Barroco aristocrático

1. El Barroco: concepto y carácterísticas (XVII - XVIII)

Durante mucho tiempo fue visto como una aberrracion porque traiciona los principios clásicos de armónía y belleza. Aun así ha contribuido mas que el Renacimiento al concepto occidental del arte. También hay que tener en cuenta el Manierismo (1550-1600 aprox), estilo que se puede considerar tanto el final del Renacimiento como el principio del Barroco.

La figura humana cobra mucha importancia, ya sea bella o fea, sublime o cotidiana. Aparecen también temas más banales (animales, bodegones, trabajos) y se colocan en el primer plano de la composición. La consigna es el Realismo.

El Barroco acude a la exageración, la elegancia se encuentra en lo complicado. Tres períodos: 1.Barroco temprano o primitivo (1580-1630, en muchos casos coincide con el Manierismo), 2.Barroco pleno (1630-1680) y 3.Barroco tardío o Rococó (1680-1750, lleva al arte el triunfo de la pura estética y la belleza intrascendente)

2. Urbanismo y arquitectura Barroca en Italia. Bernini y Borromini

La arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. Los edificios mas representativos son los civiles, con interiores cargados de decoración, plantas complicadas y originales soluciones en las cubiertas. Emplea el orden gigante. La ciudad se vuelve escenográfica. Se crean perspectivas visuales sobre un punto de referencia y tbn lugares singulares, plazas y rincones acogedores. Todo ello es un reflejo del poder, ya sea religioso o civil.

El palacio es le típico edificio de vivienda urbana para las famlias poderosas. Se caracteriza por sus fachadas dinámicas, con curvas y contracurvas, y el juego de luces y sombras, en los que se resaltan las piezas principales. Tbn se crean jardines, hay un gusto por la belleza de la naturaleza mejorada

El templo es el lugar del sermón y eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral x lo que debe tener una buena visibilidad y acústica. Se impone el espacio unitario que los jesuitas, defensores de la Contrarreforma, emplearon en la iglesia del Gesú de Vignola, una planta de cruz latina con un gran crucero cubierto por una cúpula, hacia la zona de debajo del retablo, el altar, en el que se manifiesta todo el poder y la riqueza de la Iglesia.

Existe un nueva concepción del espacio, las plantas adoptan formas caprichosas, en movimiento, los edificios se cargan de una decoración que invade todos los rincones. Los edificios muestran la inclinación al lujo y la riqueza.

Tras la hegemonía cultural que tuvo Venecia después del saqueo de Roma en 1527, esta ciudad vuelve a recuperar todo su esplendor. Roma es lugar de peregrinación el centro del papado y la Contrarreforma, ye l lugar donde se crea la nueva estética y las bases del urbanismo moderno y racional. Esta vez, Italia es sinónimo de Roma. Las fachadas de hacen onduladas y ricas en esculturas.

En Roma trabajan los mas grandes arquitectos del Barroco. En el periodo de transición se distingue a Carló Maderna, que destaca por concluir la Basílica de San Pedro del Vaticano. En el Barroco pleno encontramos a los arquitectos más conocidos: Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) es el gran arquitecto del Barroco, uno de los genios del arte universal. Es uno de los formuladores del lenguaje Barroco. Diseña la columnata de San Pedro del Vaticano, y el baldaquio donde sitúa un nuevo tipo de columna las columnas salomónicas del altar (con el fuste totalmente curvado, como retorcido, con forma heliocoidal). Utiliza multitud de puntos de vista, la planta central, principalmente de cruz griega, circular u oval.

Francesco Borromini (1599-1667) es otro de los grandes arquitectos de la historia del arte. Rompe con todas las reglas del clasicismo; concibe toda la obra como una gran escultura, ondula los entablamentos y las cornisas, e inventa nuevas formas para los capiteles. Sus plantas son más dinámicas y sus fachadas también. Pero sus obras son de pequeño tamaño, ya que Bernini era el arquitecto oficial. Construyó la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes, entre otras iglesias en Roma.

