas de Eisenstein, por ejemplo de “La Huelga”, de 1925.

Tiempos modernos Charles Chaplin 1935. Depressio als Estats Units. Tiempos modernos (1936) de Charles Chaplin. És de les últimes pel·licules mudes de Chaplin, ja que en aquesta època ja es una raresa que es faci muda. 1- Reflecteix la industrialitzacio i la mecanitzacio deshumanitzadora. 2- Retrata el que son les consequencies socials de la crisi económica. -Un dels primers fotogrames son els engranatges que mostren la modernitat. La mecanització es veu amb la cinta mecánica. Tambe hi ha un rerefons contra la modernitat, on es veu que els treballadors perqué no deixin de treballar els treballadors tenen una maquina que els dona de menjar. I per ultim les consequencies de la crisi, que es queda sense feina i acaba a una manifestacio per error. De les ultimes escenes es veuen com acaben vivint a una xabola, al no tenir on viure, -Tiempos modernos fue la primera película de Chaplinque provocó un amplio rechazo entre el público y los críticos norteamericanos. Film adelantado a su tiempo, fue considerado por muchos un panfleto izquierdista. Esto se explica porque, si bien todas las películas de Chaplintienen toques de crítica social, en ésta en concreto, el gran artista londinense metíó a fondo el dedo en la llaga de los problemas que acuciaban a la clase trabajadora en los EE UU de la Depresión, y eso no fue del agrado de ciertos sectores de la sociedad estadounidense. En consecuencia, y a pesar de haber funcionado bastante bien en taquilla, la cinta fue mejor acogida en Europa, donde crítica y público dieron la razón a Charlie.Con el paso del tiempo, también en USA acabarían reconociendo que Tiempos modernosera una obra maestra del cine, pero incluso entonces la verían con recelo, pues muchos seguían considerándola subversiva.Estamos ante una película que se rodó ya consolidada la era del sonoro, pero que fue confeccionada casi al modo del cine mudo. El protagonista es Charlot, elvagabundoal que los espectadores de todo el mundo adoraban. Chaplinsiempre había incluido en sus historias referencias a las injusticias sociales, pero en el film que nos ocupa la carga ideológica adquiere más peso y relevancia que en sus obras anteriores, de ahí el desagrado con que fue recibido por los sectores política y financieramente más influyentes de la sociedad norteamericana de los años treinta. La película se estructura como un hibrido entre la comedia chaplinescatradicional y el cine que podríamos definir como de denuncia social. -La cinta es una sucesión continua de elaborados gags al más puro estilo Chaplin

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Pero incluso en la escena más desternillante subyace un cierto poso de amargura y tristeza, condensado en un mensaje nada subliminal, que hasta el espectador más obtuso puede captar con facilidad. Charlieemplea el humor como arma para denunciar las tropelías que los poderosos cometen contra los humildes. No es casual que en casi todas sus películas los accidentes más cómicos, los estropicios más hilarantes, les ocurran a empresarios, banqueros, políticos, clérigos, damas burguesas o policías. CharlesChaplinconoció la pobreza, el hambre y la miseria en el Londres victoriano, y jamás olvidó las penurias que sufríó de niño. -Los lobbysempresariales norteamericanos, sintiéndose atacados por la película, utilizaron su considerable influencia en los medios de comunicación para perjudicarla.

