Barroca

Enviado por Programa Chuletas y clasificado en Música

Escrito el en español con un tamaño de 25,78 KB

 

 La música del Barroco.

el inicio en el año 1600 con el estreno de la primera ópera conservada (“Euridice” de Peri y la de Caccini), y el final del barroco en el año 1750, año de la muerte de J.S.Bach, el más famoso representante del Barroco musical.

De esta época son músicos de gran importancia como el mencionado Bach, Vivaldi, Haendel, Purcell, Corelli, el padre Soler, Scarlatti...

sirve de técnicas nuevas buscando efectos de dramatización; la música barroca es el lenguaje de una época agitada y dramática, y utiliza  técnicas

  •  Nueva textura: monodía acompañada (a menudo con bajo cifrado)    (A-1)
  • Ensanchamiento de acordes: disonancias
  • Melodías con alteraciones: paso de la escala modal a la tonalidad    (A-2) 
  • Uso abundante de factores dinámicos: en el ritmo, en la intensidad y en los timbres (contrastes: grupos instrumentales/vocales; tiempos rápidos/lentos; forte/piano a modo de eco…) Uso abundante de ornamentaciones
  • Profesionalización: tanto en compositores como en intérpretes y constructores de instrumentos.

Por otra parte, el Barroco supone el nacimiento de lenguajes musicales específicamente nacionales, y en él no todos los países tendrán la misma importancia; podemos destacar tres estilos nacionales:

La música estará al servicio de las grandes Monarquías europeas, la Aristocracia y la Iglesia, que la utilizarán como una manifestación más de su poder. El papel del músico se reduce al de un sirviente de su protector.

En el Barroco se formula la llamada “Teoría de los Afectos”, que establecía las bases con las que representar en música las pasiones y los sentimientos: para expresar alegría se utiliza el modo Mayor, la consonancia, el tempo rápido..., y para expresar tristeza se utiliza el modo menor, la disonancia, el tempo lento...

Además hay siete tipos de figuras retórico-musicales para poder expresar los afectos o pasiones del alma.

Los tres períodos de la Música Barroca son los siguientes:

  1. Primer Barroco (1580-1630)/ Barroco Temprano
  2. Segundo Barroco (1630-1680)/Barroco Pleno
  3. Tercer Barroco (1680-1750)/ Barroco Tardío

 ¿Cómo reconocer la música barroca?

  1. La característica más determinante es el Contraste:     (A-3)
  2. De movimientos: rápido-lento.
  3. De dinámica: forte-piano a modo de eco (matices por terrazas)
  4. De carácter: enérgico-calmado/ luminoso-tenebroso.
  5. De ritmo: binario-ternario/ valores largos-cortos.
  6. De timbre: viento madera-viento metal/ violín-oboe.
  7. De planos sonoros: solista-tutti/ concertino-tutti (estilo concertado).
  1. Ritmos extremos:
  2. Por un lado, el ritmo de la Música Barroca es mecánico, y desprende una gran energía rítmica debido a la pulsación regular, los patrones rítmicos repetitivos y los acentos ordenados.    (A-4)
  3. Por otro lado, hay una gran flexibilidad en las obras de estilo recitativo.
  1. Melodías diatónicas y cromáticas de ámbito grande.

Las líneas melódicas son largas y fluidas, y como además suelen ornamentarse, dan la sensación de un hilo sin fin que se enreda sobre sí mismo.

  1. Nueva textura de Monodía acompañada, que consiste en una melodía sostenida sobre un bajo instrumental sobre el que se colocan los acordes de relleno; el bajo continuo realiza este acompañamiento rítmico-armónico. Esta textura tendrá un gran éxito ya que supone una simplificación que facilita la expresión y comprensión del texto.    (A-5)

La Monodía Acompañada convive con la textura contrapuntística tras la polémica inicial entre partidarios de la primera (estilo nuevo)  o de la segunda (viejo estilo)

5- En Armonía, se sustituye la antigua música modal por la música tonal: una tonalidad rudimentaria a principios del Barroco  para llegar a  una tonalidad plenamente establecida en el tercer Barroco; la tonalidad es un   sistema musical basado en una nota importante o “tónica” a partir de la cual se  organizan los demás sonidos, y cada tono puede ser de dos modos: Mayor y  menor. Es pues una gran simplificación frente a los ocho+dos modos eclesiásticos que se utilizaban desde la E. Media (4 auténticos y 4 plagales + los dos modernos : jónico en “do” y eólico en “la” ) Precisamente, sobre estos dos modos modernos se iba a basar todo el sistema tonal.