3. La arquitectura barroca en Francia. El palacio de Versalles

París es la capital del absolutismo monárquico, pero tbn del gusto por lo clásico. Surge la época auténticamente clásica de Francia, es un arte majestuosos al servicio del estado . Es, pues, un arte cortesano en el que los artistas trabajan para el rey; por lo q la mayoría de las obras son civiles. Los edificios típicos son: el palacio y el catillo de campo, donde se plasma el refinamiento, la suntuosidad y el poder absoluto. Los grandes palacios suelen tener un gran cuerpo alargado y dos alas hacia el jardín. Las cubiertas son de estilo francés, que forman grandes cuerpos prismáticos, muy altos, en los que se abren buhardillas. En ellos destaca la horizontalidad y un severo clasicismo.

Destacaron dos proyectos reales monumentales, el palacio de Louvre, en el que trabaja Claude Perrault, y Versalles, en donde trabajan Louis le Vau, Charles le Brun, autores de la escalera de los embajadores y de la galería de los espejos, Jules Hardouin-Mansart, diseña la ampliación del conjunto del palacio, André le Notre, fue quien diseñó los jardines, que en ese conjunto tienen una gran importancia. La construcción del palacio de Versalles duró casi un siglo, desde 1612 hasta 1708 y simbolizó en primer lugar el poder del monarca absoluto por antonomasia, Luis XIV, el Rey Sol. Esta gran obra maestra será imitada en todo el mundo

4. La escultura barroca en Italia: Bernini

Es heredera directa del Manierismo. Se trata de una escultura realista en la que aparecen composiciones de gran dinamismo. Un dinamismo que no es ordenado, sino espontáneo, en el que predominan los escorzos. Utiliza el mismo tipo de material, mármol, bronce y madera. Los temas tienden a ser mas profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular importancia. Loa retratos, bustos, recobran su importancia continúan haciéndose monumentos funerarios, en los que se exalta la fama y la virtud. Sin embargo, predominan los temas religiosos. Se acude frecuentemente a las fuentes mitológicas. Pero además la escultura se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.

La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa. Pretende resaltar las virtudes políticas y humanas de los personajes, sobretodo en las tumbas. Todo el Barroco esta inundado de un fuerte Naturalismo figurativo que a la vez expresa las pasiones.

En Italia trabaja Gian Lorenzo Bernini, él es el interprete de la contrarreforma católica, de la Iglesia triunfante y su glorificación. Posee fuertes influencias helenísticas. Su escultura se caracteriza por la tetralidad compositiva, que resuelve en escenas. Es un gran arquitecto, por lo q pone la escultura al servicio de la arquitectura. Busca efectos emotivos con el fin de conmover, para lo q emplea el escorzo y las posiciones violentas y desequilibradas. Tiene obras mitológicas como Apolo y Dafne; religiosas, baldaquio de San Pedro, Éxtasis de Santa Teresa, fuente de los Cuatro Ríos o de la Barcaza; y retratos, busto de Luis XIV y del cardenal Borghese, etc.

Rococó

Que se caracteriza por presentar ornamentos o decoración de inspiración naturalista de gusto muy refinado Eucaristía:
 Sacramento de las iglesias cristianas que consiste en consagrar el pan y el vino (memorial de la muerte y resurrección de Jesús) y en su distribución entre los fieles Tenebrismo:
Una tendencia de la pintura barroca que usa contrastes acusados de luz y sombra de manera que las partes eliminadas se destaquen de las oscuras. 
Clasicismo: Tendencia o estilo artístico y literario que se caracteriza por la búsqueda de la serenidad, el equilibrio y la armónía de las formas propias de la tradición greco-romana. 

Madera policromada:

Técnica deelaboracion de piezas escultóricas sobre madera, normalmentededicadas al culto religioso. Imaginería:
Arte y técnica de tallar o pintar imágenes religiosas.

Bodegón:

 Pintura o dibujo en el que se representan alimentos, recipientes y utensilios domésticos Balaustrada:
Conjunto de columnillas que sirven de apoyo en una barandilla en balcones, azoteas, etc.

5 La Pintura Barroca:

características,etapas y escuelas.