La imagen que Chaplin ofrecía de las cadenas de montaje de las grandes industrias, con los trabajadores reducidos al rol de simples piezas del sistema, levantó ampollas en muchas corporaciones industriales, precisamente porque se ajustaba demasiado fielmente a una realidad que todas trataban de ocultar. -Los primeros minutos del film, que se desarrollan en la fabrica en la que trabaja Charlot, los obreros no sólo desempeñan un trabajo aburrido, agotador, también son sometidos a vigilancia por el director de la fábrica, que utiliza una especie de circuito cerrado de televisión para controlar lo que ocurre en cada departamento de la misma, y que cuando faltan apenas unos minutos para terminar la jornada laboral, ordena a un técnico que acelere la velocidad de la cadena de montaje, con el fin de exprimir al máximo a su empleados. Otro fabuloso gag, que sin duda hizo rechinar los dientes de más de un empresario, fue ése en el que Charlotes utilizado como conejillo de indias, para probar un novedoso artefacto diseñado para alimentar a los obreros mientras trabajan, y así reducir el tiempo de trabajo que se pierdecon el descanso para el almuerzo. -El gag de la máquina alimentadorafue uno de los pasajes más criticados por los detractores de Chaplin,por razones fáciles de comprender, ya que una de las cosas que esta película magistral critica más abiertamente es ladoctrina empresarial desarrollada por Frederik Winslow Taylor. El Taylorismorevolucionó la industria, mejorando y aumentando notablemente la calidad y cantidad de la producción, pero en la práctica significó una horrorosa deshumanización del trabajo, convirtiendo a los trabajadores en auténticos esclavos asalariadosde las grandes empresas. Chaplin,el mayor humanista que ha dado el Séptimo Arte, supo plasmar en pantalla la indefensión de la clase trabajadora ante las prácticas explotadoras de los grandes empresarios. La secuencia de la máquina alimentadora,antes mencionada, es la alusión más explícita al Taylorismoy sus abusos.
-Tiempos modernossignificó la última aparición en el cine del personaje de Charlot.Chaplinaparecería en “El gran dictador”con el look clásico del pequeño vagabundo,pero el personaje, aunque muy similar, no era el mismo. Tiempos modernosnos presenta a un Charlotque trata de integrarse en la sociedad y abandonar su vida nómada, esto no va a resultarle nada fácil. Chaplinconcibió esta cinta como la última aventura de su inmortal personaje, y aunque al final todo parezca salirle mal al protagonista, que se ve impelido de nuevo al vagabundeo, en esta ocasión la conclusión del film no está teñida de tristeza y melancolía. Casi todas las aventuras de Charlotacababan igual, con nuestro protagonista alejándose por una polvorienta carretera, hacia el sol poniente. Pero esta vez es distinto, porque Charlotha encontrado una compañera, y juntos emprenden el camino hacia un destino que no saben qué les deparará, pero al que no temen porque, por fin, tienen a alguien que les importa a su lado. El pequeño vagabundo, que siempre se enamoraba de alguna chica que acababa en los brazos de otro, ya nunca más estará solo. -A pesar del rechazo de buena parte del público y la crítica estadounidenses de la época, Tiempos modernosrecaudó más de 1.400.000 dólares sólo en EE UU, lo que da idea de la popularidad de Chaplin.La cinta se estrenó el 5 de Febrero de 1936 en el Rivoli Theatrede Nueva York, llegando a España ese mismo año y estrenándose en Madrid el 4 de Marzo, en el cine Capítol, y en Barcelona dos días después, en la sala Tívoli,con un considerable éxito.

Un magnífico y consecuente final para el personaje más gracioso, simpático y conmovedor que ha dado el cine. -El rodaje de Tiempos modernoscomenzó en Octubre de 1934, prolongándose hasta Junio de 1935, es decir, ocho meses de arduo trabajo. La postproducción consumíó varios meses más, de modo que el film no se estrenó hasta Febrero de 1936. Puede parecer una exageración para una película de sólo 85 minutos, pero en aquella época Chaplin trabajaba así. Cuando empezó a realizar largometrajes, Charlieinvertía más de un año en cada proyecto. Perfeccionista hasta la obsesión, Chaplin planificaba cuidadosamente cada escena, exprimía los gags al máximo y repetía las tomas cuantas veces consideraba necesarias. Charliefue uno de los primeros cineastas que se ocuparon personalmente del montaje, tarea que la mayoría de los realizadores de aquel tiempo dejaban en manos de otros. Su libertad creativa era envidiada por todos los directores de su tiempo, que se veían obligados a lidiar de continuo con los caprichos de los capitostes de los grandes Estudios. Dueño de una inmensa fortuna personal, -Chaplinfinanciaba sus propios proyectos y sólo era responsable económicamente ante sí mismo. Trabajaba a su ritmo, sin que nadie le impusiera plazos para finalizar los rodajes, y tenía un control absoluto de todos los procesos de creación artística. Una película de Chaplinera precisamente eso: una película de Chaplin,una obra muy personal, nunca mancillada por injerencias externas; en definitiva, una auténtica obra de arte. -La llegada del sonoro significó una revolución absoluta para la industria cinematográfica, pero Chaplin no se dejó seducir fácilmente por la novedad. Maestro indiscutible del cine mudo, Charlieaprovechó las técnicas de sonorización para incorporar música a sus films, pero se resistía a incluir diálogos. -Chaplindecidió añadir efectos de sonido a la película, además de la banda musical. Durante la postproducción barajó la posibilidad de que su personaje hablara en algunos momentos, pero las grabaciones de su voz no acabaron de convencerle. Así pues, optó por crear unos sonidos con su voz y con distintos instrumentos musicales, combinándolos luego con la partitura que había compuesto para la cinta. Cabe mencionar que, aun siendo un film esencialmente mudo, Tiempos modernoscontiene una escena sonora memorable: ésa en la que Charlotinterpreta una canción cuya letra no tiene ni pies ni cabeza. -La compañera de Chaplinen esta cinta magistral fue Paulette Godard,con la que el artista vivía un romance por aquel entonces. La relación entre Paulette y Charlieera considerada escandalosapor la sociedad estadounidense, ya que vivían juntos pero nadie sabía si estaban casados. La pareja sosténía que su vida privada sólo les concernía a ellos, por lo que jamás revelaron si estaban unidos legalmente. Tiempos modernosrepresentó un punto de inflexión en la carrera de Charles Chaplin. A partir de aquí su carácterístico humor, tierno y ROMántico, muta y se adapta a los nuevos tiempos, adquiriendo una funcionalidad crítica notable, ausente de su obra hasta entonces, y cuyos máximos exponentes serían esa espléndida sátira sobre los totalitarismos fascistoides que fue “El gran dictador 1940” y la estimable aunque poco exitosa en su momento “Monsieur Verdoux”(ídem, 1947), fabulosa comedia negra sobre las andanzas de Henri Landru,