Se hace un uso pictórico de la disonancia  y del semitono, que son empleados para expresar dolor o desconsuelo.

  1. En el plano tímbrico, hay una continuación de los instrumentos del Renacimiento  pero simplificando los de cuerda en la familia de los violines.
  2. La Orquesta Barroca es variada, distingue entre cuerda, viento y percusión, y la base es la familia del violín.
  3. En la Orquesta Barroca se distinguen dos tipos de instrumentos: los instrumentos melódicos que realizan las partes superiores, y los instrumentos acompañantes que ejecutan el bajo continuo.
  4. En las obras se busca la oposición tímbrica o contraste entre grupos instrumentales y el diálogo entre instrumentos. (estilo concertado)
  1. Proliferan las formas, tanto vocales como instrumentales..

                 2.1. Instrumentos del Barroco.

            La emancipación de la música Instrumental iniciada en el Renacimiento llegará a su punto culminante durante el Barroco. En este importante desarrollo desempeñará un papel decisivo dos aspectos:

  1. la evolución técnica de los instrumentos;
  2. el nacimiento de la orquesta como un grupo organizado, en el que se busca el perfeccionamiento de la interpretación y la riqueza tímbrica.

El compositor cuidará el colorido de sus obras detallando en la partitura la instrumentación, y el intérprete se irá especializando en su instrumento, de manera que surgen los primeros “virtuosos”.

En la formación de la orquesta aparecen todas las familias instrumentales, y la orquesta tiene como base fundamental la cuerda frotada y el bajo continuo,  base armónica grave que sustenta la melodía; el continuo generalmente lo realiza el clave o el órgano.

  1. CUERDA: 5 violines 1º, 5 violines 2º, 4 violas, 5 violonchelos, 2 contrabajos, guitarra, clavicémbalo o clave.
  2. VIENTO: 2 flautas, 2 oboes (bombarda), 2 fagotes (cromormo), 2 trompetas, trombón (sacabuche), y el órgano.
  3. PERCUSIÓN: 2 timbales (Lully introduce este instrumento en la orquesta y Haendel utilizó 16 en “Música para los reales fuegos de artificio”).

2.2. Formas instrumentales barrocas.

            Durante los primeros años del Barroco se mantiene una rica composición para instrumentos de teclado como el órgano y el clave, y para algunos instrumentos de cuerda como el laud y el violín, y se siguen utilizando las formas instrumentales del Renacimiento:

Piezas basadas en el contrapunto imitativo: ricercare y canzona.

Piezas basadas en la improvisación: tocata y preludio.   (A-6)  (A-7)

Piezas basadas en la variación: chacona.

Piezas de danza.

Pasados estos años iniciales del siglo XVII surgieron las grandes formas instrumentales barrocas como son la fuga, la suite, la sonata y el concierto.

FUGA: es una de las formas instrumentales más importantes para instrumentos de teclado, especialmente el órgano.

Es una forma simple, de un solo movimiento, en estilo contrapumtístico; se realiza a partir de un solo tema mediante el uso sistemático de la imitación.

El tema principal llamado “sujeto” se va alternando con temas secundarios o “contrasujetos” , y con partes de imitación más libres llamados “episodios”.

La estructura de la fuga se trasladará con frecuencia a la música vocal y a secciones instrumentales de obras mayores.

Partes de una fuga: Exposición / Contraexposición / Episodios o divertimentos / Estreccho /

                                Pedal / Cadencia.   (A- 8)

 Plan habitual  de las fugas:

              /………….    Sujeto (Tema inicial principal)

                   ++++++++    Contrasujeto (Tema secundario de acompañamiento)

             /***********    Respuesta (Imitación  tema inicial exacta o transportada a una 4ª o 5ª asc. o desc.)

             ========    Episodio (Diseño libre)

SUITE: es una forma compleja compuesta por la sucesión de danzas de distinto carácter, con lo que se consigue dar el sentido dramático de contraposición típico del Barroco.

La suite es el resultado de la evolución de la música de danza renacentista, que ya asociaba parejas de bailes de distinto ritmo y movimiento.

El número de danzas de que consta una suite puede ser muy variable.

Aunque la suite puede estar escrita para un solo instrumento, la consolidación de la forma se desarrolla en la música orquestal, especialmente con las Suites para orquesta de J.S.Bach.

La danzas principales eran : Allemanda, courante, zarabanda y giga.

Otras habituales: minueto, bourree, badinerie etc…   (A-9)

SONATA: es una forma compleja que se desarrolla en varios movimientos contrapuestos, normalmente cuatro.

El significado de la palabra sonata es el de “música para ser sonada”, tocada o interpretada por instrumentos (frente a la cantata que es “música para ser cantada”).