 La pintura barroca se aleja del elitismo manierista en busca de una expresión mas didáctica.Es una pintura realista, naturalista, que dota al cuadro de contenido sugerente, formas conso�adoras,poesía y evocación de lo antiguo, exceptuando los interiores holandeses, determinados por visión burguesa austera del calvinismo.Las obras barrocas están dotadas de un profundo Naturalismo.El pintor Barroco plasma la realidad tal y como la ve,con sus limites imprecisos,sus formas que salen y entran,los objetos de primer 
  Plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra un gran dinamismo.

   La pintura barroca holandesa y de Flandes es heredera directa de la pintura flamenca de los siglos XV Y XVI, tiene un lenguaje mas burgués, que le diferencia del lenguauje cortesano del resto de Europa.El Barroco admite una gran variedad de temas y técnicas, propaga los valores de la Contrarreforma, el absolutismo y la burguesía.Se recrea en espacios abiertos, predomina el color y la luz sobre el dibujo y busca los efectos de contraste que producen las luces y las sombras, con una técnica que se llamara tenebrismo.
La pincelada suele ser larga y flexible.Frecuentemente utiliza la perspectiva aérea para dar profundidad al cuadro.Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos y el retrato, tanto el individual como el del grupo que aparece ahora.El paisaje humanizado cobra importancia por si mismo( marinas , vistas rurales,etc,,) y surge como tema nuevo el bodegón,sin presencia humana.
  No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el clasicismo. El tenebrismo consiste en el choque violento entre la luz y la sombra.Da a las obras un rabioso Naturalismo.El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras la escena queda en primer plano.El clasicismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva estética.Si en el tenebrismo se aboga por el Naturalismo en el clasicismo se hace por el idealismo.Esta es la estética que triunfa dentro de la Iglesia católica, ya que es la mas apta para exaltar a la Iglesia. Se trata de una estética decorativa efectista y teatral.

      

6.La pintura italiana

Caravaggio y el tenebrismo. Clasicismo y Barroco decorativo. Caravaggio (1573�1610) es el creador y divulgador del tenebrismo, un gran genio de la pintura universal .En sus cuadros encontramos los mejores ejemplos de tenebrismo y del rabioso Naturalismo que implica.Es un pintor independiente y rebelde que influye que en todos los grandes pintores de su tiempo, aunque no crea una escuela.Utiliza los modelos que les presenta la realidad,incluido lo feo;y lo grotesco.Entre sus obras destacan el Martirio de San Mateo, en el que acentúa los rasgos del personaje gracias al tenebrismo: San Jerónimo, Cesto de frutas , Baco adolescente ,la muerte de la Virgen, etc. Los fondos de sus cuadros suelen ser interiores muy oscuros sobre los cuales destacan las figuras fuertemente iluminadas para crear situaciones dramáticas que son al mismo tiempo muy realistas.Entre sus temas se encuentran los bodegones y las naturalezas muertas, pero sobre todo el hombre, el cual trata de captar su psicología. La escuela de los Carracci es la representante de la pintura barroca clasicista, mucho menos innovadora que el tenebrismo y por lo mismo mas aceptada por el poder.Para esta familia de pintores el paisaje es el gran protagonista.A esta escuela pertenecen Ludovico Carracci , el fundador de la escuela, y Aníbal Carracci: Galería del palacio Farnesio. De esta escuela saldrasn grandes pintores como Guido Reñí:Hipomenes y Atalanta (Museo del Prado). En Venecia, durante el Siglo XVIII trabajaran algunos pintores, que traspasan la frontera del Barroco para entrar en el rococó.Pero sobre todos esta Gian Battista Tlepolo, con sus sonrisas y su luz etérea y plateada:Abraham y los tres ángeles.Tlepolo trabaja en Madrid donde decora el salón del trono del Palacio Real . En estos momentos en Venecia toma carta de naturaleza el paisaje urbano, entre los autores de vistas de Venecia destaco Antonio Canal, Canaletto, cuya pintura se acerca ya a los planteamientos neoclasicos: Paisaje de Venecia.