Hombres

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Fred Zinnemann, 1950. La Segona Guerra Mundial. Los soldados que quedaron inválidos en la guerra. Donar protagonisme a un invalid, molts soldats van quedar en centres hospitalaris. El doctor fa un discurs pedagogic a les families. El productor es Stanley Kramer, va ser valent per la temática del film. El directo es Fred Zinnemann, que va fugir d'Austria. El guionista era Carl Foreman, conegut com un dels Ten de Hollywod, va ser perseguit en la caça de bruixas contra els comunistes. Va passar un any en la preso, els treballs que feia tenia que posar un pseudonim(Maichel Wilson). Fins el 1984 la academia de Hollywod n va condemna el seu empresonament. Els encerts del film, va ser rodad en un centre hospitalari, l'exercit va donar permis. L'actor era Marlon Brando, era un actor desconegut en la gran pantalla era la primera película, havans fei teatre i fins que no li proposecin un bon guio no faria pelis. Brando per fer la peli va anar en cadira de rodes. Apareixen soldats invalids de veritat. El 1979 quan es fa la adaptació de Supermán, Brando va cobrar una fortuna per nomes dos minuts. 2 Oscars. Apareix la adaptacio per conduir cotxes per invalids. -The men se inicia con unas imágenes simbólicas del frente de contienda. Unos instantes estos planteados con cierta estilización, que vienen definidos por la voz en off del oficial Ken Wilcheck (Brando). A raíz de un disparo recibido en plena espalda, quedará paralizado en sus extremidades inferiores. Consumado deportista, Ken no asumirá durante bastante tiempo su nueva condición de inválido, mostrándose especialmente renuente en el hospital que para soldados de dichas carácterísticas, se encuentra comandado por el doctor Gene Brock. El recinto será un microcosmos en el que todo tipo de parapléjicos de guerra convivirán su dura cotidianeidad, y en el que nuestro protagonista será un paciente de especial dureza. Unas reticencias que intentará vencer su antigua prometida Elly Wilosek, a la que este ha intentado evitar denodadamente, pero que se mantendrá firme en su intención de mantener la continuidad de su compromiso. La fuerza manifestada por Elly serán, sin lugar a dudas, un soporte que permitirá a Ken iniciar su lucha por la recuperación, Un sendero en el que quizá albergue demasiadas ilusiones, pero en el que logrará notables progreso que permitirán afrontar la posibilidad de contraer matrimonio con su prometida. Una ceremonia contra la que intentarán luchar infructuosamente los padres de la novia, y que a poco de celebrarse revelará las grietas de una relación compleja y, en apariencia, condenada al fracaso.

-El contexto, dominado por el pesimismo y la abnegación, la película discurrirá a través de una serie de personajes en los que en muy pocas ocasiones se advertirá un esfuerzo por emerger del estereotipo, no pocos momentos que han envejecido en su afán didáctico la charla inicial del Dr. Brock o puramente melodramático -la chirriante secuencia que se desarrolla en el domicilio del ya ratificado matrimonio; el mismo instante en la ceremonia en el que el protagonista intenta desafiar inútilmente su invalidez. Pero frente a ellos, y oponiéndose a sus notorias insuficiencias, es indudable que restan momentos en los que la película sigue manteniendo su fuerza. Entre ellos, habría que destacar la secuencia de la ceremonia entre los protagonistas, la previa conversación entre Elly y sus padres francamente reveladora de la hipocresía de una sociedad USA, que inicialmente tanto alentaba a sus jóvenes a acudir a la guerra-, la manera con la que se muestra la muerte del voluntarioso Ángel o, por encima de todos los momentos anteriormente citados, el casi conmovedor fragmento en el que Elly se reencuentra con Ken, establecíéndose entre ellos un contacto que resulta casi doloroso. Evidentemente, en ella se encuentra el momento más álgido en la labor del magnífico debut cinematográfico de un jovencísimo Marlon Brando, que sabe combinar el esplendor de su magnetismo, atractivo y fuerte presencia física, con una vulnerabilidad que pocas veces más se darían cita en su andadura cinematográfica. Nunca he sido un especial admirador del talento –indudable- de Brando. Sin embargo, confieso que en esta ocasión se encuentran uno de sus trabajos más admirables. Todo lo contrario, bajo mi punto de vista, del efecto absolutamente negativo que en el film produce el fondo sonoro, estridente, molesto, e incluso disuasorio en la búsqueda dramática del film, propuesto por Dimitri Tiomkin. Sorprende que el artífice de esta lamentable banda sonora sea considerado uno de los más valiosos compositores clásicos de Hollywood. -Así pues, entre una mirada voluntariosa y honesta, al tiempo que esquemática y escasamente sutil a nivel cinematográfico, se define esta muestra de un tipo de cine en su momento pretendidamente comprometido su ámbito social, aunque en realidad el alcance de su denuncia haya quedado envejecido notablemente con el paso del tiempo.