Arcangelo Corelli (1653-1713) estableció su estructura en cuatro movimientos que van contrastando tiempos lentos y rápidos, y con diferentes texturas y ritmos:

       1º- Grave/lento

       2º- Allegro en estilo fugado

       3º- Moderato

       4º- Vivo en estilo fugado u homofónico

El principio de contraste típico del Barroco, está presente pues en esta forma, y todo con bajo continuo.

La sonata puede ser, según el número de instrumentos:

Sonata a solo: pieza para instrumento solista (flauta, violín...) más el continuo. (A-10)

Sonata a dúo: pieza para dos instrumentos solistas más el continuo.

Sonata a trío: pieza para tres instrumentos solistas más el continuo.  (A-11)

Además, se distinguen dos prototipos de sonata:

Sonata da chiesa: se interpreta en la Iglesia, el continuo lo suele realizar un órgano, y nunca lleva en sus movimientos nombres de danza.

Sonata da cámara: se interpreta en la sala, el continuo lo realiza el clave y tiene una clara influencia de la danza.

Los principales compositores que cultivan esta forma son los siguientes: Cazzati, Vitali, Corelli y Albinoni, los cuales consiguen que la técnica violinística llegue a su Edad de Oro y al descubrimiento del virtuosismo (famosos luthiers son Stradivari y Guarnieri).

CONCERTO: es una forma orquestal barroca que refleja a la perfección el concepto de “contraste” tan típico de todo el Barroco.

El término concerto deriva de la palabra “concertare”, que expresa la idea de ordenar y juntar cosas distintas, es decir, tocar varios instrumentos al mismo tiempo, y también la de “pelear”por imponerse entre elementos distintos (En música se traduce en un diálogo constante entre partes diversas: tutti y concertino, por ejemplo).

El Concerto suele constar de tres movimientos contrapuestos:

          1º- Allegro

          2º- Lento

          3º- Allegro

Desde un punto de vista estructural, el Concerto está integrado por las siguientes partes:

Ritornello (“ritornar”-volver): es la música que toca el “tutti” (orquesta), y que se repite;

Solo: es el material nuevo que toca el “concertino” (grupo de solistas) o “solista”.

Por tanto, la forma del Concerto es:  Ritornello-Solo-Ritornello-Solo-Ritornello …..

Según cómo intervengan los instrumentos, el Concerto puede ser:

Concerto Grosso: contraste entre un “concertino” o grupo de solistas, y el “tutti” o resto de la orquesta, que se alternan en la interpretación de Solos y Ritornellos.  (A-12)

Corelli fija las características de este género con sus “Doce Concerti Grossi” (1714), y también destacan los “Conciertos de Brandemburgo” de J.S.Bach.  (Ver A-4)

Concerto Solo: compuesto para un solo instrumento solista que interpreta los “solos”, y el resto de la orquesta o “tutti” que interpreta los “Ritornellos”.

El compositor más destacado de este género es A. Vivaldi, al que se le atribuyen más de 300 Conciertos para solista, la mayoría para violín, y también para flauta, fagot, violonchelo... (A-13)

Formas vocales profanas.

  1. MADRIGAL: es una de las formas vocales más representativas de este cambio estilístico del Renacimiento al Barroco.   (A-14)

Claudio Monteverdi compone ocho “Libros de Madrigales”; los cuatro primeros libros incluyen madrigales renacentistas, pero a partir del 5ª Libro, publicado en el año 1605, los madrigales son barrocos, y presentan la nueva textura de la Monodía Acompañada.

  1. ÓPERA: es una forma vocal profana que surge en la llamada “Camerata Bardi”, círculo cultural del Conde Bardi en Florencia, que reunía a nobles, sabios, filósofos, poetas y músicos (entre ellos el padre de Galileo) en un intento de recuperar el Teatro Clásico Griego.  

      Este será el punto de partida del género operístico, que asumirá plenamente la Monodía     

     Acompañada. El objeto de la música es subrayar y reforzar la expresión de la palabra, así     

     que el requisito indispensable de la ópera será la inteligibilidad del texto.

     La primera ópera conservada es “Eurídice” de Peri, a la que seguirá otra con el mismo    

     título compuesta por Caccini, ambas representadas en el año 1600.

             (Ver A-1,  A-16,  A-17 y  A-18)

Sin embargo, la considerada como primera gran ópera barroca es el “Orfeo” de Claudio Monteverdi, estrenado en el año 1607, y que presenta un rico desarrollo instrumental y vocal.  (Ver A-19)

La ópera es una forma musical profana, de carácter narrativo, que utiliza la representación escénica.