7.La pintura flamenca y holandesa. Rubens y Rembrandt

La tradición pictórica de Flandes ya ha sido estudiada dentro del Gótico, aunque la época de su gran desarrollo fueron los siglos XV y XVI.Se centra en el gusto burgués por lo cotidiano y los detalles, y la exaltación de su modo de vida.En estos momentos de convulsiones religiosas en Europa, Flandes es defensora del catolicismo , mientras que Holanda lo sera del protestantismo.Sin embargo, su pintura es decorativa, opulenta y hedonista. Entre todos los pintores flamencos y católicos destaca Peter Paúl Rubens(1577�1640) que junto con Rembrandt y Velazquez son los tres grandes genios del Barroco y figuras clave en la historia del arte. Rubens viaja por toda Europa como diplomático.Visita Italia, donde conoce la obra de Miguel Ángel y los clasicistas, y conocerá a Velazquez.Vivió como un verdadero príncipe recibiendo encargos de las casas reinantes incluyendo a los reyes de Espa�a.En sus obras utiliza una pincelada muy amplia y un rico colorido. Sus formas son complicadas y opulentas y poseen un gran dinamismo.Tiene obras que glorifican a la Iglesia triunfante, como El descendimiento, o El levantamiento de la cruz, en la que la composición diagonal remarcan la teatralidad, pero junto a esas obras tiene escenas profanas, de temática mitológica, en las que utiliza el desnudo, como Las Tres Gracias.Y por supuesto retratos: Duque de Lerma.Es un pintor vitalista.Otras obras suyas son: El juicio de París, La Venus de tocador, y el rapto de las hijas de Leucipo. Antón van Dyck es otro de los grandes pintores flamencos.Es alumno de Rubens, y un gran retratista.En 1632 es pintor de cámara de Carlos I de Inglaterra, al que retrata. En su obra fija las características del retrato ingles , muy elegante y refinado. Al contrario de Flandes, Holanda es la defensora del protestantismo y del triunfo de la burguesía. En el Siglo XVII Holanda se coloca entre las grandes escuelas de la pintura con un marcado carácter nacional , gracias al desarrollo de la burguesía, que demando gran cantidad de cuadros en los que se mostrase su estilo de vida.Presta atención al dibujo.Los colores son fríos , y el resultado es mas realista que efectista. En realidad , el estilo esta alejado del Barroco tradicional europeo, salvo en el caso de Rembrandt.El tema preferido de los holandeses sera el retrato, sobre todo el retrato colectivo, en el que aparecían los miembros de las corporaciones de hombres honrados (comerciantes, profesionales, burgueses..).Utiliza temas de la vida real y cotidiana ,escenas de interior,naturalezas muertas,paisajes y retratos, individuales y colectivos.Los acontecimientos mas banales merecen la atención del pintor.

Jan Vermeer de Delft

Sus obras son tranquilas , calmadas , de interior, con figuras estáticas y unha atmósfera intimista de ambiente burgués. En sus cuadros encontramos sencillez compositiva y escenarios realistas.( Vista de Delft La Encajera, Mujer leyendo una carta...)

Rembrandt van Rijn(

1606�1669) es el gran pintor de la escuela holandesa.Rembrandt es un pintor lleno de personalidad y uno de los grandes genios del arte.Sus obras respiran espiritualidad. Pinta retratos de la sociedad, y sobre todo una impresionante cantidad de autorretratos, pero sus temas alcanzan a todos los campos de la pintura. Utiliza el claroscuro tenebrista de una manera muy acusada. También pinta temas religiosos, pero basados en el antiguo testamento.Es profundamente realista y pinta comportamientos humanos vulgares y paisajes melancólicos.Su ejecución es muy personal, usa espátulas y los dedos en algunas ocasiones para extender la pintura, con lo que logra efectos muy plásticos de gran dramatismo. Sus obras mas representativas son La lección de anatomía, La negación de San Pedro, Autorretrato, Betsabe y La ronda de noche.

El plateresco es el estilo que cubre que transcurre desde las ultimas realizaciones del Gótico flamígero hasta el afianzamiento de las formas propiamente renacentistas. El termino lo creo en el sigo XVII Ortiz de Zuñiga, al compararla labor hecha en la Capilla Real de la Catedral de Sevilla con el trabajo de los orfebres y plateros. Lo plateresco es un uso incontenible de elementos decorativos: Columnas abalustradas, medallones, figuras humanas entrelazadas con animales y tallos formando figuras fantásticas, uso que revela influencias italianas. Clasicismo renacentista. 

La Arquitectura

Al contrario que en el plateresco, se da más importancia al espacio. En 1527 Pedro Machuca inicia en la Alhambra de Granada las obras del Palacio de Carlos V, el más clasicista de los edificios renacentistas españoles. Carlos V ordenó la construcción de palacio que llevaría su nombre por el deseo de poseer una residencia junto a los palacios y jardines que tanto le agradaron. En 1528 Diego de Siloé se hace cargo de la cosntruccion de la Catedral de Granada e introduce la columna clásica, conviertiendo la Capilla mayor en circular y coronandola con una cúpula cuando lo tradicional hubiera sido situarle en el crucero. El concepto Bajo Renacimiento se aplica al periodo cronológico que abarca aproximadamente el ultimo tercio del Siglo XVI. El grandioso Montasterio de El Escorial, cuya construcción se inicion en 1563 en memoria de la victoria española de San Quintín y terminado veinte años mas tarde, es sin duda la obra mas importante y representativa del periodo. Juan Bautista de Toledo fue encargado por Felipe II de levantar un conjunto que fuera a la vez palacio, iglesia, monasterio y enterramiento real. Su muerte a poco de iniciar las obras fue el motivo que su ayudante Juan de Herrera se hiciera cargo de la dirección. Herrera modifico significativamente los proyectos de su maestro y antecesor; eliminó hasta seis torres en su afán de quitar cualquier síntoma de profusión decorativa; elevó la fachada de la poniente a la misma altura que las tres restantes, y como la iglesia que se sitúa en el núcleo central del edificio, quedaba sin suficiente  visión, añadió a dicha fachada una portada que no tiene relación directa con la iglesia. La decoración externa del conjunto es fruto del juego geométrico de pirámides y esferas y se mantiene dentro de la sobriedad mas rigurosa, nota distintiva de un estilo que ha pasado a llamarse herreriano y cuyo fundador ejerció no solo un fuerte influjo estilístico, sino un verdadero control artístico durante el reinado de Felipe II. La escultura La presencia de artistas italianos en España, así como la constate importación de obras de su país es decisiva para la difusión del nuevo gesto estético del Renacimiento. Entre los autores que dan paso a al escultura renacentista destacamos a Bartolomé Ordóñez, autor del Sepulcro de Doña Juana la Loca y Felipe el Hermoso en la Capilla Real de Granada. Es un escultor purista y tal como rehúye trabajar lo que no sea mármol. Alonso Berruguete 488-561, hijo del pintor Pedro Berruguete, se empapó durante su estancia en Italia del arte de Donatello y Miguel Ángel; pero dejando que lo intenstamente dramático predominar sobre los valores de armonía y serenidad, por lo que prefigura en cierta medida lo Barroco. Obra suya es el Retablo de San Benito del Museo de Valladolid, una de cuyas estatuas, el San Sebastián, logró una gran popularidad. Su otra obra más notable es la Sillería del Coro de la Catedral de Toledo, en la que sorprenden las huellas del desenfado técnico carácterístico de Berruguete. Frente a las formas colosales de Miguel Ángel, las tallas de Berruguete son figuras huesudas, gesticulantes y nerviosas El influjo de Miguel Ángel se dejó sentir fuertemente en la España de la segunda mitad de Siglo XVI. Buena prueba de ello es el estilo grandioso de Gaspar de Becerra, autor del Retablo de la Catedral de Astorga. La Pintura. Pedro Berruguete es el pintor que mejor representa la transición del estilo gótico. Combina en sus obras elementos flamencos con novedosos elementos italianos como son la creación de escenarios arquitectónicos y la preocupación por la luz. Estos rasgos se pueden observar en sus retablos, como los de la catedral de Avila. Juan de Juanes es un personaje clave por 2 razones: por un lado porque fue el que adoptó el rafaelismo; y por otro por la creación de devotos tipos iconograficos como las Sagradas Familias, Virgen con el Niño y las Inmaculadas. Su obra mas famosa es la Santa Cena, que se encuentra en el Museo del Prado, con clara influencia de Leonardo. Luis de Morales el más destacado exponente de la pintura de la segunda mitad del Siglo XVI, ya que incorpora además de la herencia manierista, un peculiar eco del gusto flamenco, y anuncia con su tenebrismo en unas ocasiones y sus sentimentalismos en otras, varias características de la pintura barroca española. Es creador de Vírgenes piadosas y Cristos dolientes, que encontraron favorable acogida en la religiosidad popular. Su Cristo entre dos sayones, el Ecce Homo o la Virgen de la Piedad, son tres claros exponentes de su estilo, de figuras alargadas, colores fríos e intensas expresiones de fervor. Su emoción mística influyo probablemente en la transformación que el estilo de el Greco experimente en España. Entre los retratistas de la corte de Felipe II destacaron: Antonio Moro en retratos como los María Tudor o El emperador Maximiliano II, quedan patentes sus prioridades; el detalle de joyas y ropas, al penetración psicológica y la eliminación de los decorados, con el ansia de concentrarse en la figura. Sánchez Coello supo aprovechar la docencia recibida de Moro y pintó entre otros retratos de Carlos I y Felipe II (Museo del Prado) El Greco. Doménicos Theotocópoulos 542-614 nacíó en la isla de Creta y en esta isla recibíó su formación. Hacia 1560 marchó a Venecia, ciudad que ademásde metrópoli de las artes y de las letras era la capital política de los cretenses. Aprende con Tiziano y confiesa varias veces ser discípulo de este, ya que era una buena recomendación para conseguir encargos en la Europa de la segunda mitad de siglo; pero en su estilo influyo tanto la gama de Veronés, como la composición de los Bassano y sobre todo los escorzos, las grandes composiciones divididas en estancias, los choques brutales de blancos y negros y el nerviosismo ondulante del dibujo aprendidos en el arte tenso de Tintoretto. El centro de la actividad artística italiana se encontraba en la corte papal y el pintor se traslada, a finales de 1570. De su época italiana es La expulsión de los mercaderes del tempo. En poco tiempo traba relación con algunos personajes españoles afincados en Roma, circunstancia que, junto con el atractivo de trabajar en El Escorial, le impulsó a la decisión de viajar a España. Se estableció en Toledo en 1577. Sus deseos de ingresar en el circulo de pintores de Felipe II le animaron a presentar al monarca una pintura; La Adoración del nombre de Dios, una muestra temprana de su mas característico estilo. Sus formas de composición son manieristas, aunque dotadas de una vida propia que le hacen ser uno de los pintores de mas personalidad de la época. La oportunidad esperada se presento en 1580 al serle encargado El martiri de San Mauricio para la iglesia de El Escorial. El Greco quisto introducir tantas novedades que no gustó al rey. Adaptado a la sociedad toledana y en relación con los espíritus mas inquietos del momento, el Greco fue pintando sus obras mas personales: La Trinidad, El Expolio y sobre todo el gran Entierro del Conde de Orgaz, obra que consigue una profunda fusión entre el mundo real y el del mas allá, dos epacios que se reclaman y ser explican mutuamente. El Greco es una de las máximas figuras de la historia de la pintura. Sus figuras alargadas, creadas para producir la sensación de mayor espiritualidad son una de las grandes audacias de toda la historia de la pintura. La vida del pintor se nos presenta como una constante búsqueda de las expresiones místicas y de las formas etéreas, ingrávidas. Cuando llegó a España conocía ya todos los secretos del arte pictórico; en Venecia se había empapado de color, en Roma, en la obra de Miguel Ángel. No obstante en Toledo su arte sufrió una poderosa transformación. Las obras de su etapa italiana todavía tienen paisaje, figuras robustas, con paños adheridos a los cuerpos, colores cálidos y composiciones recargadas en unas zonas de la tela, minetras otro permanecen vacíos. En España sustituyo los paisajes por celajes con luz de tormenta, y solo en su cuadro de la ciuda de Toledo, casi fantasmal, le hace abandonar su criterio de no pintar los encuadres espaciales de las escenas, las figuras se alargan hasta reducirse a interminable shileras de formas huesudas, sobre las que los paños flotan, acentuando todavía mas la sensación de adelgazamiento. Los colores son ahora (grises, verde, azules metálicos) mas apropiados para plasmar sus visiones místicas. La composición es manierista; la falta de espacio tiende a impulsar sus gestos y cuerpos hacia lo alto. El tema religioso ocupa casi exclusivamente su atención, ya se trate de la gran composición, como La adoración de los pastores o El calvario; figuras de santos como el San Francisco o series de apostolados. En el retrato sus innovaciones no son menos intensas. En El caballero de la mano en el pecho abandona el culto al detalle de los retratos venecianos para concentrar exclusivamente su atención en el rostro, habitualmente austero de los caballeros castellanos y penetrar a través de la expresión triste de los ojos en el fondo del alma, o en los rincones escondidos de su personalidad.

3. La pintura barroca en España. La corriente naturalista: Ribera y Zurbarán. El pleno Barroco: Murillo

El Barroco es para España la época de oro de la pintura. El tema principal es religioso, ya que España es la campeona de los valores católicos establecidos por la Contrareforma. La iglesia es el gran mecenas de artistas. Junto con la Corte. Por lo que los temas religiosos dominan sobre todos. Los pintores españoles conocen el arte europeo más que por los viajes porque muchos de los grandes artistas trabajaban en algún momento en España. Su técnica preferida es el óleo, aunque utilizan todas. Al igual que en Italia, la pintura se debatirá entre el tenebrismo y el clasicismo. En el Siglo XVIII triunfaran los modelos flamencos mas coloristas, aunque no hasta llegar al rococó. Seguirá habiendo dos grandes centros Madrid, por la corte, y Sevilla, la puerta de América, aunque aparecen centros secundarios como Valladolid, Toledo y Valencia. Distinguiremos tres escuelas: la valenciana la andaluza y la madrileña.

La escuela valenciana esta muy influida por el tenebrismo de Caravaggio, por el puerto de Valencia entran en España os cuadros italianos destinados a las colecciones reales. Dentro de esta escuela destaco José de Ribera (1551-1652) que recibíó una gran influencia del tenebrismo naturalista de Caravaggio. Ribera trabajo durante bastante tiempo en Italia, donde le llaman el spagnoletto. Es uno de los grandes pintores del momento. Al principio sus cuadros son muy tenebristas, pero con el tiempo va aclarado su paleta: San Andrés, Martirio de san Bartolomé., Arquímedes, El sueño de Jacob. Con las obras de este pintor la pintura española adquiere una fuerte tendencia realista.

En la escuela andaluza destaca Francisco Zurbarán(1598-1564)

trabaja fundamentalmente para la iglesia, por los que sus temas mas recurrentes son los frailes y las monjas. Trata de conmover desde la sencillez. Es un pintor adicto al tenebrismo, con el que consigue modelados muy plásticos. Tiene cuadros como la Inmaculada concepción, Bodegón, Santa Catalina, San Hugo en el refectorio de los cartujos. Zurbarán también incide predominantemente sobre la tendencia barroca realista española.

Bartolomé Esteban Murillo(1617-1682)

, también pertenece a la escuela andaluza. Trabaja en Sevilla junto a Zurbarán. Sus composiciones son sencillas, las figuras se recortan en el cielo con fondos vaporosos. Impone el modelo de Virgen con el Niño y la Inmaculada: Niños comiendo uvas y melón, Los niños de la concha, La Inmaculada Concepción, La adoración de los pastores. La pintura de Murrilo desarrolla el Realismo Barroco español, aunando temas populares y religiosos, pero siendo un pintor mar tardío que Ribera y Zurbarán, ya correspondiente a la segunda mitad del Siglo XVII, en propia del rococó( ultimo periodo del Barroco). Juan de Vades Leal es otro de los grandes pintores de la escuela andaluza. Sus obras se caracterizan por la pasión y el movimiento, el predominio de lo macabro, los colores brillantes y los efectos tenebristas ; Las pstrimerias.

4. Velazquez

Entre la escuela andaluza y la madrileña trabajó Diego de Silva Rodríguez y Velazquez (1599-1660), que es, probablemente, el pintor más genial de todo el período en su larga trayectoria pictórica se pueden distinguir seis etapas:

-Etapa sevillana(hasta 1623)

Se formó en el taller de Francisco Pacheco donde permanecíó el titulo de pintor. A los 19 años se casa con Juana hija de su maestro, y empieza a ejercer su oficio. Al año siguiente Velazques viaja por primera vez a Madrid. Es presentado al conde-duque de Olivares, válido del rey Felipe IV y pinta el Retrato de Góngora.