Precisa de un escenario, orquesta, coro y solistas, y se desarrolla en varias partes:

  1. Obertura: es una sección instrumental que da comienzo a la obra.  (A-15)
  2. Partes cantadas por coros, solistas o diversas agrupaciones según el drama; en función del contenido del texto, los solistas pueden cantar en tres estilos:
  3. Estilo Recitativo (texto declamado): sistema que sirve para recitar según los acentos del texto, y está acompañado del continuo. Suele narrar una acción.  (A-16)
  4. Estilo Arioso: forma de cantar más adornada que el Recitativo.  (A-17)
  5. Estilo Aria: las melodías se adornan bastante y tienen mayor belleza plástica. Suele presentar el núcleo dramático de los protagonistas: sentimientos etc…  (A-18)
  6. Interludios instrumentales: son las partes instrumentales que se intercalan en la obra.

Los dos tipos más importantes de ópera barroca son los siguientes:

  • Ópera Seria: es de carácter aristocrático y los argumentos están basados en temas mitológicos y heroicos. A este tipo pertenecen las primeras óperas y adquirirá un gran desarrollo en Italia.  (A-19)

Se origina con la reforma del libreto por Zeno y Metastasio.

Los principales compositores de este género son: A. Cesti, Monteverdi,  A. Scarlatti, A. Stradela y G.F.Haendel.   (A-20)

  • Ópera Bufa: es de carácter popular y los argumentos reflejan la vida cotidiana del pueblo, presentando con frecuencia una crítica social a las clases altas.

Por su carácter popular, la música es sencilla y no hay castrati ni bel canto.

Una de las obras más representativas es “La Serva Padrona” de G.B.Pergolesi, estrenada en el año 1733.  (A-21)

La ópera se convertirá en uno de los géneros más importantes del Barroco, e irá adoptando características peculiares en cada nación:

  • En Francia, la ópera seria se conoce con el nombre de “Tragédie Lyrique”, y su máximo representante es J.B.Lully (1632-1687). A la ópera bufa se le llama “Opera Comique” (en francés).  (Ver A-15)
  • En Inglaterra, la ópera sienta sus bases con la obra de H:Purcell “Dido y Eneas”, estrenada en el año 1689 (en inglés).  (Ver A-5)
  • En Alemania, la adaptación de la ópera bufa dará lugar al “Singspiel” (alemán).
  • En España, la ópera se llamará “Zarzuela”, debido a que comenzó a representarse en el actual Palacio de la Zarzuela, y consistirá en la sucesión de partes habladas y cantadas (en castellano). También se componían “Tonadillas” (más cortas, divertidas, y satíricas que terminan con danzas folklóricas). Autores: Hidalgo, Literes y Durón.
  1. CANTATA: es una forma musical compuesta sobre un texto profano o religioso, y etimológicamente significa “música para cantar”, opuesto a la sonata que es “música para sonar”.

La Cantata surge como una forma profana de carácter lírico-amoroso, y será adoptada por la música religiosa cambiando el texto (fragmentos del Evangelio, de los Salmos o temas religiosos populares).

A diferencia del Oratorio y la Ópera, en la Cantata no se canta una historia, no es narrativa, y nace con el inicio del Barroco unida al madrigal y a la canción.

Está compuesta para orquesta, coros y solistas, y formada por la sucesión de arias y recitativos.

Además, es una forma donde la voz humana experimenta sus posibilidades y nace el gusto por el virtuosismo vocal.  (A-22)  

Entre los compositores más representativos de esta forma destacan L.Rossi, G:Carissimi y A.Cesti y Bach.  (A-23)   (A-24)

En Alemania, la Cantata es inmediatamente aceptada por la Iglesia Protestante, y su máximo cultivador es J.S.Bach, que compone más de 200 Cantatas. Otros autores: Buxtehude y Schütz

La Cantata se convertirá en el elemento más destacado del Culto Luterano, y no falta cada domingo y festividad del año.

Usa como elemento más importante y unificador el “Coral”, que encarna el espíritu luterano.

            4. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA.

4.2. Formas vocales religiosas.

Las nuevas formas de Música Vocal Religiosa que aparecen en el Barroco son la Cantata, el Oratorio y la Pasión.

  1. CANTATA: La Cantata se hace religiosa en Alemania y llega a su “Edad de oro” en el culto luterano  (Ver arriba) (A-26 …….  A-38)
  1. ORATORIO: es una forma vocal religiosa barroca, de carácter narrativo, sin representación escénica; esta forma puede considerarse como una ópera religiosa sin representación.