-Primera etapa madrileña(1623-28)

es reclamado por el conde-duque. En esta ocasión pinta al rey que queda complacido con el retrato y le nombra, poco después, ´pintor de cámara´. Velázquez se traslada definitivamente a Madrid con su familia, instalándose en palacio, donde tendrá casa y taller hasta su muerte. A partir de este momento, el artista trabajará para el rey con libertad y holgura, engrandeciéndose como pinto y, al mismo tiempo, como dignatario de la corte. Tuvo hasta cuatro cargos palatinos. Pinto de cámara, ujier de cámara , superintendente de obras particulares, y aposentador mayor. Al final de su ida el

monarca, su gran protector, le ennoblecíó con el habito de caballero de Santiago, que Velázquez había deseado mucho

-Primer viaje a Italia(1629)

Rubens, que permanece en España en misión diplomática, le anima a viajar a Italia. Así lo hace Velázquez. A su paso por Italia conoce distintas corrientes artísticas que harán de él, a su vuelta en el año siguiente, un pintor completamente formado.

-Segunda etapa madrileña(1630-49)

Época de mucho trabajo y grandes realizaciones. Como superintendente tiene que ocuparse de la organización, decoración y obras de los palacios reales, especialmente del Salón de Reinos, en el Palacio del Buen Retiro. Para el primero, hoy Museo del Ejercito, pinta La Rendición de breda y los retratos ecuestres de los reyes.

-Segundo viaje a Italia(1649-60)

Velázquez, que sentía gran nostalgia de Italia por su atractivo ambiente pictórico, es enviado oficialmente por el rey para comprar pintura italiana y escultura clásica para la colección real. Pinta allí algunas obras importantes ( Retrato del Papa Inocencio X, de Juan Pajera, la Venus del Espejo, los pasajes de Villa Médicis...)

-Tercera etapa madrileña(1649-51)

A su regreso, Felipe IV le nombra aposentador real , lo que supondrá mas trabajo y menos tiempo para pintar. Sin embargo de esta época son dos de sus cuadros mas importantes: Las hilanderas y Las Meninas

En función de su cargo palatino se ocupa de la remodelación del Alcázar, construyendo las piezas mas significativas: el Salón grande y el Ochavo, destinado a albergar las mejores piezas de la colección real. Quebrantada su salud por el esfuerzo, muere pocas semanas después en Madrid, en el año 1660

Carácterísticas de la pintura de Velazquez

El estilo de Velazquez esta plenamente formado a los 24 años, al ser nombrado pintor de cámara del rey. Su carrera se desarollará tranquila, avanzando seguro y sin altibajos en su pintura que no será muy abundante. La amistad y protección de Felipe IV le proporciónó prosperidad y fortuna.

Velazquez trabajo exclusivamente con técnica al óleo, con cuidado y detalle y con alteraciones frecuentes, dado que solía trabajar a la primera mancha, es decir apenas retocaba los cuadros. La luz y la utilización magistral de la perspectiva aérea serán, en Velázquez, el fundamento esencial de su creación pictórica.

Carácterísticas de su obra:

1ªÉpoca: Utiliza un dibujo enérgico t gran destreza y precisión al pintar cacharros, comestibles...

Pinceladas cortas y escuetas, paleta oscura, tonos apagados y cálidos, con predominio del color terroso. Las composiciones de esta época son de gran sobriedad y sencillez: utiliza la luz a la manera tenebrista, con un solo foco de ilumina violentamente las figuras( Adoración de los magos)

2ªÉpoca: Su técnica se have cada vez más ligera. El aire rodea las figuras en una degradación de color y la distancia muy matizada con perfecta fusión ambiental de figuras y paisa.

3ªÉpoca: Trabaja ya “a la manera abreviada” con pinceladas sueltas y libres, segurísimas. Gran dominio del dibujo y del color. Composiciones muy muy ritmadas en las que utilizará varios planos acentuados por diversos focos de luz que iluminan escalonadamente y con distinta intensidad la escena, consiguinedo así sorprendentes efectos de perpectiva aérea, que dominara totalmente.