Está compuesta para orquesta, solistas y coro, y formada por la sucesión de arias, recitativos y coros.

Al no ser una obra representada, introduce la figura de un “narrador” que irá relatando la acción basada en los textos del Antiguo y Nuevo Testamento, y refuerza el papel del coro.

Su nombre viene del Oratorio de San Felipe Neri, lugar donde se reunían los discípulos a orar; surge en Roma y se extiende a Florencia, Mantua, Venecia, y también a Francia e Inglaterra.

El primer gran autor de Oratorios es G.Carissimi, que con su obra “Jephté”, lleva esta forma a una gran perfección. Este autor convierte el coro en el gran protagonista del Oratorio, dándole una gran fuerza dramática y rítmica, para lograr una mayor efectividad. (A-39)

El Oratorio llega a su mejor momento con G.F.Haendel (1685-1759), compositor que comienza cultivando ópera, y luego se vuelve hacia temas ético-religiosos, como los Oratorios, basados en la Biblia. En ellos consigue sus mejores obras, una mezcla de coros fastuosos, acompañados de una orquestación magnífica, lo que nos lleva a una de las cumbres de toda la producción barroca. (A-40)

Como en las cantatas y Pasiones, el coro es símbolo de la voz del pueblo, por lo que en él vierte una música de enorme emoción. Su Oratorio más famoso es “El Mesías”.  

  (A-41 ….. 45)

PASIÓN: es una forma vocal religiosa barroca, de carácter narrativo, sin representación escénica, que trata el tema exclusivo de la pasión y muerte de Cristo. Es como una “gigantesca cantata sobre la Pasión”

Se inspira en el Evangelio, y los personajes de la Pasión son los siguientes:

  1. Un evangelista que hace de narrador de los acontecimientos en estilo recitativo. (A-46)
  2. Los personajes del Evangelio interpretados por los solistas. (A-47)
  3. El pueblo alemán interpretado por el coro, y que interviene en el drama expresando sus sentimientos.  (A-48)   (A-49)

No hay representación escénica, sólo se canta, y como en la Cantata, el elemento unificador y básico son los corales que se repiten.

El compositor más destacado de este género es J.S.Bach y sus dos obras fundamentales son “Pasión según San Mateo” y “Pasión según San Juan”. (Ver audic. anteriores)

Otro compositor de Pasiones fue G.P.Telemann, que compone 44 Pasiones, pero hace evolucionar esta forma hacia algo más poético y místico, y su música tiene un carácter más alegre (influencia francesa).

5- COMPOSITORES BARROCOS

5.1- A. VIVALDI (1676-1741)

Uno de los genios más grandes de este periodo musical. Sacerdote (“il prette rosso”), violinista de primera línea, compone  concertos de gran valor, óperas y variada música religiosa y profana. Representa la culminación del barroco instrumental italiano.  (Ver A-12 y A-13)

Entre sus obras hay que destacar: L’Estro Armónico; La Satravaganza; Il cimento della armonía e della invenzione (4 estaciones) todas ellas colecciones de conciertos.

Cualidades de su música:

      - Belleza de los temas que usa.

      - Claridad en su forma.

      - Vitalidad rítmica e inspiración melódica.    (A-50 …….. 58)

5.2- J. S. BACH  (1685-1750)

Una de las figuras cumbres de la Historia de la Música. para muchos es la encarnación más grandiosa del espíritu musical que se haya dado en un solo hombre, el “Himalaya de la música”. Nació en Eisenach, fue padre de numerosos hijos (muchos de los cuales serán músicos  famosos) fruto del matrimonio con dos mujeres. Vive y muere en la pobreza. En vida sólo se le reconoce como gran organista. Sólo casi un siglo después, con Mendelssohn a la cabeza, se inicia el proceso de reconocimiento de su faceta de compositor inmenso que aún continua en la actualidad siendo motivo constante de inspiración para músicos modernos de los más diversos estilos, jazz incluido.  (Ver A-4, 8,9, 23, 24, 26, 27, 28, 29………38)

Llegó al mundo de la música en el Barroco avanzado y  realiza una síntesis de todos los estilos nacionales y las técnicas antiguas y modernas, consolida la música tonal y lleva a la música a cotas impensables antes de él, o sea al barroco en plenitud.

Fue organista en iglesias famosas de Lepzig o Weimar  y compone “en honor de Dios y para recreo del ama, puesto que la música en siempre un arte divino” por lo que muchos autores indican que en Bach no se puede distinguir entre música religiosa y profana. Eso sí, óperas no compuso porque lo consideraba un estilo “frívolo”.

Entradas relacionadas: